#: locale=pl
## Action
### URL
LinkBehaviour_77DC12D7_779E_110E_41D9_31EB85156CAB.source = https://spacer360.pl
LinkBehaviour_4603F6E5_FC0A_3F1D_41CE_DC03242EF5F5.source = https://www.renatamaslyk.pl
LinkBehaviour_488DC9CB_FC0E_7515_41E4_D2AE3C09F2E4.source = https://www.renatamaslyk.pl
## Media
### Audio
audiores_4FB1E6E7_68A1_2AF1_418C_15A4C6466F65.mp3Url = media/audio_4BA7B512_68A1_6F52_4175_4F25CF055625_pl.mp3
audiores_4FA5A42B_68A1_2D71_41C2_C66FCB00007F.mp3Url = media/audio_4C799FB3_68A3_3B51_41D2_81911496F1D8_pl.mp3
audiores_6EA1074E_6B5E_F7F4_41A5_56052BB50BB1.mp3Url = media/audio_6EA0DA0B_6B5F_1973_4192_FE878F3B3811_pl.mp3
audiores_70B85330_68E3_2B6F_41C2_33B42413AB0A.mp3Url = media/audio_70D0D28B_68E3_2531_41B0_6EA965D09BEA_pl.mp3
audiores_4FFB1180_68A1_272F_41D5_45FA011C9C22.mp3Url = media/audio_75CB69B4_68AF_E757_41CC_47B65BDB10E3_pl.mp3
audiores_76D6FAFE_78E3_3422_41D7_DBCB6D762AAE.mp3Url = media/audio_76C83393_78EF_34E2_41D9_3E5360366D11_pl.mp3
audiores_76D6FDC9_78E3_2C6E_41C1_9B3AC6A7CEB8.mp3Url = media/audio_76CC915E_78E7_F465_41BD_B37655D09491_pl.mp3
audiores_76D7034E_78E2_D465_41D7_C30D375129B5.mp3Url = media/audio_76CECFCE_78E3_6C62_41D2_BF67BB8BFCD2_pl.mp3
audiores_76D70862_78E2_D422_41D1_37C76B3C3153.mp3Url = media/audio_76D27D10_78E3_2DFE_41DD_A1B952FBB608_pl.mp3
audiores_76D70F58_78E2_EC6E_41D8_CFE36E45C802.mp3Url = media/audio_76D43804_78E7_33E6_41D5_E331D1B7B716_pl.mp3
audiores_76D713DB_78E2_F462_41D6_B141ADC7ED21.mp3Url = media/audio_76D5C771_78E1_5C3E_41D8_ADF5ADBC45E4_pl.mp3
audiores_76DCF017_78E7_33E2_419C_185CAD2AF7E0.mp3Url = media/audio_76D8C603_78EF_5FE2_41C4_B35EFDC73556_pl.mp3
audiores_76DCF3C8_78E7_346E_41D9_1F10CDEDDC43.mp3Url = media/audio_76DA417E_78E3_5425_41C1_583DFCDB73EC_pl.mp3
audiores_76F1B833_78A1_3422_41BB_93C6C936F908.mp3Url = media/audio_76E5660A_78A1_5FE2_41C6_C477DF674480_pl.mp3
audiores_76F1BD3D_78A1_2C27_41D6_BF54E1178033.mp3Url = media/audio_76E7EEE8_78A1_2C2D_41A1_EC780AAA138C_pl.mp3
audiores_76F1C184_78A1_54E6_41DA_9C242E05F7CF.mp3Url = media/audio_76EC21A4_78A6_D427_41D3_A264D1A70A7C_pl.mp3
audiores_76F99E29_78A1_EC2E_41C6_AD16FBD326D7.mp3Url = media/audio_76F37504_78A1_3DE6_41CD_03CB07CA1D82_pl.mp3
audiores_76F9A1C7_78A1_D462_419A_78E88B915D49.mp3Url = media/audio_76F4C099_78A7_54EF_41B0_74D0763A5BE2_pl.mp3
audiores_76F9A55D_78A1_DC66_41B9_F435534F07C5.mp3Url = media/audio_76F60688_78A2_DCEE_41D2_00D6EB80195A_pl.mp3
audiores_76F9A9CA_78A1_D462_41C2_88B6E00CE0B3.mp3Url = media/audio_76F838B4_78AF_3426_41D8_FD8480DF7F9B_pl.mp3
audiores_770AF84E_7963_3462_41C4_E0FCB706D025.mp3Url = media/audio_76FB0D11_78A2_EDFE_41C3_C24821D7CBAE_pl.mp3
audiores_770AFAFA_7963_3422_41CB_ACAA310EE6F4.mp3Url = media/audio_76FCB451_78A7_3C7E_41CD_3A4BFA08CD0B_pl.mp3
audiores_770AFEE3_7963_2C22_41C3_ABCCE753B438.mp3Url = media/audio_76FE06F7_78A2_DC23_419C_078ED682BC0E_pl.mp3
audiores_770B0361_7962_D45E_41DC_F681BEE1A6C3.mp3Url = media/audio_7700B620_795F_3FDE_41DA_340CE4527B4A_pl.mp3
audiores_770B05D9_7962_DC6E_41C6_1D0937CF8F81.mp3Url = media/audio_7701C74D_7961_5C66_41D8_6410FF9F5C28_pl.mp3
audiores_770B0847_7962_D462_41D3_E629F8EBA650.mp3Url = media/audio_77030FF4_7962_EC25_41D7_894689C5E323_pl.mp3
audiores_770B0B73_7962_D422_41D8_37E6C579B664.mp3Url = media/audio_77060E82_7962_ECE2_41BC_B5240F725E22_pl.mp3
audiores_770B0ED6_7962_EC62_41C7_196AC6F80876.mp3Url = media/audio_77082CD5_796F_2C66_418D_66B196AF9230_pl.mp3
audiores_7724AFF9_79A7_2C2E_41D7_1E9C8EB00639.mp3Url = media/audio_7723111B_79A2_F5E2_41BC_8BBEC594B7F7_pl.mp3
audiores_78EBB2FF_68E1_2AD1_41B0_02B3857C2EFC.mp3Url = media/audio_782DF5E0_68E1_2EEF_41B5_B011AECE2A05_pl.mp3
### Audio Subtitles
### Image
imlevel_76F9977F_78A1_FC22_41D4_F97A4B177F59.url = media/popup_6E959A60_6B61_19AD_4171_08492189B5D4_pl_0_0.webp
imlevel_76F9977F_78A1_FC22_41D9_E062DA06060B.url = media/popup_6E959A60_6B61_19AD_4171_08492189B5D4_pl_0_1.webp
imlevel_76F99780_78A1_FCDE_41C5_2B35CEB231F0.url = media/popup_6E959A60_6B61_19AD_4171_08492189B5D4_pl_0_2.webp
imlevel_76F99780_78A1_FCDE_41DC_B5517B3A5369.url = media/popup_6E959A60_6B61_19AD_4171_08492189B5D4_pl_0_3.webp
imlevel_76F99796_78A1_FCE2_41D3_E176F325F3DD.url = media/popup_6E960C9E_6B62_FA95_41DA_B8B1D4BB2C62_pl_0_0.webp
imlevel_76F99796_78A1_FCE2_4180_1B7046091E15.url = media/popup_6E960C9E_6B62_FA95_41DA_B8B1D4BB2C62_pl_0_1.webp
imlevel_76F99796_78A1_FCE2_41D9_0B1B572D95B4.url = media/popup_6E960C9E_6B62_FA95_41DA_B8B1D4BB2C62_pl_0_2.webp
imlevel_76F99797_78A1_FCE2_41DA_EED5874A9A4A.url = media/popup_6E960C9E_6B62_FA95_41DA_B8B1D4BB2C62_pl_0_3.webp
### Popup Image
### Title
photo_73077762_6493_E5F3_41B3_BFE6A067A794.label = 01_Renata Masłyk - Paroksyzmy kruchego bytu 04 - Koszula, 100x80 cm, mixed media, 2024
photo_4D76D97F_68A1_67D0_41B3_707E9F5FBA9D.label = 01_Renata Masłyk - Paroksyzmy kruchego bytu 09 - Sukienka, 100x80 cm, mixed media, 2024
photo_4FACBBE0_68A7_7AEF_41D1_DC81BEE55F9E.label = 01_Renata Masłyk - Paroksyzmy kruchego bytu 11 - Kurtka, 100x80 cm, mixed media, 2024
photo_76C7D84F_78E1_7462_41C6_5A800F5DB066.label = 01_Renata Masłyk - Paroksyzmy kruchego bytu 12 - Pasek, 100x80 cm, mixed media, 2024
photo_76CD56A4_78E1_7C26_41D9_553E265D85C0.label = 01_Renata Masłyk - Paroksyzmy kruchego bytu 13 - Klaudia, 100x80 cm, mixed media, 2024
photo_76CF28A2_78E2_D422_41D1_30222D71EFA0.label = 01_Renata Masłyk - Paroksyzmy kruchego bytu 14 - Początek 115, 100x80 cm, mixed media, 2024
photo_73748589_68AF_2F31_41D9_3E9162AF5FE1.label = 01_Renata Masłyk - Paroksyzmy kruchego bytu 5 - Podwiązka, 100x80 cm, mixed media, 2024
photo_76D2B6F2_78E3_3C22_41D9_48C3E5289879.label = 01_Renata Masłyk - Paroksyzmy kruchego bytu 87610, kwadryptyk 100x80 cm, 2024
photo_7700FDD2_795F_2C7D_41CA_89A08E381084.label = 03_JURY_6.P.Woroniec
photo_77021AD8_7962_F46E_41B1_0DD4F0E93A37.label = 03_JURY_Bodio
photo_7703700B_7961_33E2_41D0_A5461CA99AA6.label = 03_JURY_Renata Szyszlak_KLISZA CZASU
photo_76D489AA_78E7_D42D_41D3_72FD607A9172.label = 04_NAGRODA 1 - Agata Germain
photo_76D622E9_78E2_D42E_4181_DAFEB6E274CD.label = 04_NAGRODA 2 - Julia Lis
photo_76DA7F55_78E3_2C66_41D9_8C02839314DC.label = 04_NAGRODA 3 - Magdalena Jankisz
photo_76F3BC92_78A1_2CE2_41D0_D129B5EFEA14.label = 05_WYRÓŻNIENIE - Anna Wieczerzak
photo_76F4FD56_78A7_2C62_41D8_39E60D6458A1.label = 05_WYRÓŻNIENIE - Marcin Dudek
photo_76F651B8_78A3_742E_41DB_5281A888E3BA.label = 05_WYRÓŻNIENIE - Natalia Suaj
panorama_76EA5056_78A3_7462_41C5_EEC2A649BF27.label = 1
panorama_76E99D5D_78A1_EC66_41A3_5549DB761B21.label = 10
panorama_76E9C980_78A1_54DE_41BF_239A89787402.label = 11
panorama_76E9F533_78A1_3C22_41C0_521570D5CFF1.label = 12
panorama_76EA23AB_78A2_D422_41B1_647ECF0C9F4B.label = 13
panorama_76EA84E3_78A3_DC22_41C2_ACD80EF9FD25.label = 2
panorama_76EABE71_78A3_2C3E_41DB_61732DB6F055.label = 3
panorama_76EAEAC8_78A3_546E_41CF_5B489D56348D.label = 4
panorama_76EB1E04_78A2_EFE5_41CE_DC5457C0D0FB.label = 5
panorama_76EB4B63_78A1_5422_41DB_54F70B118533.label = 6
panorama_76E2C480_78A3_5CDD_41A6_7E8E26585310.label = 7
panorama_76E949B0_78A1_543E_41CF_C4E74003C953.label = 8
panorama_76E97223_78A1_3422_41C7_23B1D0970BD4.label = 9
photo_76F87661_78AF_3C5E_41D4_AA5F7E971EA9.label = UCZESTNIK - Agata Sarna
photo_76E5A367_78A1_D422_41CD_BFCDDBAD6AEC.label = UCZESTNIK - Agata Zielińska
photo_76FB61A4_78A1_5426_41C3_6F13695F4690.label = UCZESTNIK - Aneta Mierzwa
photo_76FE49C3_78A3_5462_41CC_83E0D82AA2DC.label = UCZESTNIK - Bożena Kot
photo_76E83E87_78AF_2CE2_41B0_D7CFD1F3AADC.label = UCZESTNIK - Jadwiga Napiórkowska
photo_77236D09_79A1_2DEE_41D0_EDF26030F7CB.label = UCZESTNIK - Joanna Jęczalik
photo_76D90374_78EE_D426_41D5_E7BEEA47E977.label = UCZESTNIK - Monika Maciałek
photo_76FD36EB_78A1_3C23_41C2_312A44A305FB.label = UCZESTNIK - Natalia Szlęk
photo_77066208_7963_57EE_41BB_7E40971B0392.label = UCZESTNIK - Łukasz Dublański
photo_770A35BB_7963_3C22_41C6_AEC04B2A3CF6.label = lulia-jaskula
photo_76EFBA92_78A1_34E2_41D6_14ED50BC6354.label = pawel-olearka
video_B904BF45_8F64_5F10_41CC_14B472CB64F7.label = wideo_kompresja
### Video
videolevel_B02AE859_8F64_6131_41D6_5341F9CF1E2A.url = media/video_B904BF45_8F64_5F10_41CC_14B472CB64F7_pl.mp4
videolevel_B02AE859_8F64_6131_41D6_5341F9CF1E2A.posterURL = media/video_B904BF45_8F64_5F10_41CC_14B472CB64F7_poster_pl.jpg
### Video Subtitles
## Popup
### Body
htmlText_775E2820_79E2_D3DE_41DA_84877688D1A6.html = III MIEJSCE
Autor: Magdalena JANKISZ
100 cm x 70 cm
technika mieszana - plastik, metal, farba olejna
2024 r.
Praca stworzona z płyt CD i metalowych podkładek pokrytych farbami olejnymi. Niektóre z płyt, pierwotnie błyszczące,
tworzą świetliste refleksy, które zmieniają się w zależności od kąta patrzenia, niczym migotliwe wspomnienia. Kolory
kontrastują, budując dynamiczną kompozycję. Odsłonięte powierzchnie płyt dają wrażenie okien do przeszłości, rozmytych
i zdeformowanych przez czas. Praca zaprasza do refleksji nad trwałością i ulotnością wspomnień.
Praca składa się z geometrycznej kompozycji utworzonej z płyt CD oraz metalowych podkładek, rozmieszczonych na czarnym tle. Płyty są ułożone w regularny układ, naprzemiennie z okręgami pokrytymi farbami olejnymi w intensywnych kolorach czerwieni i żółci. Ich lustrzane powierzchnie odbijają światło, tworząc różnokolorowe refleksy, które zmieniają się w zależności od kąta patrzenia.
Kompozycja cechuje się wyrazistą strukturą – każda płyta i okrąg są otoczone metalowymi podkładkami, które dodają pracy detali i wzmacniają kontrast między błyszczącymi, holograficznymi powierzchniami a matowymi kolorowymi fragmentami. Powtarzający się wzór oraz zróżnicowane materiały wprowadzają rytmiczność i dynamiczny charakter. Czarna baza tła dodatkowo podkreśla intensywność kolorów i świetlistość płyt CD.
Autor: Renata Masłyk
100x80 cm
mixed media na workach jutowych
2024
Warstwa ideowa:
Obraz odzwierciedla subtelne napięcie między kruchością a siłą, codziennością a intymnością. Fragment pasa do pończoch, delikatny i symboliczny, staje się elementem podtrzymującym obraz, niczym podwiązkę, która łączy funkcjonalność z zmysłowością. Praca ta podejmuje dialog z przemijalnością i strukturą życia, w którym to, co zdaje się być jedynie detalem, może pełnić kluczową rolę. Surowe materiały zestawione z akcentem kobiecej intymności tworzą przestrzeń refleksji nad relacjami, tradycją oraz ukrytą mocą drobnych gestów.
Warstwa wizualna:
Tło:
Tło składa się z dużego fragmentu czarnego jutowego worka, którego faktura i nieregularności nadają całości surowy, organiczny charakter. Po lewej stronie widoczny jest fragment worka w naturalnym beżowym kolorze, przełamujący monotonię ciemnej powierzchni.
Główny element:
Centralnym punktem obrazu jest fragment czarnego pasa do pończoch, który pełni funkcję symboliczną i kompozycyjną. Przypomina podwiązkę przytrzymującą obraz, co wprowadza do dzieła zmysłowy i intymny akcent, kontrastujący z surowością materiałów.
Tło kolorystyczne:
W prawym dolnym rogu obrazu znajduje się postrzępione rozdarcie, które odsłania intensywny, żywy kolor malinowy. Ten kolorystyczny akcent wprowadza dramatyczny kontrast do ciemnego i neutralnego tła, przyciągając wzrok i nadając kompozycji emocjonalną głębię.
Dodatki:
Całość została osadzona w ramie, do której płótno przymocowano za pomocą grubych lnianych sznurków, nadających dziełu dodatkową trójwymiarowość i podkreślających jego surowy, rzemieślniczy charakter. Element pasa do pończoch po lewej stronie dodaje subtelnej delikatności w zestawieniu z resztą materiałów.
Autor: Renata Masłyk
100x80 cm
mixed media na workach jutowych
2024
Warstwa ideowa:
Obraz odzwierciedla subtelne napięcie między kruchością a siłą, codziennością a intymnością. Fragment pasa do pończoch, delikatny i symboliczny, staje się elementem podtrzymującym obraz, niczym podwiązkę, która łączy funkcjonalność z zmysłowością. Praca ta podejmuje dialog z przemijalnością i strukturą życia, w którym to, co zdaje się być jedynie detalem, może pełnić kluczową rolę. Surowe materiały zestawione z akcentem kobiecej intymności tworzą przestrzeń refleksji nad relacjami, tradycją oraz ukrytą mocą drobnych gestów.
Warstwa wizualna:
Tło:
Tło składa się z dużego fragmentu czarnego jutowego worka, którego faktura i nieregularności nadają całości surowy, organiczny charakter. Po lewej stronie widoczny jest fragment worka w naturalnym beżowym kolorze, przełamujący monotonię ciemnej powierzchni.
Główny element:
Centralnym punktem obrazu jest fragment czarnego pasa do pończoch, który pełni funkcję symboliczną i kompozycyjną. Przypomina podwiązkę przytrzymującą obraz, co wprowadza do dzieła zmysłowy i intymny akcent, kontrastujący z surowością materiałów.
Tło kolorystyczne:
W prawym dolnym rogu obrazu znajduje się postrzępione rozdarcie, które odsłania intensywny, żywy kolor malinowy. Ten kolorystyczny akcent wprowadza dramatyczny kontrast do ciemnego i neutralnego tła, przyciągając wzrok i nadając kompozycji emocjonalną głębię.
Dodatki:
Całość została osadzona w ramie, do której płótno przymocowano za pomocą grubych lnianych sznurków, nadających dziełu dodatkową trójwymiarowość i podkreślających jego surowy, rzemieślniczy charakter. Element pasa do pończoch po lewej stronie dodaje subtelnej delikatności w zestawieniu z resztą materiałów.
Autor: Renata Masłyk
100x80 cm
mixed media na workach jutowych
2024
Warstwa ideowa:
Obraz odzwierciedla subtelne napięcie między kruchością a siłą, codziennością a intymnością. Fragment pasa do pończoch, delikatny i symboliczny, staje się elementem podtrzymującym obraz, niczym podwiązkę, która łączy funkcjonalność z zmysłowością. Praca ta podejmuje dialog z przemijalnością i strukturą życia, w którym to, co zdaje się być jedynie detalem, może pełnić kluczową rolę. Surowe materiały zestawione z akcentem kobiecej intymności tworzą przestrzeń refleksji nad relacjami, tradycją oraz ukrytą mocą drobnych gestów.
Warstwa wizualna:
Tło:
Tło składa się z dużego fragmentu czarnego jutowego worka, którego faktura i nieregularności nadają całości surowy, organiczny charakter. Po lewej stronie widoczny jest fragment worka w naturalnym beżowym kolorze, przełamujący monotonię ciemnej powierzchni.
Główny element:
Centralnym punktem obrazu jest fragment czarnego pasa do pończoch, który pełni funkcję symboliczną i kompozycyjną. Przypomina podwiązkę przytrzymującą obraz, co wprowadza do dzieła zmysłowy i intymny akcent, kontrastujący z surowością materiałów.
Tło kolorystyczne:
W prawym dolnym rogu obrazu znajduje się postrzępione rozdarcie, które odsłania intensywny, żywy kolor malinowy. Ten kolorystyczny akcent wprowadza dramatyczny kontrast do ciemnego i neutralnego tła, przyciągając wzrok i nadając kompozycji emocjonalną głębię.
Dodatki:
Całość została osadzona w ramie, do której płótno przymocowano za pomocą grubych lnianych sznurków, nadających dziełu dodatkową trójwymiarowość i podkreślających jego surowy, rzemieślniczy charakter. Element pasa do pończoch po lewej stronie dodaje subtelnej delikatności w zestawieniu z resztą materiałów.
Autor: Renata Masłyk
100x80 cm
mixed media na workach jutowych
2024
Warstwa ideowa:
Obraz odzwierciedla subtelne napięcie między kruchością a siłą, codziennością a intymnością. Fragment pasa do pończoch, delikatny i symboliczny, staje się elementem podtrzymującym obraz, niczym podwiązkę, która łączy funkcjonalność z zmysłowością. Praca ta podejmuje dialog z przemijalnością i strukturą życia, w którym to, co zdaje się być jedynie detalem, może pełnić kluczową rolę. Surowe materiały zestawione z akcentem kobiecej intymności tworzą przestrzeń refleksji nad relacjami, tradycją oraz ukrytą mocą drobnych gestów.
Warstwa wizualna:
Tło:
Tło składa się z dużego fragmentu czarnego jutowego worka, którego faktura i nieregularności nadają całości surowy, organiczny charakter. Po lewej stronie widoczny jest fragment worka w naturalnym beżowym kolorze, przełamujący monotonię ciemnej powierzchni.
Główny element:
Centralnym punktem obrazu jest fragment czarnego pasa do pończoch, który pełni funkcję symboliczną i kompozycyjną. Przypomina podwiązkę przytrzymującą obraz, co wprowadza do dzieła zmysłowy i intymny akcent, kontrastujący z surowością materiałów.
Tło kolorystyczne:
W prawym dolnym rogu obrazu znajduje się postrzępione rozdarcie, które odsłania intensywny, żywy kolor malinowy. Ten kolorystyczny akcent wprowadza dramatyczny kontrast do ciemnego i neutralnego tła, przyciągając wzrok i nadając kompozycji emocjonalną głębię.
Dodatki:
Całość została osadzona w ramie, do której płótno przymocowano za pomocą grubych lnianych sznurków, nadających dziełu dodatkową trójwymiarowość i podkreślających jego surowy, rzemieślniczy charakter. Element pasa do pończoch po lewej stronie dodaje subtelnej delikatności w zestawieniu z resztą materiałów.
Autor: Renata Masłyk
100x80 cm
mixed media na workach jutowych
2024
Warstwa ideowa:
Obraz odzwierciedla subtelne napięcie między kruchością a siłą, codziennością a intymnością. Fragment pasa do pończoch, delikatny i symboliczny, staje się elementem podtrzymującym obraz, niczym podwiązkę, która łączy funkcjonalność z zmysłowością. Praca ta podejmuje dialog z przemijalnością i strukturą życia, w którym to, co zdaje się być jedynie detalem, może pełnić kluczową rolę. Surowe materiały zestawione z akcentem kobiecej intymności tworzą przestrzeń refleksji nad relacjami, tradycją oraz ukrytą mocą drobnych gestów.
Warstwa wizualna:
Tło:
Tło składa się z dużego fragmentu czarnego jutowego worka, którego faktura i nieregularności nadają całości surowy, organiczny charakter. Po lewej stronie widoczny jest fragment worka w naturalnym beżowym kolorze, przełamujący monotonię ciemnej powierzchni.
Główny element:
Centralnym punktem obrazu jest fragment czarnego pasa do pończoch, który pełni funkcję symboliczną i kompozycyjną. Przypomina podwiązkę przytrzymującą obraz, co wprowadza do dzieła zmysłowy i intymny akcent, kontrastujący z surowością materiałów.
Tło kolorystyczne:
W prawym dolnym rogu obrazu znajduje się postrzępione rozdarcie, które odsłania intensywny, żywy kolor malinowy. Ten kolorystyczny akcent wprowadza dramatyczny kontrast do ciemnego i neutralnego tła, przyciągając wzrok i nadając kompozycji emocjonalną głębię.
Dodatki:
Całość została osadzona w ramie, do której płótno przymocowano za pomocą grubych lnianych sznurków, nadających dziełu dodatkową trójwymiarowość i podkreślających jego surowy, rzemieślniczy charakter. Element pasa do pończoch po lewej stronie dodaje subtelnej delikatności w zestawieniu z resztą materiałów.
Autor: Renata Masłyk
100x80 cm
mixed media na workach jutowych
2024
Warstwa ideowa:
Obraz odzwierciedla subtelne napięcie między kruchością a siłą, codziennością a intymnością. Fragment pasa do pończoch, delikatny i symboliczny, staje się elementem podtrzymującym obraz, niczym podwiązkę, która łączy funkcjonalność z zmysłowością. Praca ta podejmuje dialog z przemijalnością i strukturą życia, w którym to, co zdaje się być jedynie detalem, może pełnić kluczową rolę. Surowe materiały zestawione z akcentem kobiecej intymności tworzą przestrzeń refleksji nad relacjami, tradycją oraz ukrytą mocą drobnych gestów.
Warstwa wizualna:
Tło:
Tło składa się z dużego fragmentu czarnego jutowego worka, którego faktura i nieregularności nadają całości surowy, organiczny charakter. Po lewej stronie widoczny jest fragment worka w naturalnym beżowym kolorze, przełamujący monotonię ciemnej powierzchni.
Główny element:
Centralnym punktem obrazu jest fragment czarnego pasa do pończoch, który pełni funkcję symboliczną i kompozycyjną. Przypomina podwiązkę przytrzymującą obraz, co wprowadza do dzieła zmysłowy i intymny akcent, kontrastujący z surowością materiałów.
Tło kolorystyczne:
W prawym dolnym rogu obrazu znajduje się postrzępione rozdarcie, które odsłania intensywny, żywy kolor malinowy. Ten kolorystyczny akcent wprowadza dramatyczny kontrast do ciemnego i neutralnego tła, przyciągając wzrok i nadając kompozycji emocjonalną głębię.
Dodatki:
Całość została osadzona w ramie, do której płótno przymocowano za pomocą grubych lnianych sznurków, nadających dziełu dodatkową trójwymiarowość i podkreślających jego surowy, rzemieślniczy charakter. Element pasa do pończoch po lewej stronie dodaje subtelnej delikatności w zestawieniu z resztą materiałów.
Autor: Renata Masłyk
100x80 cm
mixed media na workach jutowych
2024
Warstwa ideowa:
Obraz odzwierciedla subtelne napięcie między kruchością a siłą, codziennością a intymnością. Fragment pasa do pończoch, delikatny i symboliczny, staje się elementem podtrzymującym obraz, niczym podwiązkę, która łączy funkcjonalność z zmysłowością. Praca ta podejmuje dialog z przemijalnością i strukturą życia, w którym to, co zdaje się być jedynie detalem, może pełnić kluczową rolę. Surowe materiały zestawione z akcentem kobiecej intymności tworzą przestrzeń refleksji nad relacjami, tradycją oraz ukrytą mocą drobnych gestów.
Warstwa wizualna:
Tło:
Tło składa się z dużego fragmentu czarnego jutowego worka, którego faktura i nieregularności nadają całości surowy, organiczny charakter. Po lewej stronie widoczny jest fragment worka w naturalnym beżowym kolorze, przełamujący monotonię ciemnej powierzchni.
Główny element:
Centralnym punktem obrazu jest fragment czarnego pasa do pończoch, który pełni funkcję symboliczną i kompozycyjną. Przypomina podwiązkę przytrzymującą obraz, co wprowadza do dzieła zmysłowy i intymny akcent, kontrastujący z surowością materiałów.
Tło kolorystyczne:
W prawym dolnym rogu obrazu znajduje się postrzępione rozdarcie, które odsłania intensywny, żywy kolor malinowy. Ten kolorystyczny akcent wprowadza dramatyczny kontrast do ciemnego i neutralnego tła, przyciągając wzrok i nadając kompozycji emocjonalną głębię.
Dodatki:
Całość została osadzona w ramie, do której płótno przymocowano za pomocą grubych lnianych sznurków, nadających dziełu dodatkową trójwymiarowość i podkreślających jego surowy, rzemieślniczy charakter. Element pasa do pończoch po lewej stronie dodaje subtelnej delikatności w zestawieniu z resztą materiałów.
Autor: Agata SARNA
50 cm x 50 cm
technika własna
2024 r.
Praca powstała na fragmencie niewykorzystanej podczas remontu płyty mdf, do której zostały przymocowane paski
papieru pakowego z pudełek po butach oraz celofanu z opakowań prezentów. Część wykorzystanych materiałów została
zabarwiona tuszem i farbą akrylową.
Praca została wykonana na fragmencie płyty MDF, na której ułożono warstwy papieru pakowego oraz celofanu. Materiały tworzą poziome pasy, przypominające strukturą krajobraz zdominowany przez odcienie błękitu, bieli i szarości. Górne partie pracy są intensywnie niebieskie, przechodzące w chłodne odcienie bieli i szarości w dolnych fragmentach.
Warstwy papieru i celofanu zostały ułożone w sposób nieregularny, tworząc różnorodną fakturę. Niektóre fragmenty materiałów są barwione tuszem i farbą akrylową, co wprowadza delikatne przejścia tonalne i efekt głębi. Widoczne są też drobne zagniecenia i tekstury na powierzchni, które dodają pracy dynamicznego, organicznego charakteru. Kompozycja sprawia wrażenie spokoju i harmoni, przywodząc na myśl widok horyzontu nad wodą.
Autor: Agata SARNA
50 cm x 50 cm
technika własna
2024 r.
Praca powstała na fragmencie niewykorzystanej podczas remontu płyty mdf, do której zostały przymocowane paski
papieru pakowego z pudełek po butach oraz celofanu z opakowań prezentów. Część wykorzystanych materiałów została
zabarwiona tuszem i farbą akrylową.
Praca została wykonana na fragmencie płyty MDF, na której ułożono warstwy papieru pakowego oraz celofanu. Materiały tworzą poziome pasy, przypominające strukturą krajobraz zdominowany przez odcienie błękitu, bieli i szarości. Górne partie pracy są intensywnie niebieskie, przechodzące w chłodne odcienie bieli i szarości w dolnych fragmentach.
Warstwy papieru i celofanu zostały ułożone w sposób nieregularny, tworząc różnorodną fakturę. Niektóre fragmenty materiałów są barwione tuszem i farbą akrylową, co wprowadza delikatne przejścia tonalne i efekt głębi. Widoczne są też drobne zagniecenia i tekstury na powierzchni, które dodają pracy dynamicznego, organicznego charakteru. Kompozycja sprawia wrażenie spokoju i harmoni, przywodząc na myśl widok horyzontu nad wodą.
Autor: Agata SARNA
50 cm x 50 cm
technika własna
2024 r.
Praca powstała na fragmencie niewykorzystanej podczas remontu płyty mdf, do której zostały przymocowane paski
papieru pakowego z pudełek po butach oraz celofanu z opakowań prezentów. Część wykorzystanych materiałów została
zabarwiona tuszem i farbą akrylową.
Praca została wykonana na fragmencie płyty MDF, na której ułożono warstwy papieru pakowego oraz celofanu. Materiały tworzą poziome pasy, przypominające strukturą krajobraz zdominowany przez odcienie błękitu, bieli i szarości. Górne partie pracy są intensywnie niebieskie, przechodzące w chłodne odcienie bieli i szarości w dolnych fragmentach.
Warstwy papieru i celofanu zostały ułożone w sposób nieregularny, tworząc różnorodną fakturę. Niektóre fragmenty materiałów są barwione tuszem i farbą akrylową, co wprowadza delikatne przejścia tonalne i efekt głębi. Widoczne są też drobne zagniecenia i tekstury na powierzchni, które dodają pracy dynamicznego, organicznego charakteru. Kompozycja sprawia wrażenie spokoju i harmoni, przywodząc na myśl widok horyzontu nad wodą.
Autor: Agata SARNA
50 cm x 50 cm
technika własna
2024 r.
Praca powstała na fragmencie niewykorzystanej podczas remontu płyty mdf, do której zostały przymocowane paski
papieru pakowego z pudełek po butach oraz celofanu z opakowań prezentów. Część wykorzystanych materiałów została
zabarwiona tuszem i farbą akrylową.
Praca została wykonana na fragmencie płyty MDF, na której ułożono warstwy papieru pakowego oraz celofanu. Materiały tworzą poziome pasy, przypominające strukturą krajobraz zdominowany przez odcienie błękitu, bieli i szarości. Górne partie pracy są intensywnie niebieskie, przechodzące w chłodne odcienie bieli i szarości w dolnych fragmentach.
Warstwy papieru i celofanu zostały ułożone w sposób nieregularny, tworząc różnorodną fakturę. Niektóre fragmenty materiałów są barwione tuszem i farbą akrylową, co wprowadza delikatne przejścia tonalne i efekt głębi. Widoczne są też drobne zagniecenia i tekstury na powierzchni, które dodają pracy dynamicznego, organicznego charakteru. Kompozycja sprawia wrażenie spokoju i harmoni, przywodząc na myśl widok horyzontu nad wodą.
Autor: Agata SARNA
50 cm x 50 cm
technika własna
2024 r.
Praca powstała na fragmencie niewykorzystanej podczas remontu płyty mdf, do której zostały przymocowane paski
papieru pakowego z pudełek po butach oraz celofanu z opakowań prezentów. Część wykorzystanych materiałów została
zabarwiona tuszem i farbą akrylową.
Praca została wykonana na fragmencie płyty MDF, na której ułożono warstwy papieru pakowego oraz celofanu. Materiały tworzą poziome pasy, przypominające strukturą krajobraz zdominowany przez odcienie błękitu, bieli i szarości. Górne partie pracy są intensywnie niebieskie, przechodzące w chłodne odcienie bieli i szarości w dolnych fragmentach.
Warstwy papieru i celofanu zostały ułożone w sposób nieregularny, tworząc różnorodną fakturę. Niektóre fragmenty materiałów są barwione tuszem i farbą akrylową, co wprowadza delikatne przejścia tonalne i efekt głębi. Widoczne są też drobne zagniecenia i tekstury na powierzchni, które dodają pracy dynamicznego, organicznego charakteru. Kompozycja sprawia wrażenie spokoju i harmoni, przywodząc na myśl widok horyzontu nad wodą.
Autor: Agata SARNA
50 cm x 50 cm
technika własna
2024 r.
Praca powstała na fragmencie niewykorzystanej podczas remontu płyty mdf, do której zostały przymocowane paski
papieru pakowego z pudełek po butach oraz celofanu z opakowań prezentów. Część wykorzystanych materiałów została
zabarwiona tuszem i farbą akrylową.
Praca została wykonana na fragmencie płyty MDF, na której ułożono warstwy papieru pakowego oraz celofanu. Materiały tworzą poziome pasy, przypominające strukturą krajobraz zdominowany przez odcienie błękitu, bieli i szarości. Górne partie pracy są intensywnie niebieskie, przechodzące w chłodne odcienie bieli i szarości w dolnych fragmentach.
Warstwy papieru i celofanu zostały ułożone w sposób nieregularny, tworząc różnorodną fakturę. Niektóre fragmenty materiałów są barwione tuszem i farbą akrylową, co wprowadza delikatne przejścia tonalne i efekt głębi. Widoczne są też drobne zagniecenia i tekstury na powierzchni, które dodają pracy dynamicznego, organicznego charakteru. Kompozycja sprawia wrażenie spokoju i harmoni, przywodząc na myśl widok horyzontu nad wodą.
Autor: Agata ZIELIŃSKA
78 cm x 95 cm
asamblaż
2024 r.
Rama - złamana drabinka, tkaniny - skrawki z pracowni krawieckich i zużyta odzież, koraliki - odzyskane z koronek. Oraz
pozostałości włóczek, pałeczka do sushi, brokat z folii termicznej. Coś się kończy, coś się zaczyna, ma tu dosłowne znaczenie.
Materiały, które w innym miejscu straciły użyteczność, zyskują nowe życie. Kompozycja symbolizuje nasze życie, mała rama
- przeszłość i przebyte w niej drogi, te piękne i te trudniejsze. Motyw dziergania na drutach ze starej sprutej włóczki to
momenty, kiedy korzystamy w życiu z wiedzy, z przeszłości, żeby tworzyć przyszłość. Brokat to nasze olśnienia.
Praca wykonana jest z różnorodnych materiałów i przedmiotów z odzysku, ułożonych w ramie o surowym, drewnianym wykończeniu. Centralnym punktem kompozycji jest mniejsza, przekrzywiona rama, wewnątrz której znajdują się tkaniny i koraliki. Na niej rozmieszczono drobne, kolorowe elementy, takie jak koraliki i ozdobne nici, które tworzą dynamiczne, faliste wzory.
Prawa strona pracy dominuje czerwonoróżowy materiał, na którym umieszczono fragment dzierganej czarnej włóczki oraz okrągły różowy kawałek materiału o miękkiej teksturze. Całość uzupełniają półprzezroczyste kawałki tiulu z delikatnym, złotym brokatem, który nadaje pracy lekkości i elegancji. Tiul jest poprowadzony ukośnie przez całą kompozycję, wprowadzając element ruchu i dynamiki.
Kompozycja balansuje pomiędzy surowością wykorzystanych materiałów a ich delikatnym i dekoracyjnym rozmieszczeniem. Zróżnicowane faktury i kolory tworzą bogaty wizualnie układ, który przyciąga wzrok różnorodnością detali i nieoczywistymi połączeniami elementów.
Autor: Agata ZIELIŃSKA
78 cm x 95 cm
asamblaż
2024 r.
Rama - złamana drabinka, tkaniny - skrawki z pracowni krawieckich i zużyta odzież, koraliki - odzyskane z koronek. Oraz
pozostałości włóczek, pałeczka do sushi, brokat z folii termicznej. Coś się kończy, coś się zaczyna, ma tu dosłowne znaczenie.
Materiały, które w innym miejscu straciły użyteczność, zyskują nowe życie. Kompozycja symbolizuje nasze życie, mała rama
- przeszłość i przebyte w niej drogi, te piękne i te trudniejsze. Motyw dziergania na drutach ze starej sprutej włóczki to
momenty, kiedy korzystamy w życiu z wiedzy, z przeszłości, żeby tworzyć przyszłość. Brokat to nasze olśnienia.
Praca wykonana jest z różnorodnych materiałów i przedmiotów z odzysku, ułożonych w ramie o surowym, drewnianym wykończeniu. Centralnym punktem kompozycji jest mniejsza, przekrzywiona rama, wewnątrz której znajdują się tkaniny i koraliki. Na niej rozmieszczono drobne, kolorowe elementy, takie jak koraliki i ozdobne nici, które tworzą dynamiczne, faliste wzory.
Prawa strona pracy dominuje czerwonoróżowy materiał, na którym umieszczono fragment dzierganej czarnej włóczki oraz okrągły różowy kawałek materiału o miękkiej teksturze. Całość uzupełniają półprzezroczyste kawałki tiulu z delikatnym, złotym brokatem, który nadaje pracy lekkości i elegancji. Tiul jest poprowadzony ukośnie przez całą kompozycję, wprowadzając element ruchu i dynamiki.
Kompozycja balansuje pomiędzy surowością wykorzystanych materiałów a ich delikatnym i dekoracyjnym rozmieszczeniem. Zróżnicowane faktury i kolory tworzą bogaty wizualnie układ, który przyciąga wzrok różnorodnością detali i nieoczywistymi połączeniami elementów.
Autor: Agata ZIELIŃSKA
78 cm x 95 cm
asamblaż
2024 r.
Rama - złamana drabinka, tkaniny - skrawki z pracowni krawieckich i zużyta odzież, koraliki - odzyskane z koronek. Oraz
pozostałości włóczek, pałeczka do sushi, brokat z folii termicznej. Coś się kończy, coś się zaczyna, ma tu dosłowne znaczenie.
Materiały, które w innym miejscu straciły użyteczność, zyskują nowe życie. Kompozycja symbolizuje nasze życie, mała rama
- przeszłość i przebyte w niej drogi, te piękne i te trudniejsze. Motyw dziergania na drutach ze starej sprutej włóczki to
momenty, kiedy korzystamy w życiu z wiedzy, z przeszłości, żeby tworzyć przyszłość. Brokat to nasze olśnienia.
Praca wykonana jest z różnorodnych materiałów i przedmiotów z odzysku, ułożonych w ramie o surowym, drewnianym wykończeniu. Centralnym punktem kompozycji jest mniejsza, przekrzywiona rama, wewnątrz której znajdują się tkaniny i koraliki. Na niej rozmieszczono drobne, kolorowe elementy, takie jak koraliki i ozdobne nici, które tworzą dynamiczne, faliste wzory.
Prawa strona pracy dominuje czerwonoróżowy materiał, na którym umieszczono fragment dzierganej czarnej włóczki oraz okrągły różowy kawałek materiału o miękkiej teksturze. Całość uzupełniają półprzezroczyste kawałki tiulu z delikatnym, złotym brokatem, który nadaje pracy lekkości i elegancji. Tiul jest poprowadzony ukośnie przez całą kompozycję, wprowadzając element ruchu i dynamiki.
Kompozycja balansuje pomiędzy surowością wykorzystanych materiałów a ich delikatnym i dekoracyjnym rozmieszczeniem. Zróżnicowane faktury i kolory tworzą bogaty wizualnie układ, który przyciąga wzrok różnorodnością detali i nieoczywistymi połączeniami elementów.
Autor: Aneta MIERZWA
100 cm x 120 cm (dyptyk - łącznie)
monotypia, algrafia
2024 r.
Zestaw prac nawiązuje do przypadków samotnej śmierci w miejscu, w którym w trakcie życia spędzamy najwięcej czasu
- w łóżku, w miejscu gdzie śpimy i odpoczywamy. W skutek zachodzących procesów rozkładu ciała, na pościeli pozostaje
ślad po człowieku, będący dowodem jego życia. Grafiki zostały odbite na starych poszewkach i materiałach znalezionych
w second handach.
Zestaw prac składa się z dwóch grafik wykonanych na starych, zużytych materiałach, takich jak poszewki na poduszki. Kompozycje utrzymane są w delikatnych, ziemistych tonacjach brązów, beżów i ochry, co nadaje im subtelny, organiczny charakter. Na każdej z tkanin widoczny jest centralny motyw przypominający rozmyty, plamisty kształt, który w jednej z prac przybiera formę sylwetki ludzkiej twarzy.
Materiał zachowuje swoje naturalne fałdy i zagniecenia, co dodatkowo podkreśla jego zużyty, osobisty charakter. Grafiki wydają się wtapiać w strukturę tkaniny, co tworzy wrażenie jedności między obrazem a nośnikiem. Przypominają ślady czy odciski, które jednocześnie są delikatne i przejmujące, nawiązując do ulotności i przemijania. Całość wywołuje skojarzenia z czasem, pamięcią i ludzką obecnością zapisaną w materialnych śladach.
Autor: Aneta MIERZWA
100 cm x 120 cm (dyptyk - łącznie)
monotypia, algrafia
2024 r.
Zestaw prac nawiązuje do przypadków samotnej śmierci w miejscu, w którym w trakcie życia spędzamy najwięcej czasu
- w łóżku, w miejscu gdzie śpimy i odpoczywamy. W skutek zachodzących procesów rozkładu ciała, na pościeli pozostaje
ślad po człowieku, będący dowodem jego życia. Grafiki zostały odbite na starych poszewkach i materiałach znalezionych
w second handach.
Zestaw prac składa się z dwóch grafik wykonanych na starych, zużytych materiałach, takich jak poszewki na poduszki. Kompozycje utrzymane są w delikatnych, ziemistych tonacjach brązów, beżów i ochry, co nadaje im subtelny, organiczny charakter. Na każdej z tkanin widoczny jest centralny motyw przypominający rozmyty, plamisty kształt, który w jednej z prac przybiera formę sylwetki ludzkiej twarzy.
Materiał zachowuje swoje naturalne fałdy i zagniecenia, co dodatkowo podkreśla jego zużyty, osobisty charakter. Grafiki wydają się wtapiać w strukturę tkaniny, co tworzy wrażenie jedności między obrazem a nośnikiem. Przypominają ślady czy odciski, które jednocześnie są delikatne i przejmujące, nawiązując do ulotności i przemijania. Całość wywołuje skojarzenia z czasem, pamięcią i ludzką obecnością zapisaną w materialnych śladach.
Autor: Aneta MIERZWA
100 cm x 120 cm (dyptyk - łącznie)
monotypia, algrafia
2024 r.
Zestaw prac nawiązuje do przypadków samotnej śmierci w miejscu, w którym w trakcie życia spędzamy najwięcej czasu
- w łóżku, w miejscu gdzie śpimy i odpoczywamy. W skutek zachodzących procesów rozkładu ciała, na pościeli pozostaje
ślad po człowieku, będący dowodem jego życia. Grafiki zostały odbite na starych poszewkach i materiałach znalezionych
w second handach.
Zestaw prac składa się z dwóch grafik wykonanych na starych, zużytych materiałach, takich jak poszewki na poduszki. Kompozycje utrzymane są w delikatnych, ziemistych tonacjach brązów, beżów i ochry, co nadaje im subtelny, organiczny charakter. Na każdej z tkanin widoczny jest centralny motyw przypominający rozmyty, plamisty kształt, który w jednej z prac przybiera formę sylwetki ludzkiej twarzy.
Materiał zachowuje swoje naturalne fałdy i zagniecenia, co dodatkowo podkreśla jego zużyty, osobisty charakter. Grafiki wydają się wtapiać w strukturę tkaniny, co tworzy wrażenie jedności między obrazem a nośnikiem. Przypominają ślady czy odciski, które jednocześnie są delikatne i przejmujące, nawiązując do ulotności i przemijania. Całość wywołuje skojarzenia z czasem, pamięcią i ludzką obecnością zapisaną w materialnych śladach.
Autor: Aneta MIERZWA
100 cm x 120 cm (dyptyk - łącznie)
monotypia, algrafia
2024 r.
Zestaw prac nawiązuje do przypadków samotnej śmierci w miejscu, w którym w trakcie życia spędzamy najwięcej czasu
- w łóżku, w miejscu gdzie śpimy i odpoczywamy. W skutek zachodzących procesów rozkładu ciała, na pościeli pozostaje
ślad po człowieku, będący dowodem jego życia. Grafiki zostały odbite na starych poszewkach i materiałach znalezionych
w second handach.
Zestaw prac składa się z dwóch grafik wykonanych na starych, zużytych materiałach, takich jak poszewki na poduszki. Kompozycje utrzymane są w delikatnych, ziemistych tonacjach brązów, beżów i ochry, co nadaje im subtelny, organiczny charakter. Na każdej z tkanin widoczny jest centralny motyw przypominający rozmyty, plamisty kształt, który w jednej z prac przybiera formę sylwetki ludzkiej twarzy.
Materiał zachowuje swoje naturalne fałdy i zagniecenia, co dodatkowo podkreśla jego zużyty, osobisty charakter. Grafiki wydają się wtapiać w strukturę tkaniny, co tworzy wrażenie jedności między obrazem a nośnikiem. Przypominają ślady czy odciski, które jednocześnie są delikatne i przejmujące, nawiązując do ulotności i przemijania. Całość wywołuje skojarzenia z czasem, pamięcią i ludzką obecnością zapisaną w materialnych śladach.
Autor: Aneta MIERZWA
100 cm x 120 cm (dyptyk - łącznie)
monotypia, algrafia
2024 r.
Zestaw prac nawiązuje do przypadków samotnej śmierci w miejscu, w którym w trakcie życia spędzamy najwięcej czasu
- w łóżku, w miejscu gdzie śpimy i odpoczywamy. W skutek zachodzących procesów rozkładu ciała, na pościeli pozostaje
ślad po człowieku, będący dowodem jego życia. Grafiki zostały odbite na starych poszewkach i materiałach znalezionych
w second handach.
Zestaw prac składa się z dwóch grafik wykonanych na starych, zużytych materiałach, takich jak poszewki na poduszki. Kompozycje utrzymane są w delikatnych, ziemistych tonacjach brązów, beżów i ochry, co nadaje im subtelny, organiczny charakter. Na każdej z tkanin widoczny jest centralny motyw przypominający rozmyty, plamisty kształt, który w jednej z prac przybiera formę sylwetki ludzkiej twarzy.
Materiał zachowuje swoje naturalne fałdy i zagniecenia, co dodatkowo podkreśla jego zużyty, osobisty charakter. Grafiki wydają się wtapiać w strukturę tkaniny, co tworzy wrażenie jedności między obrazem a nośnikiem. Przypominają ślady czy odciski, które jednocześnie są delikatne i przejmujące, nawiązując do ulotności i przemijania. Całość wywołuje skojarzenia z czasem, pamięcią i ludzką obecnością zapisaną w materialnych śladach.
Autor: Aneta MIERZWA
100 cm x 120 cm (dyptyk - łącznie)
monotypia, algrafia
2024 r.
Zestaw prac nawiązuje do przypadków samotnej śmierci w miejscu, w którym w trakcie życia spędzamy najwięcej czasu
- w łóżku, w miejscu gdzie śpimy i odpoczywamy. W skutek zachodzących procesów rozkładu ciała, na pościeli pozostaje
ślad po człowieku, będący dowodem jego życia. Grafiki zostały odbite na starych poszewkach i materiałach znalezionych
w second handach.
Zestaw prac składa się z dwóch grafik wykonanych na starych, zużytych materiałach, takich jak poszewki na poduszki. Kompozycje utrzymane są w delikatnych, ziemistych tonacjach brązów, beżów i ochry, co nadaje im subtelny, organiczny charakter. Na każdej z tkanin widoczny jest centralny motyw przypominający rozmyty, plamisty kształt, który w jednej z prac przybiera formę sylwetki ludzkiej twarzy.
Materiał zachowuje swoje naturalne fałdy i zagniecenia, co dodatkowo podkreśla jego zużyty, osobisty charakter. Grafiki wydają się wtapiać w strukturę tkaniny, co tworzy wrażenie jedności między obrazem a nośnikiem. Przypominają ślady czy odciski, które jednocześnie są delikatne i przejmujące, nawiązując do ulotności i przemijania. Całość wywołuje skojarzenia z czasem, pamięcią i ludzką obecnością zapisaną w materialnych śladach.
Autor: Anna WIECZERZAK-CHRABĄSZCZ
średnica 50 cm
obraz wyklejany
2024 r.
Praca została wykonana na okrągłym podobraziu, na którym wykonany był stary szkic przyszłego obrazu. Szkic został
usunięty, a podobrazie zamalowane na czarno. Na tak przygotowanym tle została wyklejona, metalowymi częściami do
otwierania puszek, dziewczyna oraz kwiaty. Części metalowe były zbierane przez mamę Artystki na cele charytatywne. Nie
zostały odebrane, a artystka „dała” im jeszcze szansę.
Praca została wykonana na okrągłym podobraziu, które zostało pokryte jednolitym czarnym tłem. Na powierzchni stworzono mozaikę z metalowych elementów do otwierania puszek. Kompozycja przedstawia stylizowany wizerunek dziewczyny z jasnymi włosami oraz kolorowymi kwiatami w tle. Metalowe elementy ułożone są w uporządkowany sposób, a ich różnorodność kolorystyczna – złota, srebrna, czerwona, zielona i czarna – tworzy kontrastowe i żywe akcenty.
Elementy zostały starannie dopasowane, aby oddać szczegóły kompozycji, takie jak rysy twarzy czy kształt kwiatów. Kwiaty otaczają główną postać, podkreślając jej centralną rolę w pracy. Blask metalowych powierzchni dodaje pracy dynamiki, a różnorodność kolorów i faktur sprawia, że całość jest wyrazista i przyciąga uwagę.
Autor: Barbara BODIO
50 cm x 50 cm
kolaż z kombuczy
2021 r.
Dzieło obrazuje pragnienie napięcia, które ma na celu przyciągnięcie odbiorcy, ukazanie lęku bądź fascynację oglądanymi
formami. Budowana estetyka bazująca na moich emocjach, ma prowadzić do przypadkowych skojarzeń, zamaskowanego
piękna. W pracy przeplatają się formy rzeczywiste z wyobrażonymi, to wszystko ma nadać nieokreślony charakter
prac - destabilizację. Wyłączną formą rysunku używaną w organicznych formach są biologiczne kształty, które tworzą
bezkształtną masę.
Obraz jest utrzymany w tonacji złamanej żółci, na której widoczne są nieregularne, przezroczyste formy w odcieniach brązu. Na powierzchni pojawiają się cienkie, organiczne kształty, które nałożone warstwowo tworzą wrażenie głębi. Formy te przypominają delikatne membrany lub płaty, które wzajemnie się przenikają, zachowując nieregularne kontury i subtelne przejścia tonalne.
Tekstura obrazu jest zróżnicowana – powierzchnia wydaje się gładka, ale w miejscach, gdzie kształty się nakładają, można dostrzec subtelne detale i przezroczystości. Kompozycja jest harmonijna, z dobrze wyważonym rozmieszczeniem form, które wprowadzają wrażenie ruchu i lekkości. Brak intensywnych kontrastów sprawia, że całość ma spokojny, ale jednocześnie intrygujący charakter.
Autor: Barbara BODIO
50 cm x 50 cm
kolaż z kombuczy
2021 r.
Dzieło obrazuje pragnienie napięcia, które ma na celu przyciągnięcie odbiorcy, ukazanie lęku bądź fascynację oglądanymi
formami. Budowana estetyka bazująca na moich emocjach, ma prowadzić do przypadkowych skojarzeń, zamaskowanego
piękna. W pracy przeplatają się formy rzeczywiste z wyobrażonymi, to wszystko ma nadać nieokreślony charakter
prac - destabilizację. Wyłączną formą rysunku używaną w organicznych formach są biologiczne kształty, które tworzą
bezkształtną masę.
Obraz jest utrzymany w tonacji złamanej żółci, na której widoczne są nieregularne, przezroczyste formy w odcieniach brązu. Na powierzchni pojawiają się cienkie, organiczne kształty, które nałożone warstwowo tworzą wrażenie głębi. Formy te przypominają delikatne membrany lub płaty, które wzajemnie się przenikają, zachowując nieregularne kontury i subtelne przejścia tonalne.
Tekstura obrazu jest zróżnicowana – powierzchnia wydaje się gładka, ale w miejscach, gdzie kształty się nakładają, można dostrzec subtelne detale i przezroczystości. Kompozycja jest harmonijna, z dobrze wyważonym rozmieszczeniem form, które wprowadzają wrażenie ruchu i lekkości. Brak intensywnych kontrastów sprawia, że całość ma spokojny, ale jednocześnie intrygujący charakter.
Autor: Barbara BODIO
50 cm x 50 cm
kolaż z kombuczy
2021 r.
Dzieło obrazuje pragnienie napięcia, które ma na celu przyciągnięcie odbiorcy, ukazanie lęku bądź fascynację oglądanymi
formami. Budowana estetyka bazująca na moich emocjach, ma prowadzić do przypadkowych skojarzeń, zamaskowanego
piękna. W pracy przeplatają się formy rzeczywiste z wyobrażonymi, to wszystko ma nadać nieokreślony charakter
prac - destabilizację. Wyłączną formą rysunku używaną w organicznych formach są biologiczne kształty, które tworzą
bezkształtną masę.
Obraz jest utrzymany w tonacji złamanej żółci, na której widoczne są nieregularne, przezroczyste formy w odcieniach brązu. Na powierzchni pojawiają się cienkie, organiczne kształty, które nałożone warstwowo tworzą wrażenie głębi. Formy te przypominają delikatne membrany lub płaty, które wzajemnie się przenikają, zachowując nieregularne kontury i subtelne przejścia tonalne.
Tekstura obrazu jest zróżnicowana – powierzchnia wydaje się gładka, ale w miejscach, gdzie kształty się nakładają, można dostrzec subtelne detale i przezroczystości. Kompozycja jest harmonijna, z dobrze wyważonym rozmieszczeniem form, które wprowadzają wrażenie ruchu i lekkości. Brak intensywnych kontrastów sprawia, że całość ma spokojny, ale jednocześnie intrygujący charakter.
Autor: Barbara BODIO
50 cm x 50 cm
kolaż z kombuczy
2021 r.
Dzieło obrazuje pragnienie napięcia, które ma na celu przyciągnięcie odbiorcy, ukazanie lęku bądź fascynację oglądanymi
formami. Budowana estetyka bazująca na moich emocjach, ma prowadzić do przypadkowych skojarzeń, zamaskowanego
piękna. W pracy przeplatają się formy rzeczywiste z wyobrażonymi, to wszystko ma nadać nieokreślony charakter
prac - destabilizację. Wyłączną formą rysunku używaną w organicznych formach są biologiczne kształty, które tworzą
bezkształtną masę.
Obraz jest utrzymany w tonacji złamanej żółci, na której widoczne są nieregularne, przezroczyste formy w odcieniach brązu. Na powierzchni pojawiają się cienkie, organiczne kształty, które nałożone warstwowo tworzą wrażenie głębi. Formy te przypominają delikatne membrany lub płaty, które wzajemnie się przenikają, zachowując nieregularne kontury i subtelne przejścia tonalne.
Tekstura obrazu jest zróżnicowana – powierzchnia wydaje się gładka, ale w miejscach, gdzie kształty się nakładają, można dostrzec subtelne detale i przezroczystości. Kompozycja jest harmonijna, z dobrze wyważonym rozmieszczeniem form, które wprowadzają wrażenie ruchu i lekkości. Brak intensywnych kontrastów sprawia, że całość ma spokojny, ale jednocześnie intrygujący charakter.
Autor: Barbara BODIO
50 cm x 50 cm
kolaż z kombuczy
2021 r.
Dzieło obrazuje pragnienie napięcia, które ma na celu przyciągnięcie odbiorcy, ukazanie lęku bądź fascynację oglądanymi
formami. Budowana estetyka bazująca na moich emocjach, ma prowadzić do przypadkowych skojarzeń, zamaskowanego
piękna. W pracy przeplatają się formy rzeczywiste z wyobrażonymi, to wszystko ma nadać nieokreślony charakter
prac - destabilizację. Wyłączną formą rysunku używaną w organicznych formach są biologiczne kształty, które tworzą
bezkształtną masę.
Obraz jest utrzymany w tonacji złamanej żółci, na której widoczne są nieregularne, przezroczyste formy w odcieniach brązu. Na powierzchni pojawiają się cienkie, organiczne kształty, które nałożone warstwowo tworzą wrażenie głębi. Formy te przypominają delikatne membrany lub płaty, które wzajemnie się przenikają, zachowując nieregularne kontury i subtelne przejścia tonalne.
Tekstura obrazu jest zróżnicowana – powierzchnia wydaje się gładka, ale w miejscach, gdzie kształty się nakładają, można dostrzec subtelne detale i przezroczystości. Kompozycja jest harmonijna, z dobrze wyważonym rozmieszczeniem form, które wprowadzają wrażenie ruchu i lekkości. Brak intensywnych kontrastów sprawia, że całość ma spokojny, ale jednocześnie intrygujący charakter.
Autor: Barbara BODIO
50 cm x 50 cm
kolaż z kombuczy
2021 r.
Dzieło obrazuje pragnienie napięcia, które ma na celu przyciągnięcie odbiorcy, ukazanie lęku bądź fascynację oglądanymi
formami. Budowana estetyka bazująca na moich emocjach, ma prowadzić do przypadkowych skojarzeń, zamaskowanego
piękna. W pracy przeplatają się formy rzeczywiste z wyobrażonymi, to wszystko ma nadać nieokreślony charakter
prac - destabilizację. Wyłączną formą rysunku używaną w organicznych formach są biologiczne kształty, które tworzą
bezkształtną masę.
Obraz jest utrzymany w tonacji złamanej żółci, na której widoczne są nieregularne, przezroczyste formy w odcieniach brązu. Na powierzchni pojawiają się cienkie, organiczne kształty, które nałożone warstwowo tworzą wrażenie głębi. Formy te przypominają delikatne membrany lub płaty, które wzajemnie się przenikają, zachowując nieregularne kontury i subtelne przejścia tonalne.
Tekstura obrazu jest zróżnicowana – powierzchnia wydaje się gładka, ale w miejscach, gdzie kształty się nakładają, można dostrzec subtelne detale i przezroczystości. Kompozycja jest harmonijna, z dobrze wyważonym rozmieszczeniem form, które wprowadzają wrażenie ruchu i lekkości. Brak intensywnych kontrastów sprawia, że całość ma spokojny, ale jednocześnie intrygujący charakter.
Autor: Barbara BODIO
50 cm x 50 cm
kolaż z kombuczy
2021 r.
Dzieło obrazuje pragnienie napięcia, które ma na celu przyciągnięcie odbiorcy, ukazanie lęku bądź fascynację oglądanymi
formami. Budowana estetyka bazująca na moich emocjach, ma prowadzić do przypadkowych skojarzeń, zamaskowanego
piękna. W pracy przeplatają się formy rzeczywiste z wyobrażonymi, to wszystko ma nadać nieokreślony charakter
prac - destabilizację. Wyłączną formą rysunku używaną w organicznych formach są biologiczne kształty, które tworzą
bezkształtną masę.
Obraz jest utrzymany w tonacji złamanej żółci, na której widoczne są nieregularne, przezroczyste formy w odcieniach brązu. Na powierzchni pojawiają się cienkie, organiczne kształty, które nałożone warstwowo tworzą wrażenie głębi. Formy te przypominają delikatne membrany lub płaty, które wzajemnie się przenikają, zachowując nieregularne kontury i subtelne przejścia tonalne.
Tekstura obrazu jest zróżnicowana – powierzchnia wydaje się gładka, ale w miejscach, gdzie kształty się nakładają, można dostrzec subtelne detale i przezroczystości. Kompozycja jest harmonijna, z dobrze wyważonym rozmieszczeniem form, które wprowadzają wrażenie ruchu i lekkości. Brak intensywnych kontrastów sprawia, że całość ma spokojny, ale jednocześnie intrygujący charakter.
Autor: Bożena KOT
100 cm x 110 cm (dyptyk - łącznie)
technika własna
2024 r.
To dzieło sztuki less waste, wykorzystujące materiały z recyklingu i naturalne barwniki, co nadaje mu ekologiczny charakter.
Obraz powstał na bieżnikach, które wcześniej były dekoracją stołu. W kompozycji użyto tekturowych wypełniaczy do
paczek, fragmentów tkanin z kraciastej piżamy i dziecięcych legginsów, resztek kawy oraz zasuszonych hortensji. Część
kolorów uzyskano z roślin, co podkreśla organiczny wymiar i połączenie z naturą. Dyptyk to podróż przez kontrasty faktur
i barw, dająca nowe życie codziennym przedmiotom.
Dyptyk składa się z dwóch paneli o intensywnie fakturowanej powierzchni, które zestawiają ciemne, głębokie tony z jasnymi, kontrastującymi elementami. Na lewej części dominują ciemne odcienie niebieskiego, granatu i czerni, wzbogacone o subtelne akcenty fioletu i szarości. Tekstura jest bogata, z wyraźnymi warstwami i nieregularnymi pęknięciami, które dodają dynamiki i głębi.
Prawa część dyptyku prezentuje zróżnicowaną strukturę z jasnym, pionowym pasem w odcieniach beżu i bieli, który wyróżnia się na tle ciemnych barw. Powierzchnia tego pasa jest postrzępiona i złożona z licznych faktur, co tworzy wrażenie zużycia i organiczności. Dookoła jasnego fragmentu widoczne są ciemne odcienie z drobnymi akcentami błękitu i brązu, które wprowadzają harmonię w kompozycji.
Całość charakteryzuje się kontrastem między delikatnością użytych kolorów a wyrazistością faktur, które nadają dziełu trójwymiarowy charakter. Użycie materiałów z recyklingu, takich jak tkaniny, tektura i naturalne barwniki, wprowadza wrażenie połączenia z naturą i podkreśla ekologiczny wymiar pracy.
Autor: Bożena KOT
100 cm x 110 cm (dyptyk - łącznie)
technika własna
2024 r.
To dzieło sztuki less waste, wykorzystujące materiały z recyklingu i naturalne barwniki, co nadaje mu ekologiczny charakter.
Obraz powstał na bieżnikach, które wcześniej były dekoracją stołu. W kompozycji użyto tekturowych wypełniaczy do
paczek, fragmentów tkanin z kraciastej piżamy i dziecięcych legginsów, resztek kawy oraz zasuszonych hortensji. Część
kolorów uzyskano z roślin, co podkreśla organiczny wymiar i połączenie z naturą. Dyptyk to podróż przez kontrasty faktur
i barw, dająca nowe życie codziennym przedmiotom.
Dyptyk składa się z dwóch paneli o intensywnie fakturowanej powierzchni, które zestawiają ciemne, głębokie tony z jasnymi, kontrastującymi elementami. Na lewej części dominują ciemne odcienie niebieskiego, granatu i czerni, wzbogacone o subtelne akcenty fioletu i szarości. Tekstura jest bogata, z wyraźnymi warstwami i nieregularnymi pęknięciami, które dodają dynamiki i głębi.
Prawa część dyptyku prezentuje zróżnicowaną strukturę z jasnym, pionowym pasem w odcieniach beżu i bieli, który wyróżnia się na tle ciemnych barw. Powierzchnia tego pasa jest postrzępiona i złożona z licznych faktur, co tworzy wrażenie zużycia i organiczności. Dookoła jasnego fragmentu widoczne są ciemne odcienie z drobnymi akcentami błękitu i brązu, które wprowadzają harmonię w kompozycji.
Całość charakteryzuje się kontrastem między delikatnością użytych kolorów a wyrazistością faktur, które nadają dziełu trójwymiarowy charakter. Użycie materiałów z recyklingu, takich jak tkaniny, tektura i naturalne barwniki, wprowadza wrażenie połączenia z naturą i podkreśla ekologiczny wymiar pracy.
Autor: Bożena KOT
100 cm x 110 cm (dyptyk - łącznie)
technika własna
2024 r.
To dzieło sztuki less waste, wykorzystujące materiały z recyklingu i naturalne barwniki, co nadaje mu ekologiczny charakter.
Obraz powstał na bieżnikach, które wcześniej były dekoracją stołu. W kompozycji użyto tekturowych wypełniaczy do
paczek, fragmentów tkanin z kraciastej piżamy i dziecięcych legginsów, resztek kawy oraz zasuszonych hortensji. Część
kolorów uzyskano z roślin, co podkreśla organiczny wymiar i połączenie z naturą. Dyptyk to podróż przez kontrasty faktur
i barw, dająca nowe życie codziennym przedmiotom.
Dyptyk składa się z dwóch paneli o intensywnie fakturowanej powierzchni, które zestawiają ciemne, głębokie tony z jasnymi, kontrastującymi elementami. Na lewej części dominują ciemne odcienie niebieskiego, granatu i czerni, wzbogacone o subtelne akcenty fioletu i szarości. Tekstura jest bogata, z wyraźnymi warstwami i nieregularnymi pęknięciami, które dodają dynamiki i głębi.
Prawa część dyptyku prezentuje zróżnicowaną strukturę z jasnym, pionowym pasem w odcieniach beżu i bieli, który wyróżnia się na tle ciemnych barw. Powierzchnia tego pasa jest postrzępiona i złożona z licznych faktur, co tworzy wrażenie zużycia i organiczności. Dookoła jasnego fragmentu widoczne są ciemne odcienie z drobnymi akcentami błękitu i brązu, które wprowadzają harmonię w kompozycji.
Całość charakteryzuje się kontrastem między delikatnością użytych kolorów a wyrazistością faktur, które nadają dziełu trójwymiarowy charakter. Użycie materiałów z recyklingu, takich jak tkaniny, tektura i naturalne barwniki, wprowadza wrażenie połączenia z naturą i podkreśla ekologiczny wymiar pracy.
Autor: Bożena KOT
100 cm x 110 cm (dyptyk - łącznie)
technika własna
2024 r.
To dzieło sztuki less waste, wykorzystujące materiały z recyklingu i naturalne barwniki, co nadaje mu ekologiczny charakter.
Obraz powstał na bieżnikach, które wcześniej były dekoracją stołu. W kompozycji użyto tekturowych wypełniaczy do
paczek, fragmentów tkanin z kraciastej piżamy i dziecięcych legginsów, resztek kawy oraz zasuszonych hortensji. Część
kolorów uzyskano z roślin, co podkreśla organiczny wymiar i połączenie z naturą. Dyptyk to podróż przez kontrasty faktur
i barw, dająca nowe życie codziennym przedmiotom.
Dyptyk składa się z dwóch paneli o intensywnie fakturowanej powierzchni, które zestawiają ciemne, głębokie tony z jasnymi, kontrastującymi elementami. Na lewej części dominują ciemne odcienie niebieskiego, granatu i czerni, wzbogacone o subtelne akcenty fioletu i szarości. Tekstura jest bogata, z wyraźnymi warstwami i nieregularnymi pęknięciami, które dodają dynamiki i głębi.
Prawa część dyptyku prezentuje zróżnicowaną strukturę z jasnym, pionowym pasem w odcieniach beżu i bieli, który wyróżnia się na tle ciemnych barw. Powierzchnia tego pasa jest postrzępiona i złożona z licznych faktur, co tworzy wrażenie zużycia i organiczności. Dookoła jasnego fragmentu widoczne są ciemne odcienie z drobnymi akcentami błękitu i brązu, które wprowadzają harmonię w kompozycji.
Całość charakteryzuje się kontrastem między delikatnością użytych kolorów a wyrazistością faktur, które nadają dziełu trójwymiarowy charakter. Użycie materiałów z recyklingu, takich jak tkaniny, tektura i naturalne barwniki, wprowadza wrażenie połączenia z naturą i podkreśla ekologiczny wymiar pracy.
Autor: Bożena KOT
100 cm x 110 cm (dyptyk - łącznie)
technika własna
2024 r.
To dzieło sztuki less waste, wykorzystujące materiały z recyklingu i naturalne barwniki, co nadaje mu ekologiczny charakter.
Obraz powstał na bieżnikach, które wcześniej były dekoracją stołu. W kompozycji użyto tekturowych wypełniaczy do
paczek, fragmentów tkanin z kraciastej piżamy i dziecięcych legginsów, resztek kawy oraz zasuszonych hortensji. Część
kolorów uzyskano z roślin, co podkreśla organiczny wymiar i połączenie z naturą. Dyptyk to podróż przez kontrasty faktur
i barw, dająca nowe życie codziennym przedmiotom.
Dyptyk składa się z dwóch paneli o intensywnie fakturowanej powierzchni, które zestawiają ciemne, głębokie tony z jasnymi, kontrastującymi elementami. Na lewej części dominują ciemne odcienie niebieskiego, granatu i czerni, wzbogacone o subtelne akcenty fioletu i szarości. Tekstura jest bogata, z wyraźnymi warstwami i nieregularnymi pęknięciami, które dodają dynamiki i głębi.
Prawa część dyptyku prezentuje zróżnicowaną strukturę z jasnym, pionowym pasem w odcieniach beżu i bieli, który wyróżnia się na tle ciemnych barw. Powierzchnia tego pasa jest postrzępiona i złożona z licznych faktur, co tworzy wrażenie zużycia i organiczności. Dookoła jasnego fragmentu widoczne są ciemne odcienie z drobnymi akcentami błękitu i brązu, które wprowadzają harmonię w kompozycji.
Całość charakteryzuje się kontrastem między delikatnością użytych kolorów a wyrazistością faktur, które nadają dziełu trójwymiarowy charakter. Użycie materiałów z recyklingu, takich jak tkaniny, tektura i naturalne barwniki, wprowadza wrażenie połączenia z naturą i podkreśla ekologiczny wymiar pracy.
Autor: Bożena KOT
100 cm x 110 cm (dyptyk - łącznie)
technika własna
2024 r.
To dzieło sztuki less waste, wykorzystujące materiały z recyklingu i naturalne barwniki, co nadaje mu ekologiczny charakter.
Obraz powstał na bieżnikach, które wcześniej były dekoracją stołu. W kompozycji użyto tekturowych wypełniaczy do
paczek, fragmentów tkanin z kraciastej piżamy i dziecięcych legginsów, resztek kawy oraz zasuszonych hortensji. Część
kolorów uzyskano z roślin, co podkreśla organiczny wymiar i połączenie z naturą. Dyptyk to podróż przez kontrasty faktur
i barw, dająca nowe życie codziennym przedmiotom.
Dyptyk składa się z dwóch paneli o intensywnie fakturowanej powierzchni, które zestawiają ciemne, głębokie tony z jasnymi, kontrastującymi elementami. Na lewej części dominują ciemne odcienie niebieskiego, granatu i czerni, wzbogacone o subtelne akcenty fioletu i szarości. Tekstura jest bogata, z wyraźnymi warstwami i nieregularnymi pęknięciami, które dodają dynamiki i głębi.
Prawa część dyptyku prezentuje zróżnicowaną strukturę z jasnym, pionowym pasem w odcieniach beżu i bieli, który wyróżnia się na tle ciemnych barw. Powierzchnia tego pasa jest postrzępiona i złożona z licznych faktur, co tworzy wrażenie zużycia i organiczności. Dookoła jasnego fragmentu widoczne są ciemne odcienie z drobnymi akcentami błękitu i brązu, które wprowadzają harmonię w kompozycji.
Całość charakteryzuje się kontrastem między delikatnością użytych kolorów a wyrazistością faktur, które nadają dziełu trójwymiarowy charakter. Użycie materiałów z recyklingu, takich jak tkaniny, tektura i naturalne barwniki, wprowadza wrażenie połączenia z naturą i podkreśla ekologiczny wymiar pracy.
Autor: Bożena KOT
100 cm x 110 cm (dyptyk - łącznie)
technika własna
2024 r.
To dzieło sztuki less waste, wykorzystujące materiały z recyklingu i naturalne barwniki, co nadaje mu ekologiczny charakter.
Obraz powstał na bieżnikach, które wcześniej były dekoracją stołu. W kompozycji użyto tekturowych wypełniaczy do
paczek, fragmentów tkanin z kraciastej piżamy i dziecięcych legginsów, resztek kawy oraz zasuszonych hortensji. Część
kolorów uzyskano z roślin, co podkreśla organiczny wymiar i połączenie z naturą. Dyptyk to podróż przez kontrasty faktur
i barw, dająca nowe życie codziennym przedmiotom.
Dyptyk składa się z dwóch paneli o intensywnie fakturowanej powierzchni, które zestawiają ciemne, głębokie tony z jasnymi, kontrastującymi elementami. Na lewej części dominują ciemne odcienie niebieskiego, granatu i czerni, wzbogacone o subtelne akcenty fioletu i szarości. Tekstura jest bogata, z wyraźnymi warstwami i nieregularnymi pęknięciami, które dodają dynamiki i głębi.
Prawa część dyptyku prezentuje zróżnicowaną strukturę z jasnym, pionowym pasem w odcieniach beżu i bieli, który wyróżnia się na tle ciemnych barw. Powierzchnia tego pasa jest postrzępiona i złożona z licznych faktur, co tworzy wrażenie zużycia i organiczności. Dookoła jasnego fragmentu widoczne są ciemne odcienie z drobnymi akcentami błękitu i brązu, które wprowadzają harmonię w kompozycji.
Całość charakteryzuje się kontrastem między delikatnością użytych kolorów a wyrazistością faktur, które nadają dziełu trójwymiarowy charakter. Użycie materiałów z recyklingu, takich jak tkaniny, tektura i naturalne barwniki, wprowadza wrażenie połączenia z naturą i podkreśla ekologiczny wymiar pracy.
Autor: Jadwiga NAPIÓRKOWSKA
40 cm x 30 cm
technika własna na płótnie
2024 r.
Praca została wykonana na płótnie, które pochodzi jeszcze z czasów studenckich Artystki i wcześniej było częścią jej pracy
zaliczeniowej. Na płótnie znalazła się warstwa papieru, pochodząca z paczki, którą otrzymała w przeszłości. Artystka podkreśla, że
najbardziej przystępną formą podejścia „eko” jest wykorzystywanie materiałów, które już się posiada. Dlatego podczas tworzenia
tej pracy nie zakupiła żadnych nowych materiałów. Proces ten pozwolił ograniczyć emisję CO2 związaną z transportem nowych
surowców oraz uniknąć generowania dodatkowych odpadów, takich jak opakowania czy paragony.
Praca została stworzona na płótnie o intensywnie fakturowanej powierzchni, gdzie dominują głębokie odcienie czerni i czerwieni. Warstwy farby tworzą efekt reliefu, z wyrazistymi liniami i pęknięciami, które przyciągają uwagę swoją dynamiką. Czerwienie przenikają przez ciemne fragmenty, nadając kompozycji dramatyzmu i energii, podczas gdy połysk niektórych partii wprowadza subtelny efekt światła i głębi.
Faktura obrazu wydaje się żywa, z fragmentami o różnej grubości i intensywności, co budzi wrażenie ruchu i napięcia. Ciemna paleta, skontrastowana z intensywnymi czerwonymi akcentami, tworzy wyrazistą, emocjonalną kompozycję. Zastosowanie papieru jako dodatkowej warstwy nadaje dziełu surowości i podkreśla aspekt przekształcania materiałów w sztukę.
Autor: Jadwiga NAPIÓRKOWSKA
40 cm x 30 cm
technika własna na płótnie
2024 r.
Praca została wykonana na płótnie, które pochodzi jeszcze z czasów studenckich Artystki i wcześniej było częścią jej pracy
zaliczeniowej. Na płótnie znalazła się warstwa papieru, pochodząca z paczki, którą otrzymała w przeszłości. Artystka podkreśla, że
najbardziej przystępną formą podejścia „eko” jest wykorzystywanie materiałów, które już się posiada. Dlatego podczas tworzenia
tej pracy nie zakupiła żadnych nowych materiałów. Proces ten pozwolił ograniczyć emisję CO2 związaną z transportem nowych
surowców oraz uniknąć generowania dodatkowych odpadów, takich jak opakowania czy paragony.
Praca została stworzona na płótnie o intensywnie fakturowanej powierzchni, gdzie dominują głębokie odcienie czerni i czerwieni. Warstwy farby tworzą efekt reliefu, z wyrazistymi liniami i pęknięciami, które przyciągają uwagę swoją dynamiką. Czerwienie przenikają przez ciemne fragmenty, nadając kompozycji dramatyzmu i energii, podczas gdy połysk niektórych partii wprowadza subtelny efekt światła i głębi.
Faktura obrazu wydaje się żywa, z fragmentami o różnej grubości i intensywności, co budzi wrażenie ruchu i napięcia. Ciemna paleta, skontrastowana z intensywnymi czerwonymi akcentami, tworzy wyrazistą, emocjonalną kompozycję. Zastosowanie papieru jako dodatkowej warstwy nadaje dziełu surowości i podkreśla aspekt przekształcania materiałów w sztukę.
Autor: Jadwiga NAPIÓRKOWSKA
40 cm x 30 cm
technika własna na płótnie
2024 r.
Praca została wykonana na płótnie, które pochodzi jeszcze z czasów studenckich Artystki i wcześniej było częścią jej pracy
zaliczeniowej. Na płótnie znalazła się warstwa papieru, pochodząca z paczki, którą otrzymała w przeszłości. Artystka podkreśla, że
najbardziej przystępną formą podejścia „eko” jest wykorzystywanie materiałów, które już się posiada. Dlatego podczas tworzenia
tej pracy nie zakupiła żadnych nowych materiałów. Proces ten pozwolił ograniczyć emisję CO2 związaną z transportem nowych
surowców oraz uniknąć generowania dodatkowych odpadów, takich jak opakowania czy paragony.
Praca została stworzona na płótnie o intensywnie fakturowanej powierzchni, gdzie dominują głębokie odcienie czerni i czerwieni. Warstwy farby tworzą efekt reliefu, z wyrazistymi liniami i pęknięciami, które przyciągają uwagę swoją dynamiką. Czerwienie przenikają przez ciemne fragmenty, nadając kompozycji dramatyzmu i energii, podczas gdy połysk niektórych partii wprowadza subtelny efekt światła i głębi.
Faktura obrazu wydaje się żywa, z fragmentami o różnej grubości i intensywności, co budzi wrażenie ruchu i napięcia. Ciemna paleta, skontrastowana z intensywnymi czerwonymi akcentami, tworzy wyrazistą, emocjonalną kompozycję. Zastosowanie papieru jako dodatkowej warstwy nadaje dziełu surowości i podkreśla aspekt przekształcania materiałów w sztukę.
Autor: Jadwiga NAPIÓRKOWSKA
40 cm x 30 cm
technika własna na płótnie
2024 r.
Praca została wykonana na płótnie, które pochodzi jeszcze z czasów studenckich Artystki i wcześniej było częścią jej pracy
zaliczeniowej. Na płótnie znalazła się warstwa papieru, pochodząca z paczki, którą otrzymała w przeszłości. Artystka podkreśla, że
najbardziej przystępną formą podejścia „eko” jest wykorzystywanie materiałów, które już się posiada. Dlatego podczas tworzenia
tej pracy nie zakupiła żadnych nowych materiałów. Proces ten pozwolił ograniczyć emisję CO2 związaną z transportem nowych
surowców oraz uniknąć generowania dodatkowych odpadów, takich jak opakowania czy paragony.
Praca została stworzona na płótnie o intensywnie fakturowanej powierzchni, gdzie dominują głębokie odcienie czerni i czerwieni. Warstwy farby tworzą efekt reliefu, z wyrazistymi liniami i pęknięciami, które przyciągają uwagę swoją dynamiką. Czerwienie przenikają przez ciemne fragmenty, nadając kompozycji dramatyzmu i energii, podczas gdy połysk niektórych partii wprowadza subtelny efekt światła i głębi.
Faktura obrazu wydaje się żywa, z fragmentami o różnej grubości i intensywności, co budzi wrażenie ruchu i napięcia. Ciemna paleta, skontrastowana z intensywnymi czerwonymi akcentami, tworzy wyrazistą, emocjonalną kompozycję. Zastosowanie papieru jako dodatkowej warstwy nadaje dziełu surowości i podkreśla aspekt przekształcania materiałów w sztukę.
Autor: Jadwiga NAPIÓRKOWSKA
40 cm x 30 cm
technika własna na płótnie
2024 r.
Praca została wykonana na płótnie, które pochodzi jeszcze z czasów studenckich Artystki i wcześniej było częścią jej pracy
zaliczeniowej. Na płótnie znalazła się warstwa papieru, pochodząca z paczki, którą otrzymała w przeszłości. Artystka podkreśla, że
najbardziej przystępną formą podejścia „eko” jest wykorzystywanie materiałów, które już się posiada. Dlatego podczas tworzenia
tej pracy nie zakupiła żadnych nowych materiałów. Proces ten pozwolił ograniczyć emisję CO2 związaną z transportem nowych
surowców oraz uniknąć generowania dodatkowych odpadów, takich jak opakowania czy paragony.
Praca została stworzona na płótnie o intensywnie fakturowanej powierzchni, gdzie dominują głębokie odcienie czerni i czerwieni. Warstwy farby tworzą efekt reliefu, z wyrazistymi liniami i pęknięciami, które przyciągają uwagę swoją dynamiką. Czerwienie przenikają przez ciemne fragmenty, nadając kompozycji dramatyzmu i energii, podczas gdy połysk niektórych partii wprowadza subtelny efekt światła i głębi.
Faktura obrazu wydaje się żywa, z fragmentami o różnej grubości i intensywności, co budzi wrażenie ruchu i napięcia. Ciemna paleta, skontrastowana z intensywnymi czerwonymi akcentami, tworzy wyrazistą, emocjonalną kompozycję. Zastosowanie papieru jako dodatkowej warstwy nadaje dziełu surowości i podkreśla aspekt przekształcania materiałów w sztukę.
Autor: Joanna JĘCZALIK
30 cm x 30 cm
kolaż analogowy
2024 r.
Czy śmieci znalezione w przestrzeni miasta mogą oddać charakter i klimat danego miejsca? Podczas wyjazdów do różnych
miast Artystka zaczęła zbierać kawałki papieru, fragmenty plakatów ze słupów ogłoszeniowych oraz inne drobne śmieci
leżące na chodniku, a następnie tworzyć z nich kolaże. Tak też było podczas ostatniego wyjazdu do Katowic. Do stworzenia
tej pracy użyte zostały fragmenty plakatów, kawałek kartonu, zamalowana na żółto taśma klejąca oraz wyblakła wlepka
odklejona z latarni.
Praca składa się z warstw papierowych fragmentów o różnorodnej fakturze i kolorystyce, które zostały precyzyjnie ułożone na białym tle, tworząc minimalistyczną kompozycję. Dominują elementy w odcieniach czerni, bieli oraz czerwieni, z akcentem żółtego koloru pochodzącego z zamalowanej taśmy klejącej. Centralnie umieszczone fragmenty plakatów i napisów nadają kolażowi dynamiczny charakter, a ich wyblakłe, postarzane powierzchnie wprowadzają wrażenie czasu i miejsca.
Na szczególną uwagę zasługuje okrągły biały element o wyraźnej fakturze, który przyciąga wzrok i kontrastuje z ciemniejszymi partiami kompozycji. Fragmenty o różnym stopniu zniszczenia – od przetarć po rozdarcia – tworzą surowy, miejski klimat, odzwierciedlający kontekst miejsca, z którego pochodzą materiały. Kolaż, choć stworzony z przypadkowych elementów, wydaje się harmonijny i przemyślany.
Autor: Joanna JĘCZALIK
30 cm x 30 cm
kolaż analogowy
2024 r.
Czy śmieci znalezione w przestrzeni miasta mogą oddać charakter i klimat danego miejsca? Podczas wyjazdów do różnych
miast Artystka zaczęła zbierać kawałki papieru, fragmenty plakatów ze słupów ogłoszeniowych oraz inne drobne śmieci
leżące na chodniku, a następnie tworzyć z nich kolaże. Tak też było podczas ostatniego wyjazdu do Katowic. Do stworzenia
tej pracy użyte zostały fragmenty plakatów, kawałek kartonu, zamalowana na żółto taśma klejąca oraz wyblakła wlepka
odklejona z latarni.
Praca składa się z warstw papierowych fragmentów o różnorodnej fakturze i kolorystyce, które zostały precyzyjnie ułożone na białym tle, tworząc minimalistyczną kompozycję. Dominują elementy w odcieniach czerni, bieli oraz czerwieni, z akcentem żółtego koloru pochodzącego z zamalowanej taśmy klejącej. Centralnie umieszczone fragmenty plakatów i napisów nadają kolażowi dynamiczny charakter, a ich wyblakłe, postarzane powierzchnie wprowadzają wrażenie czasu i miejsca.
Na szczególną uwagę zasługuje okrągły biały element o wyraźnej fakturze, który przyciąga wzrok i kontrastuje z ciemniejszymi partiami kompozycji. Fragmenty o różnym stopniu zniszczenia – od przetarć po rozdarcia – tworzą surowy, miejski klimat, odzwierciedlający kontekst miejsca, z którego pochodzą materiały. Kolaż, choć stworzony z przypadkowych elementów, wydaje się harmonijny i przemyślany.
Autor: Joanna JĘCZALIK
30 cm x 30 cm
kolaż analogowy
2024 r.
Czy śmieci znalezione w przestrzeni miasta mogą oddać charakter i klimat danego miejsca? Podczas wyjazdów do różnych
miast Artystka zaczęła zbierać kawałki papieru, fragmenty plakatów ze słupów ogłoszeniowych oraz inne drobne śmieci
leżące na chodniku, a następnie tworzyć z nich kolaże. Tak też było podczas ostatniego wyjazdu do Katowic. Do stworzenia
tej pracy użyte zostały fragmenty plakatów, kawałek kartonu, zamalowana na żółto taśma klejąca oraz wyblakła wlepka
odklejona z latarni.
Praca składa się z warstw papierowych fragmentów o różnorodnej fakturze i kolorystyce, które zostały precyzyjnie ułożone na białym tle, tworząc minimalistyczną kompozycję. Dominują elementy w odcieniach czerni, bieli oraz czerwieni, z akcentem żółtego koloru pochodzącego z zamalowanej taśmy klejącej. Centralnie umieszczone fragmenty plakatów i napisów nadają kolażowi dynamiczny charakter, a ich wyblakłe, postarzane powierzchnie wprowadzają wrażenie czasu i miejsca.
Na szczególną uwagę zasługuje okrągły biały element o wyraźnej fakturze, który przyciąga wzrok i kontrastuje z ciemniejszymi partiami kompozycji. Fragmenty o różnym stopniu zniszczenia – od przetarć po rozdarcia – tworzą surowy, miejski klimat, odzwierciedlający kontekst miejsca, z którego pochodzą materiały. Kolaż, choć stworzony z przypadkowych elementów, wydaje się harmonijny i przemyślany.
Autor: Joanna JĘCZALIK
30 cm x 30 cm
kolaż analogowy
2024 r.
Czy śmieci znalezione w przestrzeni miasta mogą oddać charakter i klimat danego miejsca? Podczas wyjazdów do różnych
miast Artystka zaczęła zbierać kawałki papieru, fragmenty plakatów ze słupów ogłoszeniowych oraz inne drobne śmieci
leżące na chodniku, a następnie tworzyć z nich kolaże. Tak też było podczas ostatniego wyjazdu do Katowic. Do stworzenia
tej pracy użyte zostały fragmenty plakatów, kawałek kartonu, zamalowana na żółto taśma klejąca oraz wyblakła wlepka
odklejona z latarni.
Praca składa się z warstw papierowych fragmentów o różnorodnej fakturze i kolorystyce, które zostały precyzyjnie ułożone na białym tle, tworząc minimalistyczną kompozycję. Dominują elementy w odcieniach czerni, bieli oraz czerwieni, z akcentem żółtego koloru pochodzącego z zamalowanej taśmy klejącej. Centralnie umieszczone fragmenty plakatów i napisów nadają kolażowi dynamiczny charakter, a ich wyblakłe, postarzane powierzchnie wprowadzają wrażenie czasu i miejsca.
Na szczególną uwagę zasługuje okrągły biały element o wyraźnej fakturze, który przyciąga wzrok i kontrastuje z ciemniejszymi partiami kompozycji. Fragmenty o różnym stopniu zniszczenia – od przetarć po rozdarcia – tworzą surowy, miejski klimat, odzwierciedlający kontekst miejsca, z którego pochodzą materiały. Kolaż, choć stworzony z przypadkowych elementów, wydaje się harmonijny i przemyślany.
Autor: Joanna JĘCZALIK
30 cm x 30 cm
kolaż analogowy
2024 r.
Czy śmieci znalezione w przestrzeni miasta mogą oddać charakter i klimat danego miejsca? Podczas wyjazdów do różnych
miast Artystka zaczęła zbierać kawałki papieru, fragmenty plakatów ze słupów ogłoszeniowych oraz inne drobne śmieci
leżące na chodniku, a następnie tworzyć z nich kolaże. Tak też było podczas ostatniego wyjazdu do Katowic. Do stworzenia
tej pracy użyte zostały fragmenty plakatów, kawałek kartonu, zamalowana na żółto taśma klejąca oraz wyblakła wlepka
odklejona z latarni.
Praca składa się z warstw papierowych fragmentów o różnorodnej fakturze i kolorystyce, które zostały precyzyjnie ułożone na białym tle, tworząc minimalistyczną kompozycję. Dominują elementy w odcieniach czerni, bieli oraz czerwieni, z akcentem żółtego koloru pochodzącego z zamalowanej taśmy klejącej. Centralnie umieszczone fragmenty plakatów i napisów nadają kolażowi dynamiczny charakter, a ich wyblakłe, postarzane powierzchnie wprowadzają wrażenie czasu i miejsca.
Na szczególną uwagę zasługuje okrągły biały element o wyraźnej fakturze, który przyciąga wzrok i kontrastuje z ciemniejszymi partiami kompozycji. Fragmenty o różnym stopniu zniszczenia – od przetarć po rozdarcia – tworzą surowy, miejski klimat, odzwierciedlający kontekst miejsca, z którego pochodzą materiały. Kolaż, choć stworzony z przypadkowych elementów, wydaje się harmonijny i przemyślany.
Autor: Julia JASKUŁA
40 cm x 40 cm
technika mieszana
2024 r.
Praca została wykonana w całości z elementów pozyskanych od osób trzecich. Podstawę stanowi ramka ze starego płótna, która
stała się bazą pod kompozycję. Została ona stworzona z odnalezionych przez Artystkę papierów, pochodzących z antykwarycznych
książek przeznaczonych do spalenia, zakupionych w celu ich ocalenia. Koncept wykorzystania takich papierów nawiązuje pośrednio
do idei palimpsestu – jednak zamiast usuwania starego atramentu, Artystka pozostawia istniejące ślady i dodaje organiczne formy,
skręcone niczym gałęzie, zamknięte w miniaturowych formatach. Charakter pracy przywodzi na myśl fragmenty drzwi shoji, a jej
dodatkowym atutem jest fakt, że jest dwustronna.
Praca w formie dwustronnego kolażu, w którym wykorzystano ramkę z odzyskanego starego płótna jako podstawę kompozycji. Jedna strona obrazu wypełniona jest elementami pozyskanymi z antykwarycznych książek, zawierającymi teksty i grafiki. Stare, pożółkłe kartki papieru tworzą warstwę o różnorodnych fakturach i odcieniach, co nadaje całości efekt głębi i historycznego wymiaru.
Dominują wzory organiczne, przypominające skręcone gałęzie lub wirujące formy, które zostały dodane jako graficzne uzupełnienie kompozycji. Na odwrotnej stronie kompozycja zachowuje podobny charakter, złożony z subtelnych motywów graficznych i tekstowych, nawiązujących do estetyki drzwi shoji. Oryginalność pracy podkreśla jej dwustronność, pozwalająca odbiorcy na eksplorowanie zarówno tekstur, jak i graficznych detali z dwóch różnych perspektyw.
Autor: Julia JASKUŁA
40 cm x 40 cm
technika mieszana
2024 r.
Praca została wykonana w całości z elementów pozyskanych od osób trzecich. Podstawę stanowi ramka ze starego płótna, która
stała się bazą pod kompozycję. Została ona stworzona z odnalezionych przez Artystkę papierów, pochodzących z antykwarycznych
książek przeznaczonych do spalenia, zakupionych w celu ich ocalenia. Koncept wykorzystania takich papierów nawiązuje pośrednio
do idei palimpsestu – jednak zamiast usuwania starego atramentu, Artystka pozostawia istniejące ślady i dodaje organiczne formy,
skręcone niczym gałęzie, zamknięte w miniaturowych formatach. Charakter pracy przywodzi na myśl fragmenty drzwi shoji, a jej
dodatkowym atutem jest fakt, że jest dwustronna.
Praca w formie dwustronnego kolażu, w którym wykorzystano ramkę z odzyskanego starego płótna jako podstawę kompozycji. Jedna strona obrazu wypełniona jest elementami pozyskanymi z antykwarycznych książek, zawierającymi teksty i grafiki. Stare, pożółkłe kartki papieru tworzą warstwę o różnorodnych fakturach i odcieniach, co nadaje całości efekt głębi i historycznego wymiaru.
Dominują wzory organiczne, przypominające skręcone gałęzie lub wirujące formy, które zostały dodane jako graficzne uzupełnienie kompozycji. Na odwrotnej stronie kompozycja zachowuje podobny charakter, złożony z subtelnych motywów graficznych i tekstowych, nawiązujących do estetyki drzwi shoji. Oryginalność pracy podkreśla jej dwustronność, pozwalająca odbiorcy na eksplorowanie zarówno tekstur, jak i graficznych detali z dwóch różnych perspektyw.
Autor: Julia JASKUŁA
40 cm x 40 cm
technika mieszana
2024 r.
Praca została wykonana w całości z elementów pozyskanych od osób trzecich. Podstawę stanowi ramka ze starego płótna, która
stała się bazą pod kompozycję. Została ona stworzona z odnalezionych przez Artystkę papierów, pochodzących z antykwarycznych
książek przeznaczonych do spalenia, zakupionych w celu ich ocalenia. Koncept wykorzystania takich papierów nawiązuje pośrednio
do idei palimpsestu – jednak zamiast usuwania starego atramentu, Artystka pozostawia istniejące ślady i dodaje organiczne formy,
skręcone niczym gałęzie, zamknięte w miniaturowych formatach. Charakter pracy przywodzi na myśl fragmenty drzwi shoji, a jej
dodatkowym atutem jest fakt, że jest dwustronna.
Praca w formie dwustronnego kolażu, w którym wykorzystano ramkę z odzyskanego starego płótna jako podstawę kompozycji. Jedna strona obrazu wypełniona jest elementami pozyskanymi z antykwarycznych książek, zawierającymi teksty i grafiki. Stare, pożółkłe kartki papieru tworzą warstwę o różnorodnych fakturach i odcieniach, co nadaje całości efekt głębi i historycznego wymiaru.
Dominują wzory organiczne, przypominające skręcone gałęzie lub wirujące formy, które zostały dodane jako graficzne uzupełnienie kompozycji. Na odwrotnej stronie kompozycja zachowuje podobny charakter, złożony z subtelnych motywów graficznych i tekstowych, nawiązujących do estetyki drzwi shoji. Oryginalność pracy podkreśla jej dwustronność, pozwalająca odbiorcy na eksplorowanie zarówno tekstur, jak i graficznych detali z dwóch różnych perspektyw.
Autor: Julia JASKUŁA
40 cm x 40 cm
technika mieszana
2024 r.
Praca została wykonana w całości z elementów pozyskanych od osób trzecich. Podstawę stanowi ramka ze starego płótna, która
stała się bazą pod kompozycję. Została ona stworzona z odnalezionych przez Artystkę papierów, pochodzących z antykwarycznych
książek przeznaczonych do spalenia, zakupionych w celu ich ocalenia. Koncept wykorzystania takich papierów nawiązuje pośrednio
do idei palimpsestu – jednak zamiast usuwania starego atramentu, Artystka pozostawia istniejące ślady i dodaje organiczne formy,
skręcone niczym gałęzie, zamknięte w miniaturowych formatach. Charakter pracy przywodzi na myśl fragmenty drzwi shoji, a jej
dodatkowym atutem jest fakt, że jest dwustronna.
Praca w formie dwustronnego kolażu, w którym wykorzystano ramkę z odzyskanego starego płótna jako podstawę kompozycji. Jedna strona obrazu wypełniona jest elementami pozyskanymi z antykwarycznych książek, zawierającymi teksty i grafiki. Stare, pożółkłe kartki papieru tworzą warstwę o różnorodnych fakturach i odcieniach, co nadaje całości efekt głębi i historycznego wymiaru.
Dominują wzory organiczne, przypominające skręcone gałęzie lub wirujące formy, które zostały dodane jako graficzne uzupełnienie kompozycji. Na odwrotnej stronie kompozycja zachowuje podobny charakter, złożony z subtelnych motywów graficznych i tekstowych, nawiązujących do estetyki drzwi shoji. Oryginalność pracy podkreśla jej dwustronność, pozwalająca odbiorcy na eksplorowanie zarówno tekstur, jak i graficznych detali z dwóch różnych perspektyw.
Autor: Julia JASKUŁA
40 cm x 40 cm
technika mieszana
2024 r.
Praca została wykonana w całości z elementów pozyskanych od osób trzecich. Podstawę stanowi ramka ze starego płótna, która
stała się bazą pod kompozycję. Została ona stworzona z odnalezionych przez Artystkę papierów, pochodzących z antykwarycznych
książek przeznaczonych do spalenia, zakupionych w celu ich ocalenia. Koncept wykorzystania takich papierów nawiązuje pośrednio
do idei palimpsestu – jednak zamiast usuwania starego atramentu, Artystka pozostawia istniejące ślady i dodaje organiczne formy,
skręcone niczym gałęzie, zamknięte w miniaturowych formatach. Charakter pracy przywodzi na myśl fragmenty drzwi shoji, a jej
dodatkowym atutem jest fakt, że jest dwustronna.
Praca w formie dwustronnego kolażu, w którym wykorzystano ramkę z odzyskanego starego płótna jako podstawę kompozycji. Jedna strona obrazu wypełniona jest elementami pozyskanymi z antykwarycznych książek, zawierającymi teksty i grafiki. Stare, pożółkłe kartki papieru tworzą warstwę o różnorodnych fakturach i odcieniach, co nadaje całości efekt głębi i historycznego wymiaru.
Dominują wzory organiczne, przypominające skręcone gałęzie lub wirujące formy, które zostały dodane jako graficzne uzupełnienie kompozycji. Na odwrotnej stronie kompozycja zachowuje podobny charakter, złożony z subtelnych motywów graficznych i tekstowych, nawiązujących do estetyki drzwi shoji. Oryginalność pracy podkreśla jej dwustronność, pozwalająca odbiorcy na eksplorowanie zarówno tekstur, jak i graficznych detali z dwóch różnych perspektyw.
Autor: Julia JASKUŁA
40 cm x 40 cm
technika mieszana
2024 r.
Praca została wykonana w całości z elementów pozyskanych od osób trzecich. Podstawę stanowi ramka ze starego płótna, która
stała się bazą pod kompozycję. Została ona stworzona z odnalezionych przez Artystkę papierów, pochodzących z antykwarycznych
książek przeznaczonych do spalenia, zakupionych w celu ich ocalenia. Koncept wykorzystania takich papierów nawiązuje pośrednio
do idei palimpsestu – jednak zamiast usuwania starego atramentu, Artystka pozostawia istniejące ślady i dodaje organiczne formy,
skręcone niczym gałęzie, zamknięte w miniaturowych formatach. Charakter pracy przywodzi na myśl fragmenty drzwi shoji, a jej
dodatkowym atutem jest fakt, że jest dwustronna.
Praca w formie dwustronnego kolażu, w którym wykorzystano ramkę z odzyskanego starego płótna jako podstawę kompozycji. Jedna strona obrazu wypełniona jest elementami pozyskanymi z antykwarycznych książek, zawierającymi teksty i grafiki. Stare, pożółkłe kartki papieru tworzą warstwę o różnorodnych fakturach i odcieniach, co nadaje całości efekt głębi i historycznego wymiaru.
Dominują wzory organiczne, przypominające skręcone gałęzie lub wirujące formy, które zostały dodane jako graficzne uzupełnienie kompozycji. Na odwrotnej stronie kompozycja zachowuje podobny charakter, złożony z subtelnych motywów graficznych i tekstowych, nawiązujących do estetyki drzwi shoji. Oryginalność pracy podkreśla jej dwustronność, pozwalająca odbiorcy na eksplorowanie zarówno tekstur, jak i graficznych detali z dwóch różnych perspektyw.
Autor: Julia JASKUŁA
40 cm x 40 cm
technika mieszana
2024 r.
Praca została wykonana w całości z elementów pozyskanych od osób trzecich. Podstawę stanowi ramka ze starego płótna, która
stała się bazą pod kompozycję. Została ona stworzona z odnalezionych przez Artystkę papierów, pochodzących z antykwarycznych
książek przeznaczonych do spalenia, zakupionych w celu ich ocalenia. Koncept wykorzystania takich papierów nawiązuje pośrednio
do idei palimpsestu – jednak zamiast usuwania starego atramentu, Artystka pozostawia istniejące ślady i dodaje organiczne formy,
skręcone niczym gałęzie, zamknięte w miniaturowych formatach. Charakter pracy przywodzi na myśl fragmenty drzwi shoji, a jej
dodatkowym atutem jest fakt, że jest dwustronna.
Praca w formie dwustronnego kolażu, w którym wykorzystano ramkę z odzyskanego starego płótna jako podstawę kompozycji. Jedna strona obrazu wypełniona jest elementami pozyskanymi z antykwarycznych książek, zawierającymi teksty i grafiki. Stare, pożółkłe kartki papieru tworzą warstwę o różnorodnych fakturach i odcieniach, co nadaje całości efekt głębi i historycznego wymiaru.
Dominują wzory organiczne, przypominające skręcone gałęzie lub wirujące formy, które zostały dodane jako graficzne uzupełnienie kompozycji. Na odwrotnej stronie kompozycja zachowuje podobny charakter, złożony z subtelnych motywów graficznych i tekstowych, nawiązujących do estetyki drzwi shoji. Oryginalność pracy podkreśla jej dwustronność, pozwalająca odbiorcy na eksplorowanie zarówno tekstur, jak i graficznych detali z dwóch różnych perspektyw.
Autor: Magdalena JANKISZ
100 cm x 70 cm
technika mieszana - plastik, metal, farba olejna
2024 r.
Praca stworzona z płyt CD i metalowych podkładek pokrytych farbami olejnymi. Niektóre z płyt, pierwotnie błyszczące,
tworzą świetliste refleksy, które zmieniają się w zależności od kąta patrzenia, niczym migotliwe wspomnienia. Kolory
kontrastują, budując dynamiczną kompozycję. Odsłonięte powierzchnie płyt dają wrażenie okien do przeszłości, rozmytych
i zdeformowanych przez czas. Praca zaprasza do refleksji nad trwałością i ulotnością wspomnień.
Praca składa się z geometrycznej kompozycji utworzonej z płyt CD oraz metalowych podkładek, rozmieszczonych na czarnym tle. Płyty są ułożone w regularny układ, naprzemiennie z okręgami pokrytymi farbami olejnymi w intensywnych kolorach czerwieni i żółci. Ich lustrzane powierzchnie odbijają światło, tworząc różnokolorowe refleksy, które zmieniają się w zależności od kąta patrzenia.
Kompozycja cechuje się wyrazistą strukturą – każda płyta i okrąg są otoczone metalowymi podkładkami, które dodają pracy detali i wzmacniają kontrast między błyszczącymi, holograficznymi powierzchniami a matowymi kolorowymi fragmentami. Powtarzający się wzór oraz zróżnicowane materiały wprowadzają rytmiczność i dynamiczny charakter. Czarna baza tła dodatkowo podkreśla intensywność kolorów i świetlistość płyt CD.
Autor: Marcin DUDEK
100 cm x 70 cm
grafika wektorowa, druk pigmentowy na papierze ekologicznym typu kraft
2024 r.
Praca jest odniesieniem się do aktualnych destrukcyjnych zmian jakie dokonują się w środowisku naturalnym. Grafika ma
obrazować postępującą dewastację natury oraz zastępowanie jej sztucznymi formami. Grafika wektorowa pomimo swojej
surowości ma jak najlepiej udawać naturalny charakter przedstawionej materii i stanowić kontrast. Papier typu kraft jest
matowy i niepowlekany, pochodzący z recyklingu. Druk pigmentowy bazuje na farbach wodnych. Zadruk oraz ilość kolorów
zostały ograniczone aby zmniejszyć ilość farb i energii.
Praca przedstawia dynamiczną, czarno-białą grafikę o organicznym, ale jednocześnie geometrycznym charakterze. Centralnym punktem kompozycji jest ciemna, intensywna plama czerni, która stopniowo przechodzi w bardziej rozproszone, linearne struktury na obrzeżach. Linie, przypominające splątane nitki lub gałęzie, tworzą skomplikowaną siatkę, która zdaje się pulsować i rozprzestrzeniać.
Tło wykonane jest z matowego papieru kraftowego w naturalnym, ciepłym odcieniu beżu, co dodaje pracy surowości i kontrastuje z głęboką czernią druku pigmentowego. Grafika wyróżnia się precyzyjnie wykreślonymi detalami i bogatą fakturą, która tworzy wrażenie głębi i trójwymiarowości. Minimalistyczna kolorystyka podkreśla ekologiczny charakter dzieła, a organiczne formy nawiązują do natury, jednocześnie ukazując jej transformację w abstrakcyjne, sztuczne struktury.
Autor: Monika MACIAŁEK
70 x 100 cm
asamblaż
2024 r.
Praca na papierze, w której połączone zostały zużyte woreczki po herbacie, stary pędzel, sznurek, kable i miniaturowy obraz,
to refleksja nad współczesnym światem. Symbolizuje przemijanie, nadmiar i uzależnienie od technologii. Woreczki po
herbacie przypominają o masowej konsumpcji, pędzel o zapomnianym procesie twórczym, a kable i sznurek o połączeniu
tradycji z nowoczesnością. Miniaturowy obraz przywołuje nostalgię za spokojniejszym czasem. Kompozycja podkreśla
kontrasty, gdzie „stare” zyskuje „nowe” życie jako świadectwo naszych czasów.
Praca wykonana na papierze, zbudowana z licznych elementów, takich jak zużyte woreczki po herbacie, które tworzą delikatną, warstwową teksturę w odcieniach beżu i brązu. W kompozycji zauważalne są drobne, wplecione detale – stary pędzel, fragmenty kabli i sznurek – które dodają przestrzennego charakteru. Na powierzchni pojawia się również niewielki obrazek, który subtelnie kontrastuje z organicznymi materiałami, przyciągając uwagę widza.
Układ elementów sprawia wrażenie kolażu, gdzie każdy z użytych materiałów zachowuje swój indywidualny charakter, jednocześnie wpisując się w harmonijną całość. Delikatne przebarwienia i przezroczystość herbacianych woreczków nadają pracy subtelnej głębi, a drobne linie, zapewne od kabli czy sznurka, wprowadzają dynamikę do kompozycji.
Autor: Monika MACIAŁEK
70 x 100 cm
asamblaż
2024 r.
Praca na papierze, w której połączone zostały zużyte woreczki po herbacie, stary pędzel, sznurek, kable i miniaturowy obraz,
to refleksja nad współczesnym światem. Symbolizuje przemijanie, nadmiar i uzależnienie od technologii. Woreczki po
herbacie przypominają o masowej konsumpcji, pędzel o zapomnianym procesie twórczym, a kable i sznurek o połączeniu
tradycji z nowoczesnością. Miniaturowy obraz przywołuje nostalgię za spokojniejszym czasem. Kompozycja podkreśla
kontrasty, gdzie „stare” zyskuje „nowe” życie jako świadectwo naszych czasów.
Praca wykonana na papierze, zbudowana z licznych elementów, takich jak zużyte woreczki po herbacie, które tworzą delikatną, warstwową teksturę w odcieniach beżu i brązu. W kompozycji zauważalne są drobne, wplecione detale – stary pędzel, fragmenty kabli i sznurek – które dodają przestrzennego charakteru. Na powierzchni pojawia się również niewielki obrazek, który subtelnie kontrastuje z organicznymi materiałami, przyciągając uwagę widza.
Układ elementów sprawia wrażenie kolażu, gdzie każdy z użytych materiałów zachowuje swój indywidualny charakter, jednocześnie wpisując się w harmonijną całość. Delikatne przebarwienia i przezroczystość herbacianych woreczków nadają pracy subtelnej głębi, a drobne linie, zapewne od kabli czy sznurka, wprowadzają dynamikę do kompozycji.
Autor: Monika MACIAŁEK
70 x 100 cm
asamblaż
2024 r.
Praca na papierze, w której połączone zostały zużyte woreczki po herbacie, stary pędzel, sznurek, kable i miniaturowy obraz,
to refleksja nad współczesnym światem. Symbolizuje przemijanie, nadmiar i uzależnienie od technologii. Woreczki po
herbacie przypominają o masowej konsumpcji, pędzel o zapomnianym procesie twórczym, a kable i sznurek o połączeniu
tradycji z nowoczesnością. Miniaturowy obraz przywołuje nostalgię za spokojniejszym czasem. Kompozycja podkreśla
kontrasty, gdzie „stare” zyskuje „nowe” życie jako świadectwo naszych czasów.
Praca wykonana na papierze, zbudowana z licznych elementów, takich jak zużyte woreczki po herbacie, które tworzą delikatną, warstwową teksturę w odcieniach beżu i brązu. W kompozycji zauważalne są drobne, wplecione detale – stary pędzel, fragmenty kabli i sznurek – które dodają przestrzennego charakteru. Na powierzchni pojawia się również niewielki obrazek, który subtelnie kontrastuje z organicznymi materiałami, przyciągając uwagę widza.
Układ elementów sprawia wrażenie kolażu, gdzie każdy z użytych materiałów zachowuje swój indywidualny charakter, jednocześnie wpisując się w harmonijną całość. Delikatne przebarwienia i przezroczystość herbacianych woreczków nadają pracy subtelnej głębi, a drobne linie, zapewne od kabli czy sznurka, wprowadzają dynamikę do kompozycji.
Autor: Natalia SUWAJ
85 cm x 68 cm
asamblaż
2024 r.
W pracy wykorzystano korę z powalonego drzewa, oznaczonego pomarańczowym krzyżykiem „do wycięcia”. Kora
pokrywa pień, konary i korzenie drzew. Składa się z dwóch warstw: zewnętrznej, pełniącej funkcję ochronną i izolacyjną
oraz wewnętrznej, żywej, odpowiedzialnej za transport składników pokarmowych. Bez niej drzewo obumiera. By wskrzesić
drzewo skazane przez człowieka na śmierć, Artystka zebrała jego korę i umieściła na zamalowanym farbami eko płótnie.
Kora pomalowana została na czarno, w tym przypadku kolor symbolizujący żałobę, ale również pozorujący nadpaloną,
zwęgloną skórę.
Praca przedstawia fragmenty kory drzewa, ułożone na zamalowanym płótnie, tworząc trójwymiarową, surową kompozycję. Kora została pomalowana na czarno, co nadaje jej wygląd przypominający nadpaloną lub zwęgloną powierzchnię. W centralnej części widoczny jest pomarańczowy krzyżyk, który silnie kontrastuje z ciemną kolorystyką, przyciągając uwagę i wprowadzając element dramatyzmu.
Naturalna tekstura kory – z jej pęknięciami, nieregularnościami i różnorodnością faktur – stanowi kluczowy element wizualny pracy. Obok czarnej, „nadpalonej” kory widoczne są fragmenty w naturalnym, brązowym odcieniu, które ujawniają surowy charakter materiału. Tło kompozycji w odcieniach beżu i czerni, z delikatnymi akcentami różu, wprowadza subtelny kontrast do ciężkiej, fakturalnej struktury kory, nadając całości głębi i złożoności.
Autor: Natalia SZLĘK
60 cm x 50 cm
mix media - olej na płótnie, paragony, klej
2024 r.
Praca została stworzona w głównej części z materiałów z recyklingu, takich jak płótno z odzysku oraz paragony. Artystka
traktuje je zarówno jako odpad, jak i symbol wszelkiego konsumpcjonizmu. To, co potwierdza zakup i zaraz jest zamieniane
na śmieci, potraktowane zostało jako materiał, który można wykorzystać ponownie. Obraz stanowi abstrakcję, która
jest wyrazem przemyśleń dotyczących świata konsumpcji i jej negatywnych skutków w obrębie socjologicznym oraz
środowiskowym. Ziemiste kolory podkreślają degradację natury, spowodowaną w dużej mierze nadprodukcją oraz
zakupoholizmem.
Praca w formie abstrakcji wykonana na płótnie z recyklingu, w której dominują ziemiste, stonowane odcienie szarości, zieleni oraz subtelne akcenty fioletu i złota. Tekstura obrazu jest intensywna i wielowarstwowa, z wyraźnie widocznymi fałdami oraz reliefami, które nadają mu trójwymiarowy charakter. W powierzchnię wkomponowane zostały elementy, takie jak paragony, które tworzą subtelny wzór w strukturze, dodając pracy zarówno głębi, jak i unikalnej faktury.
Górna część obrazu jest bardziej gładka, przywodząca na myśl niebo lub otwartą przestrzeń, natomiast dolna przechodzi w chaotyczne układy tekstur, przypominające naturalne formacje ziemi lub skał. Gra światła i cienia na powierzchni wzmacnia wrażenie dynamiki i organiczności całej kompozycji.
Autor: Natalia SZLĘK
60 cm x 50 cm
mix media - olej na płótnie, paragony, klej
2024 r.
Praca została stworzona w głównej części z materiałów z recyklingu, takich jak płótno z odzysku oraz paragony. Artystka
traktuje je zarówno jako odpad, jak i symbol wszelkiego konsumpcjonizmu. To, co potwierdza zakup i zaraz jest zamieniane
na śmieci, potraktowane zostało jako materiał, który można wykorzystać ponownie. Obraz stanowi abstrakcję, która
jest wyrazem przemyśleń dotyczących świata konsumpcji i jej negatywnych skutków w obrębie socjologicznym oraz
środowiskowym. Ziemiste kolory podkreślają degradację natury, spowodowaną w dużej mierze nadprodukcją oraz
zakupoholizmem.
Praca w formie abstrakcji wykonana na płótnie z recyklingu, w której dominują ziemiste, stonowane odcienie szarości, zieleni oraz subtelne akcenty fioletu i złota. Tekstura obrazu jest intensywna i wielowarstwowa, z wyraźnie widocznymi fałdami oraz reliefami, które nadają mu trójwymiarowy charakter. W powierzchnię wkomponowane zostały elementy, takie jak paragony, które tworzą subtelny wzór w strukturze, dodając pracy zarówno głębi, jak i unikalnej faktury.
Górna część obrazu jest bardziej gładka, przywodząca na myśl niebo lub otwartą przestrzeń, natomiast dolna przechodzi w chaotyczne układy tekstur, przypominające naturalne formacje ziemi lub skał. Gra światła i cienia na powierzchni wzmacnia wrażenie dynamiki i organiczności całej kompozycji.
Autor: Paweł OLEARKA
cykl prac
technika własna
2024 r.
Obrazy abstrakcyjne powstają z elementów, takich jak taśma, pleksi i stary spray, w duchu recyklingu. Każdy materiał wnosi
unikalny charakter, tworząc złożone kompozycje, które zapraszają widza do odkrywania ukrytych znaczeń. Taśma nadaje
strukturę, pleksi wprowadza grę światła i cienia, a stary spray dodaje nieprzewidywalności, przywołując wspomnienia
przeszłości. Z tych elementów wyłaniają się postaci z mroku, tańczące w przestrzeni. Prace eksplorują granice między
rzeczywistością a fantazją, angażując emocje i wyobraźnię, promując jednocześnie ideę recyklingu w sztuce.
Kompozycje utrzymane w czarno-białej tonacji charakteryzują się subtelnością i lekką transparentnością. Prace składają się z dynamicznie ułożonych elementów, takich jak cienka taśma, fragmenty pleksi oraz efekty powstałe dzięki zastosowaniu sprayu. Każdy z materiałów wprowadza unikalny efekt wizualny – taśma tworzy strukturalne linie i ruch, pleksi dodaje delikatnych refleksów i przejrzystości, a spray generuje rozproszone faktury, które nadają kompozycjom głębię.
Postaci, które zdają się wyłaniać z ciemnego tła, przypominają eteryczne sylwetki unoszące się w przestrzeni. Kompozycje są minimalistyczne, lecz pełne detali, które ujawniają się przy bliższym oglądaniu. Gra światła i cienia potęguje wrażenie trójwymiarowości, a różnorodność faktur tworzy kontrast między gładkimi powierzchniami a matowymi partiami. Całość przywodzi na myśl ruch i lekkość, zachęcając do refleksji nad materialnością i ulotnością.
Autor: Piotr Dawid WORONIEC
60 cm x 80 cm
akryl ,technika mieszana na płótnie
2017 r.
Obraz przedstawia abstrakcyjną kompozycję utrzymaną w tonacjach szarości, błękitu i brązu, z delikatnymi akcentami żółci i zieleni. Główna część pracy ma chłodną, betonową strukturę z licznymi fakturalnymi pociągnięciami i przetarciami. W centrum znajduje się wyraźny prostokątny element, przypominający kolaż z fragmentami materiałów, papieru i drobnymi śladami farby.
Dolna część obrazu jest ciemniejsza, zdominowana przez głęboki odcień błękitu, który wprowadza wizualną stabilność i kontrast względem jaśniejszych, bardziej zróżnicowanych partii wyższej części obrazu. W lewym dolnym rogu widoczna jest strukturalna forma w odcieniu brązu, która wydaje się wkomponowana w kompozycję. Całość jest dynamiczna, z wyraźnym ruchem w górnej i środkowej partii obrazu, dzięki plamom farby oraz subtelnym liniom.
Autor: Piotr Dawid WORONIEC
60 cm x 80 cm
akryl ,technika mieszana na płótnie
2017 r.
Obraz przedstawia abstrakcyjną kompozycję utrzymaną w tonacjach szarości, błękitu i brązu, z delikatnymi akcentami żółci i zieleni. Główna część pracy ma chłodną, betonową strukturę z licznymi fakturalnymi pociągnięciami i przetarciami. W centrum znajduje się wyraźny prostokątny element, przypominający kolaż z fragmentami materiałów, papieru i drobnymi śladami farby.
Dolna część obrazu jest ciemniejsza, zdominowana przez głęboki odcień błękitu, który wprowadza wizualną stabilność i kontrast względem jaśniejszych, bardziej zróżnicowanych partii wyższej części obrazu. W lewym dolnym rogu widoczna jest strukturalna forma w odcieniu brązu, która wydaje się wkomponowana w kompozycję. Całość jest dynamiczna, z wyraźnym ruchem w górnej i środkowej partii obrazu, dzięki plamom farby oraz subtelnym liniom.
Autor: Piotr Dawid WORONIEC
60 cm x 80 cm
akryl ,technika mieszana na płótnie
2017 r.
Obraz przedstawia abstrakcyjną kompozycję utrzymaną w tonacjach szarości, błękitu i brązu, z delikatnymi akcentami żółci i zieleni. Główna część pracy ma chłodną, betonową strukturę z licznymi fakturalnymi pociągnięciami i przetarciami. W centrum znajduje się wyraźny prostokątny element, przypominający kolaż z fragmentami materiałów, papieru i drobnymi śladami farby.
Dolna część obrazu jest ciemniejsza, zdominowana przez głęboki odcień błękitu, który wprowadza wizualną stabilność i kontrast względem jaśniejszych, bardziej zróżnicowanych partii wyższej części obrazu. W lewym dolnym rogu widoczna jest strukturalna forma w odcieniu brązu, która wydaje się wkomponowana w kompozycję. Całość jest dynamiczna, z wyraźnym ruchem w górnej i środkowej partii obrazu, dzięki plamom farby oraz subtelnym liniom.
Autor: Piotr Dawid WORONIEC
60 cm x 80 cm
akryl ,technika mieszana na płótnie
2017 r.
Obraz przedstawia abstrakcyjną kompozycję utrzymaną w tonacjach szarości, błękitu i brązu, z delikatnymi akcentami żółci i zieleni. Główna część pracy ma chłodną, betonową strukturę z licznymi fakturalnymi pociągnięciami i przetarciami. W centrum znajduje się wyraźny prostokątny element, przypominający kolaż z fragmentami materiałów, papieru i drobnymi śladami farby.
Dolna część obrazu jest ciemniejsza, zdominowana przez głęboki odcień błękitu, który wprowadza wizualną stabilność i kontrast względem jaśniejszych, bardziej zróżnicowanych partii wyższej części obrazu. W lewym dolnym rogu widoczna jest strukturalna forma w odcieniu brązu, która wydaje się wkomponowana w kompozycję. Całość jest dynamiczna, z wyraźnym ruchem w górnej i środkowej partii obrazu, dzięki plamom farby oraz subtelnym liniom.
Autor: Piotr Dawid WORONIEC
60 cm x 80 cm
akryl ,technika mieszana na płótnie
2017 r.
Obraz przedstawia abstrakcyjną kompozycję utrzymaną w tonacjach szarości, błękitu i brązu, z delikatnymi akcentami żółci i zieleni. Główna część pracy ma chłodną, betonową strukturę z licznymi fakturalnymi pociągnięciami i przetarciami. W centrum znajduje się wyraźny prostokątny element, przypominający kolaż z fragmentami materiałów, papieru i drobnymi śladami farby.
Dolna część obrazu jest ciemniejsza, zdominowana przez głęboki odcień błękitu, który wprowadza wizualną stabilność i kontrast względem jaśniejszych, bardziej zróżnicowanych partii wyższej części obrazu. W lewym dolnym rogu widoczna jest strukturalna forma w odcieniu brązu, która wydaje się wkomponowana w kompozycję. Całość jest dynamiczna, z wyraźnym ruchem w górnej i środkowej partii obrazu, dzięki plamom farby oraz subtelnym liniom.
Autor: Piotr Dawid WORONIEC
60 cm x 80 cm
akryl ,technika mieszana na płótnie
2017 r.
Obraz przedstawia abstrakcyjną kompozycję utrzymaną w tonacjach szarości, błękitu i brązu, z delikatnymi akcentami żółci i zieleni. Główna część pracy ma chłodną, betonową strukturę z licznymi fakturalnymi pociągnięciami i przetarciami. W centrum znajduje się wyraźny prostokątny element, przypominający kolaż z fragmentami materiałów, papieru i drobnymi śladami farby.
Dolna część obrazu jest ciemniejsza, zdominowana przez głęboki odcień błękitu, który wprowadza wizualną stabilność i kontrast względem jaśniejszych, bardziej zróżnicowanych partii wyższej części obrazu. W lewym dolnym rogu widoczna jest strukturalna forma w odcieniu brązu, która wydaje się wkomponowana w kompozycję. Całość jest dynamiczna, z wyraźnym ruchem w górnej i środkowej partii obrazu, dzięki plamom farby oraz subtelnym liniom.
Autor: Piotr Dawid WORONIEC
60 cm x 80 cm
akryl ,technika mieszana na płótnie
2017 r.
Obraz przedstawia abstrakcyjną kompozycję utrzymaną w tonacjach szarości, błękitu i brązu, z delikatnymi akcentami żółci i zieleni. Główna część pracy ma chłodną, betonową strukturę z licznymi fakturalnymi pociągnięciami i przetarciami. W centrum znajduje się wyraźny prostokątny element, przypominający kolaż z fragmentami materiałów, papieru i drobnymi śladami farby.
Dolna część obrazu jest ciemniejsza, zdominowana przez głęboki odcień błękitu, który wprowadza wizualną stabilność i kontrast względem jaśniejszych, bardziej zróżnicowanych partii wyższej części obrazu. W lewym dolnym rogu widoczna jest strukturalna forma w odcieniu brązu, która wydaje się wkomponowana w kompozycję. Całość jest dynamiczna, z wyraźnym ruchem w górnej i środkowej partii obrazu, dzięki plamom farby oraz subtelnym liniom.
Autor: Renata Masłyk
100x80 cm
mixed media na płótnie i workach jutowych
2024
Warstwa ideowa:
Ten obraz wyróżnia się na tle pozostałych zarówno formą, jak i przesłaniem. Składa się z czterech mniejszych części, które razem tworzą całość, ale jednocześnie sugerują potencjalną zmienność i dowolność w ich układzie. To zabieg, który stawia pytanie: czy mamy pełną kontrolę nad tym, co tworzymy, nad sensem, który przypisujemy, i nad tym, jak inni to interpretują? Kolejność ustawienia elementów może być zmieniona przez widza, co ukazuje kruchość intencji artysty wobec indywidualnego odbioru. Biały kolor, pojawiający się tutaj po raz pierwszy, symbolizuje otwartość, przestrzeń na nowe możliwości i reinterpretację. Obraz zachęca do refleksji nad wpływem, jaki mamy na otaczającą rzeczywistość, i nad tym, co wymyka się spod naszej kontroli. Praca ta była prezentowana w Biurze Wystaw Artystycznych w Rzeszowie, co dodatkowo nadaje jej wyjątkowego charakteru, podkreślając jej wartość jako części większej artystycznej narracji.
Ten obraz to swoista gra między porządkiem a chaosem, kontrolą a przypadkiem. Artystka zaprojektowała go w określony sposób, ale pozostawia miejsce na ingerencję odbiorcy, prowokując do refleksji nad relacją między twórcą a widzem oraz nad zmiennością, która towarzyszy każdemu dziełu sztuki.
Obraz został zaprezentowany na wystawie pokonkursowej Obraz, Grafika, Rzeźba Roku 2024 w Biurze Wystaw Artystycznych w Rzeszowie.
Warstwa wizualna:
Tło:
Każdy z czterech segmentów obrazu zawiera zróżnicowane fragmenty tkanin – naturalne beże, czerń i biel. Tło poszczególnych części stanowi bazę o różnorodnej fakturze, od surowego jutowego płótna po gładkie, malowane powierzchnie.
Główny element:
Główne elementy kompozycji to zszyte i naszywane warstwy tkanin w różnych kolorach, które zdają się rozdzielać przestrzeń na mniejsze części. Intensywny malinowy kolor pojawia się na niektórych fragmentach, kontrastując z surowością beżu i bielą. Wszystkie cztery segmenty łączy prostota, ale każdy z nich jest unikalny, co tworzy dynamiczną relację między nimi.
Tło kolorystyczne:
Cztery fragmenty zawierają różne proporcje czerni, bieli, beżu i malinowej czerwieni. Biel, nieobecna w poprzednich pracach, wprowadza element świeżości i czystości, kontrastując z mocnymi, ciemnymi barwami.
Dodatki:
Całość jest spięta lnianymi sznurkami, które podkreślają spójność pracy, ale jednocześnie sugerują delikatność tego połączenia. Surowość szwów i wystające krawędzie przypominają, że choć wszystko wydaje się ze sobą połączone, to w każdej chwili może zostać przemieszane lub zmienione.
Autor: Renata Masłyk
100x80 cm
mixed media na płótnie i workach jutowych
2024
Warstwa ideowa:
Ten obraz wyróżnia się na tle pozostałych zarówno formą, jak i przesłaniem. Składa się z czterech mniejszych części, które razem tworzą całość, ale jednocześnie sugerują potencjalną zmienność i dowolność w ich układzie. To zabieg, który stawia pytanie: czy mamy pełną kontrolę nad tym, co tworzymy, nad sensem, który przypisujemy, i nad tym, jak inni to interpretują? Kolejność ustawienia elementów może być zmieniona przez widza, co ukazuje kruchość intencji artysty wobec indywidualnego odbioru. Biały kolor, pojawiający się tutaj po raz pierwszy, symbolizuje otwartość, przestrzeń na nowe możliwości i reinterpretację. Obraz zachęca do refleksji nad wpływem, jaki mamy na otaczającą rzeczywistość, i nad tym, co wymyka się spod naszej kontroli. Praca ta była prezentowana w Biurze Wystaw Artystycznych w Rzeszowie, co dodatkowo nadaje jej wyjątkowego charakteru, podkreślając jej wartość jako części większej artystycznej narracji.
Ten obraz to swoista gra między porządkiem a chaosem, kontrolą a przypadkiem. Artystka zaprojektowała go w określony sposób, ale pozostawia miejsce na ingerencję odbiorcy, prowokując do refleksji nad relacją między twórcą a widzem oraz nad zmiennością, która towarzyszy każdemu dziełu sztuki.
Obraz został zaprezentowany na wystawie pokonkursowej Obraz, Grafika, Rzeźba Roku 2024 w Biurze Wystaw Artystycznych w Rzeszowie.
Warstwa wizualna:
Tło:
Każdy z czterech segmentów obrazu zawiera zróżnicowane fragmenty tkanin – naturalne beże, czerń i biel. Tło poszczególnych części stanowi bazę o różnorodnej fakturze, od surowego jutowego płótna po gładkie, malowane powierzchnie.
Główny element:
Główne elementy kompozycji to zszyte i naszywane warstwy tkanin w różnych kolorach, które zdają się rozdzielać przestrzeń na mniejsze części. Intensywny malinowy kolor pojawia się na niektórych fragmentach, kontrastując z surowością beżu i bielą. Wszystkie cztery segmenty łączy prostota, ale każdy z nich jest unikalny, co tworzy dynamiczną relację między nimi.
Tło kolorystyczne:
Cztery fragmenty zawierają różne proporcje czerni, bieli, beżu i malinowej czerwieni. Biel, nieobecna w poprzednich pracach, wprowadza element świeżości i czystości, kontrastując z mocnymi, ciemnymi barwami.
Dodatki:
Całość jest spięta lnianymi sznurkami, które podkreślają spójność pracy, ale jednocześnie sugerują delikatność tego połączenia. Surowość szwów i wystające krawędzie przypominają, że choć wszystko wydaje się ze sobą połączone, to w każdej chwili może zostać przemieszane lub zmienione.
Autor: Renata Masłyk
100x80 cm
mixed media na płótnie i workach jutowych
2024
Warstwa ideowa:
Ten obraz wyróżnia się na tle pozostałych zarówno formą, jak i przesłaniem. Składa się z czterech mniejszych części, które razem tworzą całość, ale jednocześnie sugerują potencjalną zmienność i dowolność w ich układzie. To zabieg, który stawia pytanie: czy mamy pełną kontrolę nad tym, co tworzymy, nad sensem, który przypisujemy, i nad tym, jak inni to interpretują? Kolejność ustawienia elementów może być zmieniona przez widza, co ukazuje kruchość intencji artysty wobec indywidualnego odbioru. Biały kolor, pojawiający się tutaj po raz pierwszy, symbolizuje otwartość, przestrzeń na nowe możliwości i reinterpretację. Obraz zachęca do refleksji nad wpływem, jaki mamy na otaczającą rzeczywistość, i nad tym, co wymyka się spod naszej kontroli. Praca ta była prezentowana w Biurze Wystaw Artystycznych w Rzeszowie, co dodatkowo nadaje jej wyjątkowego charakteru, podkreślając jej wartość jako części większej artystycznej narracji.
Ten obraz to swoista gra między porządkiem a chaosem, kontrolą a przypadkiem. Artystka zaprojektowała go w określony sposób, ale pozostawia miejsce na ingerencję odbiorcy, prowokując do refleksji nad relacją między twórcą a widzem oraz nad zmiennością, która towarzyszy każdemu dziełu sztuki.
Obraz został zaprezentowany na wystawie pokonkursowej Obraz, Grafika, Rzeźba Roku 2024 w Biurze Wystaw Artystycznych w Rzeszowie.
Warstwa wizualna:
Tło:
Każdy z czterech segmentów obrazu zawiera zróżnicowane fragmenty tkanin – naturalne beże, czerń i biel. Tło poszczególnych części stanowi bazę o różnorodnej fakturze, od surowego jutowego płótna po gładkie, malowane powierzchnie.
Główny element:
Główne elementy kompozycji to zszyte i naszywane warstwy tkanin w różnych kolorach, które zdają się rozdzielać przestrzeń na mniejsze części. Intensywny malinowy kolor pojawia się na niektórych fragmentach, kontrastując z surowością beżu i bielą. Wszystkie cztery segmenty łączy prostota, ale każdy z nich jest unikalny, co tworzy dynamiczną relację między nimi.
Tło kolorystyczne:
Cztery fragmenty zawierają różne proporcje czerni, bieli, beżu i malinowej czerwieni. Biel, nieobecna w poprzednich pracach, wprowadza element świeżości i czystości, kontrastując z mocnymi, ciemnymi barwami.
Dodatki:
Całość jest spięta lnianymi sznurkami, które podkreślają spójność pracy, ale jednocześnie sugerują delikatność tego połączenia. Surowość szwów i wystające krawędzie przypominają, że choć wszystko wydaje się ze sobą połączone, to w każdej chwili może zostać przemieszane lub zmienione.
Autor: Renata Masłyk
100x80 cm
mixed media na płótnie i workach jutowych
2024
Warstwa ideowa:
Ten obraz wyróżnia się na tle pozostałych zarówno formą, jak i przesłaniem. Składa się z czterech mniejszych części, które razem tworzą całość, ale jednocześnie sugerują potencjalną zmienność i dowolność w ich układzie. To zabieg, który stawia pytanie: czy mamy pełną kontrolę nad tym, co tworzymy, nad sensem, który przypisujemy, i nad tym, jak inni to interpretują? Kolejność ustawienia elementów może być zmieniona przez widza, co ukazuje kruchość intencji artysty wobec indywidualnego odbioru. Biały kolor, pojawiający się tutaj po raz pierwszy, symbolizuje otwartość, przestrzeń na nowe możliwości i reinterpretację. Obraz zachęca do refleksji nad wpływem, jaki mamy na otaczającą rzeczywistość, i nad tym, co wymyka się spod naszej kontroli. Praca ta była prezentowana w Biurze Wystaw Artystycznych w Rzeszowie, co dodatkowo nadaje jej wyjątkowego charakteru, podkreślając jej wartość jako części większej artystycznej narracji.
Ten obraz to swoista gra między porządkiem a chaosem, kontrolą a przypadkiem. Artystka zaprojektowała go w określony sposób, ale pozostawia miejsce na ingerencję odbiorcy, prowokując do refleksji nad relacją między twórcą a widzem oraz nad zmiennością, która towarzyszy każdemu dziełu sztuki.
Obraz został zaprezentowany na wystawie pokonkursowej Obraz, Grafika, Rzeźba Roku 2024 w Biurze Wystaw Artystycznych w Rzeszowie.
Warstwa wizualna:
Tło:
Każdy z czterech segmentów obrazu zawiera zróżnicowane fragmenty tkanin – naturalne beże, czerń i biel. Tło poszczególnych części stanowi bazę o różnorodnej fakturze, od surowego jutowego płótna po gładkie, malowane powierzchnie.
Główny element:
Główne elementy kompozycji to zszyte i naszywane warstwy tkanin w różnych kolorach, które zdają się rozdzielać przestrzeń na mniejsze części. Intensywny malinowy kolor pojawia się na niektórych fragmentach, kontrastując z surowością beżu i bielą. Wszystkie cztery segmenty łączy prostota, ale każdy z nich jest unikalny, co tworzy dynamiczną relację między nimi.
Tło kolorystyczne:
Cztery fragmenty zawierają różne proporcje czerni, bieli, beżu i malinowej czerwieni. Biel, nieobecna w poprzednich pracach, wprowadza element świeżości i czystości, kontrastując z mocnymi, ciemnymi barwami.
Dodatki:
Całość jest spięta lnianymi sznurkami, które podkreślają spójność pracy, ale jednocześnie sugerują delikatność tego połączenia. Surowość szwów i wystające krawędzie przypominają, że choć wszystko wydaje się ze sobą połączone, to w każdej chwili może zostać przemieszane lub zmienione.
Autor: Renata Masłyk
100x80 cm
mixed media na płótnie i workach jutowych
2024
Warstwa ideowa:
Ten obraz wyróżnia się na tle pozostałych zarówno formą, jak i przesłaniem. Składa się z czterech mniejszych części, które razem tworzą całość, ale jednocześnie sugerują potencjalną zmienność i dowolność w ich układzie. To zabieg, który stawia pytanie: czy mamy pełną kontrolę nad tym, co tworzymy, nad sensem, który przypisujemy, i nad tym, jak inni to interpretują? Kolejność ustawienia elementów może być zmieniona przez widza, co ukazuje kruchość intencji artysty wobec indywidualnego odbioru. Biały kolor, pojawiający się tutaj po raz pierwszy, symbolizuje otwartość, przestrzeń na nowe możliwości i reinterpretację. Obraz zachęca do refleksji nad wpływem, jaki mamy na otaczającą rzeczywistość, i nad tym, co wymyka się spod naszej kontroli. Praca ta była prezentowana w Biurze Wystaw Artystycznych w Rzeszowie, co dodatkowo nadaje jej wyjątkowego charakteru, podkreślając jej wartość jako części większej artystycznej narracji.
Ten obraz to swoista gra między porządkiem a chaosem, kontrolą a przypadkiem. Artystka zaprojektowała go w określony sposób, ale pozostawia miejsce na ingerencję odbiorcy, prowokując do refleksji nad relacją między twórcą a widzem oraz nad zmiennością, która towarzyszy każdemu dziełu sztuki.
Obraz został zaprezentowany na wystawie pokonkursowej Obraz, Grafika, Rzeźba Roku 2024 w Biurze Wystaw Artystycznych w Rzeszowie.
Warstwa wizualna:
Tło:
Każdy z czterech segmentów obrazu zawiera zróżnicowane fragmenty tkanin – naturalne beże, czerń i biel. Tło poszczególnych części stanowi bazę o różnorodnej fakturze, od surowego jutowego płótna po gładkie, malowane powierzchnie.
Główny element:
Główne elementy kompozycji to zszyte i naszywane warstwy tkanin w różnych kolorach, które zdają się rozdzielać przestrzeń na mniejsze części. Intensywny malinowy kolor pojawia się na niektórych fragmentach, kontrastując z surowością beżu i bielą. Wszystkie cztery segmenty łączy prostota, ale każdy z nich jest unikalny, co tworzy dynamiczną relację między nimi.
Tło kolorystyczne:
Cztery fragmenty zawierają różne proporcje czerni, bieli, beżu i malinowej czerwieni. Biel, nieobecna w poprzednich pracach, wprowadza element świeżości i czystości, kontrastując z mocnymi, ciemnymi barwami.
Dodatki:
Całość jest spięta lnianymi sznurkami, które podkreślają spójność pracy, ale jednocześnie sugerują delikatność tego połączenia. Surowość szwów i wystające krawędzie przypominają, że choć wszystko wydaje się ze sobą połączone, to w każdej chwili może zostać przemieszane lub zmienione.
Autor: Renata Masłyk
100x80 cm
mixed media na płótnie i workach jutowych
2024
Warstwa ideowa:
Ten obraz wyróżnia się na tle pozostałych zarówno formą, jak i przesłaniem. Składa się z czterech mniejszych części, które razem tworzą całość, ale jednocześnie sugerują potencjalną zmienność i dowolność w ich układzie. To zabieg, który stawia pytanie: czy mamy pełną kontrolę nad tym, co tworzymy, nad sensem, który przypisujemy, i nad tym, jak inni to interpretują? Kolejność ustawienia elementów może być zmieniona przez widza, co ukazuje kruchość intencji artysty wobec indywidualnego odbioru. Biały kolor, pojawiający się tutaj po raz pierwszy, symbolizuje otwartość, przestrzeń na nowe możliwości i reinterpretację. Obraz zachęca do refleksji nad wpływem, jaki mamy na otaczającą rzeczywistość, i nad tym, co wymyka się spod naszej kontroli. Praca ta była prezentowana w Biurze Wystaw Artystycznych w Rzeszowie, co dodatkowo nadaje jej wyjątkowego charakteru, podkreślając jej wartość jako części większej artystycznej narracji.
Ten obraz to swoista gra między porządkiem a chaosem, kontrolą a przypadkiem. Artystka zaprojektowała go w określony sposób, ale pozostawia miejsce na ingerencję odbiorcy, prowokując do refleksji nad relacją między twórcą a widzem oraz nad zmiennością, która towarzyszy każdemu dziełu sztuki.
Obraz został zaprezentowany na wystawie pokonkursowej Obraz, Grafika, Rzeźba Roku 2024 w Biurze Wystaw Artystycznych w Rzeszowie.
Warstwa wizualna:
Tło:
Każdy z czterech segmentów obrazu zawiera zróżnicowane fragmenty tkanin – naturalne beże, czerń i biel. Tło poszczególnych części stanowi bazę o różnorodnej fakturze, od surowego jutowego płótna po gładkie, malowane powierzchnie.
Główny element:
Główne elementy kompozycji to zszyte i naszywane warstwy tkanin w różnych kolorach, które zdają się rozdzielać przestrzeń na mniejsze części. Intensywny malinowy kolor pojawia się na niektórych fragmentach, kontrastując z surowością beżu i bielą. Wszystkie cztery segmenty łączy prostota, ale każdy z nich jest unikalny, co tworzy dynamiczną relację między nimi.
Tło kolorystyczne:
Cztery fragmenty zawierają różne proporcje czerni, bieli, beżu i malinowej czerwieni. Biel, nieobecna w poprzednich pracach, wprowadza element świeżości i czystości, kontrastując z mocnymi, ciemnymi barwami.
Dodatki:
Całość jest spięta lnianymi sznurkami, które podkreślają spójność pracy, ale jednocześnie sugerują delikatność tego połączenia. Surowość szwów i wystające krawędzie przypominają, że choć wszystko wydaje się ze sobą połączone, to w każdej chwili może zostać przemieszane lub zmienione.
Autor: Renata Masłyk
100x80 cm
mixed media na płótnie i workach jutowych
2024
Warstwa ideowa:
Ten obraz wyróżnia się na tle pozostałych zarówno formą, jak i przesłaniem. Składa się z czterech mniejszych części, które razem tworzą całość, ale jednocześnie sugerują potencjalną zmienność i dowolność w ich układzie. To zabieg, który stawia pytanie: czy mamy pełną kontrolę nad tym, co tworzymy, nad sensem, który przypisujemy, i nad tym, jak inni to interpretują? Kolejność ustawienia elementów może być zmieniona przez widza, co ukazuje kruchość intencji artysty wobec indywidualnego odbioru. Biały kolor, pojawiający się tutaj po raz pierwszy, symbolizuje otwartość, przestrzeń na nowe możliwości i reinterpretację. Obraz zachęca do refleksji nad wpływem, jaki mamy na otaczającą rzeczywistość, i nad tym, co wymyka się spod naszej kontroli. Praca ta była prezentowana w Biurze Wystaw Artystycznych w Rzeszowie, co dodatkowo nadaje jej wyjątkowego charakteru, podkreślając jej wartość jako części większej artystycznej narracji.
Ten obraz to swoista gra między porządkiem a chaosem, kontrolą a przypadkiem. Artystka zaprojektowała go w określony sposób, ale pozostawia miejsce na ingerencję odbiorcy, prowokując do refleksji nad relacją między twórcą a widzem oraz nad zmiennością, która towarzyszy każdemu dziełu sztuki.
Obraz został zaprezentowany na wystawie pokonkursowej Obraz, Grafika, Rzeźba Roku 2024 w Biurze Wystaw Artystycznych w Rzeszowie.
Warstwa wizualna:
Tło:
Każdy z czterech segmentów obrazu zawiera zróżnicowane fragmenty tkanin – naturalne beże, czerń i biel. Tło poszczególnych części stanowi bazę o różnorodnej fakturze, od surowego jutowego płótna po gładkie, malowane powierzchnie.
Główny element:
Główne elementy kompozycji to zszyte i naszywane warstwy tkanin w różnych kolorach, które zdają się rozdzielać przestrzeń na mniejsze części. Intensywny malinowy kolor pojawia się na niektórych fragmentach, kontrastując z surowością beżu i bielą. Wszystkie cztery segmenty łączy prostota, ale każdy z nich jest unikalny, co tworzy dynamiczną relację między nimi.
Tło kolorystyczne:
Cztery fragmenty zawierają różne proporcje czerni, bieli, beżu i malinowej czerwieni. Biel, nieobecna w poprzednich pracach, wprowadza element świeżości i czystości, kontrastując z mocnymi, ciemnymi barwami.
Dodatki:
Całość jest spięta lnianymi sznurkami, które podkreślają spójność pracy, ale jednocześnie sugerują delikatność tego połączenia. Surowość szwów i wystające krawędzie przypominają, że choć wszystko wydaje się ze sobą połączone, to w każdej chwili może zostać przemieszane lub zmienione.
Autor: Renata Masłyk
100x80 cm
mixed media na workach jutowych
2024
Warstwa ideowa:
Jest to opowieść o tym, co zazwyczaj pozostaje ukryte, niewidoczne, a jednak fundamentalne. Skórzana kurtka, symbol stylu i uniwersalnego "must have", tutaj wychodzi na pierwszy plan, stając się nośnikiem znaczeń i śladów życia. W zestawieniu z odsłoniętym blejtramem – elementem zwykle skrytym za obrazem – powstaje refleksja nad warstwami życia i sztuki. To, co miało być tylko tłem, ujawnia swoją obecność, ale pozostaje w cieniu rzeczy codziennych, takich jak kurtka. Pomalowane malinową farbą fragmenty symbolizują ślady czasu, emocji i doświadczeń, które odciskają się zarówno na człowieku, jak i na jego otoczeniu. Obraz stawia pytanie: co kryje się za fasadą codzienności i jaką rolę odgrywa to, co zwykle pozostaje poza zasięgiem wzroku? Kurtka – praktyczna, stylowa i zawsze widoczna – w tym kontekście staje się dialogiem z ukrytym blejtramem, reprezentując balans między tym, co jawne, a tym, co ukryte.
Warstwa wizualna:
Tło:
Tło wykonane z czarnego jutowego płótna, z prawej strony wzbogacone o beżowy fragment worka z nadrukami, podkreśla surowość i strukturę kompozycji. W centrum widoczny jest blejtram, odsłonięty w sposób celowy, co akcentuje jego zazwyczaj ukrytą funkcję nośnika obrazu.
Główny element:
Skórzana kurtka, przypięta i zwracająca na siebie uwagę, wychodzi na pierwszy plan. To nie tylko przedmiot, ale symbol osobistych wspomnień i uniwersalnego stylu. Pomalowana intensywną malinową farbą, która ścieka na płótno, nadaje kompozycji dynamikę i emocjonalną głębię.
Tło kolorystyczne:
Dominująca czerń płótna i beż worka kontrastują z intensywnymi malinowymi akcentami farby, które ożywiają kompozycję i dodają jej dramatyzmu. Malinowe ścieki sprawiają wrażenie, jakby kurtka oraz tło były ożywione ruchem i energią.
Dodatki:
Odsłonięty blejtram, wkomponowany w całość, wzmacnia przekaz o tym, co zazwyczaj pozostaje ukryte. Jego widoczność przyciąga uwagę, ale nie odciąga jej od głównego elementu – kurtki, która wychodzi na pierwszy plan, przełamując typowe hierarchie obrazu i zachęcając do głębszej refleksji.
Autor: Renata Masłyk
100x80 cm
mixed media na workach jutowych
2024
Warstwa ideowa:
Jest to opowieść o tym, co zazwyczaj pozostaje ukryte, niewidoczne, a jednak fundamentalne. Skórzana kurtka, symbol stylu i uniwersalnego "must have", tutaj wychodzi na pierwszy plan, stając się nośnikiem znaczeń i śladów życia. W zestawieniu z odsłoniętym blejtramem – elementem zwykle skrytym za obrazem – powstaje refleksja nad warstwami życia i sztuki. To, co miało być tylko tłem, ujawnia swoją obecność, ale pozostaje w cieniu rzeczy codziennych, takich jak kurtka. Pomalowane malinową farbą fragmenty symbolizują ślady czasu, emocji i doświadczeń, które odciskają się zarówno na człowieku, jak i na jego otoczeniu. Obraz stawia pytanie: co kryje się za fasadą codzienności i jaką rolę odgrywa to, co zwykle pozostaje poza zasięgiem wzroku? Kurtka – praktyczna, stylowa i zawsze widoczna – w tym kontekście staje się dialogiem z ukrytym blejtramem, reprezentując balans między tym, co jawne, a tym, co ukryte.
Warstwa wizualna:
Tło:
Tło wykonane z czarnego jutowego płótna, z prawej strony wzbogacone o beżowy fragment worka z nadrukami, podkreśla surowość i strukturę kompozycji. W centrum widoczny jest blejtram, odsłonięty w sposób celowy, co akcentuje jego zazwyczaj ukrytą funkcję nośnika obrazu.
Główny element:
Skórzana kurtka, przypięta i zwracająca na siebie uwagę, wychodzi na pierwszy plan. To nie tylko przedmiot, ale symbol osobistych wspomnień i uniwersalnego stylu. Pomalowana intensywną malinową farbą, która ścieka na płótno, nadaje kompozycji dynamikę i emocjonalną głębię.
Tło kolorystyczne:
Dominująca czerń płótna i beż worka kontrastują z intensywnymi malinowymi akcentami farby, które ożywiają kompozycję i dodają jej dramatyzmu. Malinowe ścieki sprawiają wrażenie, jakby kurtka oraz tło były ożywione ruchem i energią.
Dodatki:
Odsłonięty blejtram, wkomponowany w całość, wzmacnia przekaz o tym, co zazwyczaj pozostaje ukryte. Jego widoczność przyciąga uwagę, ale nie odciąga jej od głównego elementu – kurtki, która wychodzi na pierwszy plan, przełamując typowe hierarchie obrazu i zachęcając do głębszej refleksji.
Autor: Renata Masłyk
100x80 cm
mixed media na workach jutowych
2024
Warstwa ideowa:
Jest to opowieść o tym, co zazwyczaj pozostaje ukryte, niewidoczne, a jednak fundamentalne. Skórzana kurtka, symbol stylu i uniwersalnego "must have", tutaj wychodzi na pierwszy plan, stając się nośnikiem znaczeń i śladów życia. W zestawieniu z odsłoniętym blejtramem – elementem zwykle skrytym za obrazem – powstaje refleksja nad warstwami życia i sztuki. To, co miało być tylko tłem, ujawnia swoją obecność, ale pozostaje w cieniu rzeczy codziennych, takich jak kurtka. Pomalowane malinową farbą fragmenty symbolizują ślady czasu, emocji i doświadczeń, które odciskają się zarówno na człowieku, jak i na jego otoczeniu. Obraz stawia pytanie: co kryje się za fasadą codzienności i jaką rolę odgrywa to, co zwykle pozostaje poza zasięgiem wzroku? Kurtka – praktyczna, stylowa i zawsze widoczna – w tym kontekście staje się dialogiem z ukrytym blejtramem, reprezentując balans między tym, co jawne, a tym, co ukryte.
Warstwa wizualna:
Tło:
Tło wykonane z czarnego jutowego płótna, z prawej strony wzbogacone o beżowy fragment worka z nadrukami, podkreśla surowość i strukturę kompozycji. W centrum widoczny jest blejtram, odsłonięty w sposób celowy, co akcentuje jego zazwyczaj ukrytą funkcję nośnika obrazu.
Główny element:
Skórzana kurtka, przypięta i zwracająca na siebie uwagę, wychodzi na pierwszy plan. To nie tylko przedmiot, ale symbol osobistych wspomnień i uniwersalnego stylu. Pomalowana intensywną malinową farbą, która ścieka na płótno, nadaje kompozycji dynamikę i emocjonalną głębię.
Tło kolorystyczne:
Dominująca czerń płótna i beż worka kontrastują z intensywnymi malinowymi akcentami farby, które ożywiają kompozycję i dodają jej dramatyzmu. Malinowe ścieki sprawiają wrażenie, jakby kurtka oraz tło były ożywione ruchem i energią.
Dodatki:
Odsłonięty blejtram, wkomponowany w całość, wzmacnia przekaz o tym, co zazwyczaj pozostaje ukryte. Jego widoczność przyciąga uwagę, ale nie odciąga jej od głównego elementu – kurtki, która wychodzi na pierwszy plan, przełamując typowe hierarchie obrazu i zachęcając do głębszej refleksji.
Autor: Renata Masłyk
100x80 cm
mixed media na workach jutowych
2024
Warstwa ideowa:
Jest to opowieść o tym, co zazwyczaj pozostaje ukryte, niewidoczne, a jednak fundamentalne. Skórzana kurtka, symbol stylu i uniwersalnego "must have", tutaj wychodzi na pierwszy plan, stając się nośnikiem znaczeń i śladów życia. W zestawieniu z odsłoniętym blejtramem – elementem zwykle skrytym za obrazem – powstaje refleksja nad warstwami życia i sztuki. To, co miało być tylko tłem, ujawnia swoją obecność, ale pozostaje w cieniu rzeczy codziennych, takich jak kurtka. Pomalowane malinową farbą fragmenty symbolizują ślady czasu, emocji i doświadczeń, które odciskają się zarówno na człowieku, jak i na jego otoczeniu. Obraz stawia pytanie: co kryje się za fasadą codzienności i jaką rolę odgrywa to, co zwykle pozostaje poza zasięgiem wzroku? Kurtka – praktyczna, stylowa i zawsze widoczna – w tym kontekście staje się dialogiem z ukrytym blejtramem, reprezentując balans między tym, co jawne, a tym, co ukryte.
Warstwa wizualna:
Tło:
Tło wykonane z czarnego jutowego płótna, z prawej strony wzbogacone o beżowy fragment worka z nadrukami, podkreśla surowość i strukturę kompozycji. W centrum widoczny jest blejtram, odsłonięty w sposób celowy, co akcentuje jego zazwyczaj ukrytą funkcję nośnika obrazu.
Główny element:
Skórzana kurtka, przypięta i zwracająca na siebie uwagę, wychodzi na pierwszy plan. To nie tylko przedmiot, ale symbol osobistych wspomnień i uniwersalnego stylu. Pomalowana intensywną malinową farbą, która ścieka na płótno, nadaje kompozycji dynamikę i emocjonalną głębię.
Tło kolorystyczne:
Dominująca czerń płótna i beż worka kontrastują z intensywnymi malinowymi akcentami farby, które ożywiają kompozycję i dodają jej dramatyzmu. Malinowe ścieki sprawiają wrażenie, jakby kurtka oraz tło były ożywione ruchem i energią.
Dodatki:
Odsłonięty blejtram, wkomponowany w całość, wzmacnia przekaz o tym, co zazwyczaj pozostaje ukryte. Jego widoczność przyciąga uwagę, ale nie odciąga jej od głównego elementu – kurtki, która wychodzi na pierwszy plan, przełamując typowe hierarchie obrazu i zachęcając do głębszej refleksji.
Autor: Renata Masłyk
100x80 cm
mixed media na workach jutowych
2024
Warstwa ideowa:
Jest to opowieść o tym, co zazwyczaj pozostaje ukryte, niewidoczne, a jednak fundamentalne. Skórzana kurtka, symbol stylu i uniwersalnego "must have", tutaj wychodzi na pierwszy plan, stając się nośnikiem znaczeń i śladów życia. W zestawieniu z odsłoniętym blejtramem – elementem zwykle skrytym za obrazem – powstaje refleksja nad warstwami życia i sztuki. To, co miało być tylko tłem, ujawnia swoją obecność, ale pozostaje w cieniu rzeczy codziennych, takich jak kurtka. Pomalowane malinową farbą fragmenty symbolizują ślady czasu, emocji i doświadczeń, które odciskają się zarówno na człowieku, jak i na jego otoczeniu. Obraz stawia pytanie: co kryje się za fasadą codzienności i jaką rolę odgrywa to, co zwykle pozostaje poza zasięgiem wzroku? Kurtka – praktyczna, stylowa i zawsze widoczna – w tym kontekście staje się dialogiem z ukrytym blejtramem, reprezentując balans między tym, co jawne, a tym, co ukryte.
Warstwa wizualna:
Tło:
Tło wykonane z czarnego jutowego płótna, z prawej strony wzbogacone o beżowy fragment worka z nadrukami, podkreśla surowość i strukturę kompozycji. W centrum widoczny jest blejtram, odsłonięty w sposób celowy, co akcentuje jego zazwyczaj ukrytą funkcję nośnika obrazu.
Główny element:
Skórzana kurtka, przypięta i zwracająca na siebie uwagę, wychodzi na pierwszy plan. To nie tylko przedmiot, ale symbol osobistych wspomnień i uniwersalnego stylu. Pomalowana intensywną malinową farbą, która ścieka na płótno, nadaje kompozycji dynamikę i emocjonalną głębię.
Tło kolorystyczne:
Dominująca czerń płótna i beż worka kontrastują z intensywnymi malinowymi akcentami farby, które ożywiają kompozycję i dodają jej dramatyzmu. Malinowe ścieki sprawiają wrażenie, jakby kurtka oraz tło były ożywione ruchem i energią.
Dodatki:
Odsłonięty blejtram, wkomponowany w całość, wzmacnia przekaz o tym, co zazwyczaj pozostaje ukryte. Jego widoczność przyciąga uwagę, ale nie odciąga jej od głównego elementu – kurtki, która wychodzi na pierwszy plan, przełamując typowe hierarchie obrazu i zachęcając do głębszej refleksji.
Autor: Renata Masłyk
100x80 cm
mixed media na workach jutowych
2024
Warstwa ideowa:
Jest to opowieść o tym, co zazwyczaj pozostaje ukryte, niewidoczne, a jednak fundamentalne. Skórzana kurtka, symbol stylu i uniwersalnego "must have", tutaj wychodzi na pierwszy plan, stając się nośnikiem znaczeń i śladów życia. W zestawieniu z odsłoniętym blejtramem – elementem zwykle skrytym za obrazem – powstaje refleksja nad warstwami życia i sztuki. To, co miało być tylko tłem, ujawnia swoją obecność, ale pozostaje w cieniu rzeczy codziennych, takich jak kurtka. Pomalowane malinową farbą fragmenty symbolizują ślady czasu, emocji i doświadczeń, które odciskają się zarówno na człowieku, jak i na jego otoczeniu. Obraz stawia pytanie: co kryje się za fasadą codzienności i jaką rolę odgrywa to, co zwykle pozostaje poza zasięgiem wzroku? Kurtka – praktyczna, stylowa i zawsze widoczna – w tym kontekście staje się dialogiem z ukrytym blejtramem, reprezentując balans między tym, co jawne, a tym, co ukryte.
Warstwa wizualna:
Tło:
Tło wykonane z czarnego jutowego płótna, z prawej strony wzbogacone o beżowy fragment worka z nadrukami, podkreśla surowość i strukturę kompozycji. W centrum widoczny jest blejtram, odsłonięty w sposób celowy, co akcentuje jego zazwyczaj ukrytą funkcję nośnika obrazu.
Główny element:
Skórzana kurtka, przypięta i zwracająca na siebie uwagę, wychodzi na pierwszy plan. To nie tylko przedmiot, ale symbol osobistych wspomnień i uniwersalnego stylu. Pomalowana intensywną malinową farbą, która ścieka na płótno, nadaje kompozycji dynamikę i emocjonalną głębię.
Tło kolorystyczne:
Dominująca czerń płótna i beż worka kontrastują z intensywnymi malinowymi akcentami farby, które ożywiają kompozycję i dodają jej dramatyzmu. Malinowe ścieki sprawiają wrażenie, jakby kurtka oraz tło były ożywione ruchem i energią.
Dodatki:
Odsłonięty blejtram, wkomponowany w całość, wzmacnia przekaz o tym, co zazwyczaj pozostaje ukryte. Jego widoczność przyciąga uwagę, ale nie odciąga jej od głównego elementu – kurtki, która wychodzi na pierwszy plan, przełamując typowe hierarchie obrazu i zachęcając do głębszej refleksji.
Autor: Renata Masłyk
100x80 cm
mixed media na workach jutowych
2024
Warstwa ideowa:
Jest to opowieść o tym, co zazwyczaj pozostaje ukryte, niewidoczne, a jednak fundamentalne. Skórzana kurtka, symbol stylu i uniwersalnego "must have", tutaj wychodzi na pierwszy plan, stając się nośnikiem znaczeń i śladów życia. W zestawieniu z odsłoniętym blejtramem – elementem zwykle skrytym za obrazem – powstaje refleksja nad warstwami życia i sztuki. To, co miało być tylko tłem, ujawnia swoją obecność, ale pozostaje w cieniu rzeczy codziennych, takich jak kurtka. Pomalowane malinową farbą fragmenty symbolizują ślady czasu, emocji i doświadczeń, które odciskają się zarówno na człowieku, jak i na jego otoczeniu. Obraz stawia pytanie: co kryje się za fasadą codzienności i jaką rolę odgrywa to, co zwykle pozostaje poza zasięgiem wzroku? Kurtka – praktyczna, stylowa i zawsze widoczna – w tym kontekście staje się dialogiem z ukrytym blejtramem, reprezentując balans między tym, co jawne, a tym, co ukryte.
Warstwa wizualna:
Tło:
Tło wykonane z czarnego jutowego płótna, z prawej strony wzbogacone o beżowy fragment worka z nadrukami, podkreśla surowość i strukturę kompozycji. W centrum widoczny jest blejtram, odsłonięty w sposób celowy, co akcentuje jego zazwyczaj ukrytą funkcję nośnika obrazu.
Główny element:
Skórzana kurtka, przypięta i zwracająca na siebie uwagę, wychodzi na pierwszy plan. To nie tylko przedmiot, ale symbol osobistych wspomnień i uniwersalnego stylu. Pomalowana intensywną malinową farbą, która ścieka na płótno, nadaje kompozycji dynamikę i emocjonalną głębię.
Tło kolorystyczne:
Dominująca czerń płótna i beż worka kontrastują z intensywnymi malinowymi akcentami farby, które ożywiają kompozycję i dodają jej dramatyzmu. Malinowe ścieki sprawiają wrażenie, jakby kurtka oraz tło były ożywione ruchem i energią.
Dodatki:
Odsłonięty blejtram, wkomponowany w całość, wzmacnia przekaz o tym, co zazwyczaj pozostaje ukryte. Jego widoczność przyciąga uwagę, ale nie odciąga jej od głównego elementu – kurtki, która wychodzi na pierwszy plan, przełamując typowe hierarchie obrazu i zachęcając do głębszej refleksji.
Autor: Renata Masłyk
100x80 cm
mixed media na workach jutowych
2024
Warstwa ideowa:
Obraz "Paroksyzmy kruchego bytu 09 – Sukienka" to refleksja nad osobistymi wspomnieniami i emocjami, które splatają się z materialnymi przedmiotami. Element tiulowej sukienki, w której artystka świętowała czterdzieste urodziny swojego męża, staje się nośnikiem intymnych chwil, radości i wspólnego życia. Dzieło opowiada o ulotności ważnych momentów, które pozostają w pamięci, nawet gdy ich fizyczne ślady podlegają przemijaniu. Sukienka, delikatna i zmysłowa, kontrastuje z surowością pozostałych materiałów, symbolizując piękno chwil zapisanych w codzienności.
Warstwa wizualna:
Tło:
Tło składa się z dużej powierzchni czarnego jutowego worka o wyraźnej, szorstkiej fakturze, nadającej kompozycji surowości. Na dole obrazu znajduje się poziomy pas w intensywnym malinowym kolorze, który wprowadza dynamikę i przyciąga wzrok.
Główny element:
Centralnym punktem obrazu jest zmięta i ułożona warstwowo czarna sukienka z tiulu, która nadaje dziełu teksturalnej głębi i emocjonalnego kontekstu. Tiulowa tkanina układa się w faliste formy, z dodatkiem białego materiału z czarnymi wzorami, które wprowadzają kontrast i subtelną lekkość.
Tło kolorystyczne:
Czarne tło zostaje przełamane wyrazistym malinowym pasem na dole, a delikatne białe akcenty tiulu i wzorów ożywiają kompozycję, tworząc harmonię między surowością a elegancją.
Dodatki:
W górnej części obrazu widoczny jest nieregularny rozdarcie, zszyte grubym lnianym sznurkiem, co dodaje pracy dramatyzmu i rzemieślniczego charakteru. Sznurki i zszycia symbolizują naprawianie lub zatrzymywanie ulotności, tworząc wizualny dialog z tiulową sukienką, która reprezentuje wspomnienia pełne życia i radości.
Autor: Renata Masłyk
100x80 cm
mixed media na workach jutowych
2024
Warstwa ideowa:
Obraz "Paroksyzmy kruchego bytu 09 – Sukienka" to refleksja nad osobistymi wspomnieniami i emocjami, które splatają się z materialnymi przedmiotami. Element tiulowej sukienki, w której artystka świętowała czterdzieste urodziny swojego męża, staje się nośnikiem intymnych chwil, radości i wspólnego życia. Dzieło opowiada o ulotności ważnych momentów, które pozostają w pamięci, nawet gdy ich fizyczne ślady podlegają przemijaniu. Sukienka, delikatna i zmysłowa, kontrastuje z surowością pozostałych materiałów, symbolizując piękno chwil zapisanych w codzienności.
Warstwa wizualna:
Tło:
Tło składa się z dużej powierzchni czarnego jutowego worka o wyraźnej, szorstkiej fakturze, nadającej kompozycji surowości. Na dole obrazu znajduje się poziomy pas w intensywnym malinowym kolorze, który wprowadza dynamikę i przyciąga wzrok.
Główny element:
Centralnym punktem obrazu jest zmięta i ułożona warstwowo czarna sukienka z tiulu, która nadaje dziełu teksturalnej głębi i emocjonalnego kontekstu. Tiulowa tkanina układa się w faliste formy, z dodatkiem białego materiału z czarnymi wzorami, które wprowadzają kontrast i subtelną lekkość.
Tło kolorystyczne:
Czarne tło zostaje przełamane wyrazistym malinowym pasem na dole, a delikatne białe akcenty tiulu i wzorów ożywiają kompozycję, tworząc harmonię między surowością a elegancją.
Dodatki:
W górnej części obrazu widoczny jest nieregularny rozdarcie, zszyte grubym lnianym sznurkiem, co dodaje pracy dramatyzmu i rzemieślniczego charakteru. Sznurki i zszycia symbolizują naprawianie lub zatrzymywanie ulotności, tworząc wizualny dialog z tiulową sukienką, która reprezentuje wspomnienia pełne życia i radości.
Autor: Renata Masłyk
100x80 cm
mixed media na workach jutowych
2024
Warstwa ideowa:
Obraz "Paroksyzmy kruchego bytu 09 – Sukienka" to refleksja nad osobistymi wspomnieniami i emocjami, które splatają się z materialnymi przedmiotami. Element tiulowej sukienki, w której artystka świętowała czterdzieste urodziny swojego męża, staje się nośnikiem intymnych chwil, radości i wspólnego życia. Dzieło opowiada o ulotności ważnych momentów, które pozostają w pamięci, nawet gdy ich fizyczne ślady podlegają przemijaniu. Sukienka, delikatna i zmysłowa, kontrastuje z surowością pozostałych materiałów, symbolizując piękno chwil zapisanych w codzienności.
Warstwa wizualna:
Tło:
Tło składa się z dużej powierzchni czarnego jutowego worka o wyraźnej, szorstkiej fakturze, nadającej kompozycji surowości. Na dole obrazu znajduje się poziomy pas w intensywnym malinowym kolorze, który wprowadza dynamikę i przyciąga wzrok.
Główny element:
Centralnym punktem obrazu jest zmięta i ułożona warstwowo czarna sukienka z tiulu, która nadaje dziełu teksturalnej głębi i emocjonalnego kontekstu. Tiulowa tkanina układa się w faliste formy, z dodatkiem białego materiału z czarnymi wzorami, które wprowadzają kontrast i subtelną lekkość.
Tło kolorystyczne:
Czarne tło zostaje przełamane wyrazistym malinowym pasem na dole, a delikatne białe akcenty tiulu i wzorów ożywiają kompozycję, tworząc harmonię między surowością a elegancją.
Dodatki:
W górnej części obrazu widoczny jest nieregularny rozdarcie, zszyte grubym lnianym sznurkiem, co dodaje pracy dramatyzmu i rzemieślniczego charakteru. Sznurki i zszycia symbolizują naprawianie lub zatrzymywanie ulotności, tworząc wizualny dialog z tiulową sukienką, która reprezentuje wspomnienia pełne życia i radości.
Autor: Renata Masłyk
100x80 cm
mixed media na workach jutowych
2024
Warstwa ideowa:
Obraz "Paroksyzmy kruchego bytu 09 – Sukienka" to refleksja nad osobistymi wspomnieniami i emocjami, które splatają się z materialnymi przedmiotami. Element tiulowej sukienki, w której artystka świętowała czterdzieste urodziny swojego męża, staje się nośnikiem intymnych chwil, radości i wspólnego życia. Dzieło opowiada o ulotności ważnych momentów, które pozostają w pamięci, nawet gdy ich fizyczne ślady podlegają przemijaniu. Sukienka, delikatna i zmysłowa, kontrastuje z surowością pozostałych materiałów, symbolizując piękno chwil zapisanych w codzienności.
Warstwa wizualna:
Tło:
Tło składa się z dużej powierzchni czarnego jutowego worka o wyraźnej, szorstkiej fakturze, nadającej kompozycji surowości. Na dole obrazu znajduje się poziomy pas w intensywnym malinowym kolorze, który wprowadza dynamikę i przyciąga wzrok.
Główny element:
Centralnym punktem obrazu jest zmięta i ułożona warstwowo czarna sukienka z tiulu, która nadaje dziełu teksturalnej głębi i emocjonalnego kontekstu. Tiulowa tkanina układa się w faliste formy, z dodatkiem białego materiału z czarnymi wzorami, które wprowadzają kontrast i subtelną lekkość.
Tło kolorystyczne:
Czarne tło zostaje przełamane wyrazistym malinowym pasem na dole, a delikatne białe akcenty tiulu i wzorów ożywiają kompozycję, tworząc harmonię między surowością a elegancją.
Dodatki:
W górnej części obrazu widoczny jest nieregularny rozdarcie, zszyte grubym lnianym sznurkiem, co dodaje pracy dramatyzmu i rzemieślniczego charakteru. Sznurki i zszycia symbolizują naprawianie lub zatrzymywanie ulotności, tworząc wizualny dialog z tiulową sukienką, która reprezentuje wspomnienia pełne życia i radości.
Autor: Renata Masłyk
100x80 cm
mixed media na workach jutowych
2024
Warstwa ideowa:
Obraz "Paroksyzmy kruchego bytu 09 – Sukienka" to refleksja nad osobistymi wspomnieniami i emocjami, które splatają się z materialnymi przedmiotami. Element tiulowej sukienki, w której artystka świętowała czterdzieste urodziny swojego męża, staje się nośnikiem intymnych chwil, radości i wspólnego życia. Dzieło opowiada o ulotności ważnych momentów, które pozostają w pamięci, nawet gdy ich fizyczne ślady podlegają przemijaniu. Sukienka, delikatna i zmysłowa, kontrastuje z surowością pozostałych materiałów, symbolizując piękno chwil zapisanych w codzienności.
Warstwa wizualna:
Tło:
Tło składa się z dużej powierzchni czarnego jutowego worka o wyraźnej, szorstkiej fakturze, nadającej kompozycji surowości. Na dole obrazu znajduje się poziomy pas w intensywnym malinowym kolorze, który wprowadza dynamikę i przyciąga wzrok.
Główny element:
Centralnym punktem obrazu jest zmięta i ułożona warstwowo czarna sukienka z tiulu, która nadaje dziełu teksturalnej głębi i emocjonalnego kontekstu. Tiulowa tkanina układa się w faliste formy, z dodatkiem białego materiału z czarnymi wzorami, które wprowadzają kontrast i subtelną lekkość.
Tło kolorystyczne:
Czarne tło zostaje przełamane wyrazistym malinowym pasem na dole, a delikatne białe akcenty tiulu i wzorów ożywiają kompozycję, tworząc harmonię między surowością a elegancją.
Dodatki:
W górnej części obrazu widoczny jest nieregularny rozdarcie, zszyte grubym lnianym sznurkiem, co dodaje pracy dramatyzmu i rzemieślniczego charakteru. Sznurki i zszycia symbolizują naprawianie lub zatrzymywanie ulotności, tworząc wizualny dialog z tiulową sukienką, która reprezentuje wspomnienia pełne życia i radości.
Autor: Renata Masłyk
100x80 cm
mixed media na workach jutowych
2024
Warstwa ideowa:
Obraz "Paroksyzmy kruchego bytu 09 – Sukienka" to refleksja nad osobistymi wspomnieniami i emocjami, które splatają się z materialnymi przedmiotami. Element tiulowej sukienki, w której artystka świętowała czterdzieste urodziny swojego męża, staje się nośnikiem intymnych chwil, radości i wspólnego życia. Dzieło opowiada o ulotności ważnych momentów, które pozostają w pamięci, nawet gdy ich fizyczne ślady podlegają przemijaniu. Sukienka, delikatna i zmysłowa, kontrastuje z surowością pozostałych materiałów, symbolizując piękno chwil zapisanych w codzienności.
Warstwa wizualna:
Tło:
Tło składa się z dużej powierzchni czarnego jutowego worka o wyraźnej, szorstkiej fakturze, nadającej kompozycji surowości. Na dole obrazu znajduje się poziomy pas w intensywnym malinowym kolorze, który wprowadza dynamikę i przyciąga wzrok.
Główny element:
Centralnym punktem obrazu jest zmięta i ułożona warstwowo czarna sukienka z tiulu, która nadaje dziełu teksturalnej głębi i emocjonalnego kontekstu. Tiulowa tkanina układa się w faliste formy, z dodatkiem białego materiału z czarnymi wzorami, które wprowadzają kontrast i subtelną lekkość.
Tło kolorystyczne:
Czarne tło zostaje przełamane wyrazistym malinowym pasem na dole, a delikatne białe akcenty tiulu i wzorów ożywiają kompozycję, tworząc harmonię między surowością a elegancją.
Dodatki:
W górnej części obrazu widoczny jest nieregularny rozdarcie, zszyte grubym lnianym sznurkiem, co dodaje pracy dramatyzmu i rzemieślniczego charakteru. Sznurki i zszycia symbolizują naprawianie lub zatrzymywanie ulotności, tworząc wizualny dialog z tiulową sukienką, która reprezentuje wspomnienia pełne życia i radości.
Autor: Renata Masłyk
100x80 cm
mixed media na workach jutowych
2024
Warstwa ideowa:
Obraz "Paroksyzmy kruchego bytu 09 – Sukienka" to refleksja nad osobistymi wspomnieniami i emocjami, które splatają się z materialnymi przedmiotami. Element tiulowej sukienki, w której artystka świętowała czterdzieste urodziny swojego męża, staje się nośnikiem intymnych chwil, radości i wspólnego życia. Dzieło opowiada o ulotności ważnych momentów, które pozostają w pamięci, nawet gdy ich fizyczne ślady podlegają przemijaniu. Sukienka, delikatna i zmysłowa, kontrastuje z surowością pozostałych materiałów, symbolizując piękno chwil zapisanych w codzienności.
Warstwa wizualna:
Tło:
Tło składa się z dużej powierzchni czarnego jutowego worka o wyraźnej, szorstkiej fakturze, nadającej kompozycji surowości. Na dole obrazu znajduje się poziomy pas w intensywnym malinowym kolorze, który wprowadza dynamikę i przyciąga wzrok.
Główny element:
Centralnym punktem obrazu jest zmięta i ułożona warstwowo czarna sukienka z tiulu, która nadaje dziełu teksturalnej głębi i emocjonalnego kontekstu. Tiulowa tkanina układa się w faliste formy, z dodatkiem białego materiału z czarnymi wzorami, które wprowadzają kontrast i subtelną lekkość.
Tło kolorystyczne:
Czarne tło zostaje przełamane wyrazistym malinowym pasem na dole, a delikatne białe akcenty tiulu i wzorów ożywiają kompozycję, tworząc harmonię między surowością a elegancją.
Dodatki:
W górnej części obrazu widoczny jest nieregularny rozdarcie, zszyte grubym lnianym sznurkiem, co dodaje pracy dramatyzmu i rzemieślniczego charakteru. Sznurki i zszycia symbolizują naprawianie lub zatrzymywanie ulotności, tworząc wizualny dialog z tiulową sukienką, która reprezentuje wspomnienia pełne życia i radości.
Autor: Renata Masłyk
100x80 cm
mixed media na workach jutowych
2024
Warstwa ideowa:
Obraz jest metaforą początku – momentu, gdy coś nowego zaczyna się formować, choć niewidzialna nitka przyszłości już delikatnie łączy nas z tym, co nieuchronne. Guziki, które można zarówno zapiąć, jak i rozpiąć, stają się symbolem decyzji, możliwości i wyborów, które podejmujemy na starcie każdej drogi. Zapięcie to nadzieja na stabilność i porządek, rozpięcie – otwarcie na zmiany, ryzyko i nowe doświadczenia. W tej symbolice obraz mówi o odwadze rozpoczynania, o dynamice ruchu, który prowadzi nas ku nieznanemu, ale z ukrytą w tle obietnicą, że każdy początek niesie w sobie siłę do tworzenia, niezależnie od tego, co przyniesie przyszłość.
Warstwa wizualna:
Tło:
Tło wykonane z czarnego jutowego materiału o wyraźnej, szorstkiej fakturze. W górnej części widoczne są przetarcia, a miejscami także rozdarcia, które odsłaniają jaśniejsze warstwy spodniej tkaniny. Te nieregularne formy wprowadzają wrażenie surowości i delikatnej kruchości, które odzwierciedlają subtelność i wrażliwość każdego początku.
Główny element:
Warstwy tkaniny nachodzą na siebie, układając się w formę przypominającą ruch zapinania lub rozpinania. Guziki po prawej stronie, pomalowane intensywną malinową farbą, stanowią wyrazisty akcent wizualny. Ich rozmieszczenie oraz kolorystyka tworzą dynamikę, która podkreśla symboliczne otwieranie się na coś nowego.
Tło kolorystyczne:
Dominującą czerń tkaniny przełamują przetarcia i rozdarcia, które nadają pracy efekt głębi i autentyczności. Intensywny malinowy kolor guzików kontrastuje z monochromatycznym tłem, wprowadzając element życia i energii.
Dodatki:
Dolna część obrazu została zszyta grubym lnianym sznurkiem, co nadaje dziełu rzemieślniczy charakter i podkreśla surową estetykę. Nieregularne krawędzie tkaniny i postrzępienia wzmacniają narrację o niedoskonałości i wysiłku, które są nieodłączną częścią każdego początku.
Autor: Renata Masłyk
100x80 cm
mixed media na workach jutowych
2024
Warstwa ideowa:
Obraz jest metaforą początku – momentu, gdy coś nowego zaczyna się formować, choć niewidzialna nitka przyszłości już delikatnie łączy nas z tym, co nieuchronne. Guziki, które można zarówno zapiąć, jak i rozpiąć, stają się symbolem decyzji, możliwości i wyborów, które podejmujemy na starcie każdej drogi. Zapięcie to nadzieja na stabilność i porządek, rozpięcie – otwarcie na zmiany, ryzyko i nowe doświadczenia. W tej symbolice obraz mówi o odwadze rozpoczynania, o dynamice ruchu, który prowadzi nas ku nieznanemu, ale z ukrytą w tle obietnicą, że każdy początek niesie w sobie siłę do tworzenia, niezależnie od tego, co przyniesie przyszłość.
Warstwa wizualna:
Tło:
Tło wykonane z czarnego jutowego materiału o wyraźnej, szorstkiej fakturze. W górnej części widoczne są przetarcia, a miejscami także rozdarcia, które odsłaniają jaśniejsze warstwy spodniej tkaniny. Te nieregularne formy wprowadzają wrażenie surowości i delikatnej kruchości, które odzwierciedlają subtelność i wrażliwość każdego początku.
Główny element:
Warstwy tkaniny nachodzą na siebie, układając się w formę przypominającą ruch zapinania lub rozpinania. Guziki po prawej stronie, pomalowane intensywną malinową farbą, stanowią wyrazisty akcent wizualny. Ich rozmieszczenie oraz kolorystyka tworzą dynamikę, która podkreśla symboliczne otwieranie się na coś nowego.
Tło kolorystyczne:
Dominującą czerń tkaniny przełamują przetarcia i rozdarcia, które nadają pracy efekt głębi i autentyczności. Intensywny malinowy kolor guzików kontrastuje z monochromatycznym tłem, wprowadzając element życia i energii.
Dodatki:
Dolna część obrazu została zszyta grubym lnianym sznurkiem, co nadaje dziełu rzemieślniczy charakter i podkreśla surową estetykę. Nieregularne krawędzie tkaniny i postrzępienia wzmacniają narrację o niedoskonałości i wysiłku, które są nieodłączną częścią każdego początku.
Autor: Renata Masłyk
100x80 cm
mixed media na workach jutowych
2024
Warstwa ideowa:
Obraz jest metaforą początku – momentu, gdy coś nowego zaczyna się formować, choć niewidzialna nitka przyszłości już delikatnie łączy nas z tym, co nieuchronne. Guziki, które można zarówno zapiąć, jak i rozpiąć, stają się symbolem decyzji, możliwości i wyborów, które podejmujemy na starcie każdej drogi. Zapięcie to nadzieja na stabilność i porządek, rozpięcie – otwarcie na zmiany, ryzyko i nowe doświadczenia. W tej symbolice obraz mówi o odwadze rozpoczynania, o dynamice ruchu, który prowadzi nas ku nieznanemu, ale z ukrytą w tle obietnicą, że każdy początek niesie w sobie siłę do tworzenia, niezależnie od tego, co przyniesie przyszłość.
Warstwa wizualna:
Tło:
Tło wykonane z czarnego jutowego materiału o wyraźnej, szorstkiej fakturze. W górnej części widoczne są przetarcia, a miejscami także rozdarcia, które odsłaniają jaśniejsze warstwy spodniej tkaniny. Te nieregularne formy wprowadzają wrażenie surowości i delikatnej kruchości, które odzwierciedlają subtelność i wrażliwość każdego początku.
Główny element:
Warstwy tkaniny nachodzą na siebie, układając się w formę przypominającą ruch zapinania lub rozpinania. Guziki po prawej stronie, pomalowane intensywną malinową farbą, stanowią wyrazisty akcent wizualny. Ich rozmieszczenie oraz kolorystyka tworzą dynamikę, która podkreśla symboliczne otwieranie się na coś nowego.
Tło kolorystyczne:
Dominującą czerń tkaniny przełamują przetarcia i rozdarcia, które nadają pracy efekt głębi i autentyczności. Intensywny malinowy kolor guzików kontrastuje z monochromatycznym tłem, wprowadzając element życia i energii.
Dodatki:
Dolna część obrazu została zszyta grubym lnianym sznurkiem, co nadaje dziełu rzemieślniczy charakter i podkreśla surową estetykę. Nieregularne krawędzie tkaniny i postrzępienia wzmacniają narrację o niedoskonałości i wysiłku, które są nieodłączną częścią każdego początku.
Autor: Renata Masłyk
100x80 cm
mixed media na workach jutowych
2024
Warstwa ideowa:
Obraz jest metaforą początku – momentu, gdy coś nowego zaczyna się formować, choć niewidzialna nitka przyszłości już delikatnie łączy nas z tym, co nieuchronne. Guziki, które można zarówno zapiąć, jak i rozpiąć, stają się symbolem decyzji, możliwości i wyborów, które podejmujemy na starcie każdej drogi. Zapięcie to nadzieja na stabilność i porządek, rozpięcie – otwarcie na zmiany, ryzyko i nowe doświadczenia. W tej symbolice obraz mówi o odwadze rozpoczynania, o dynamice ruchu, który prowadzi nas ku nieznanemu, ale z ukrytą w tle obietnicą, że każdy początek niesie w sobie siłę do tworzenia, niezależnie od tego, co przyniesie przyszłość.
Warstwa wizualna:
Tło:
Tło wykonane z czarnego jutowego materiału o wyraźnej, szorstkiej fakturze. W górnej części widoczne są przetarcia, a miejscami także rozdarcia, które odsłaniają jaśniejsze warstwy spodniej tkaniny. Te nieregularne formy wprowadzają wrażenie surowości i delikatnej kruchości, które odzwierciedlają subtelność i wrażliwość każdego początku.
Główny element:
Warstwy tkaniny nachodzą na siebie, układając się w formę przypominającą ruch zapinania lub rozpinania. Guziki po prawej stronie, pomalowane intensywną malinową farbą, stanowią wyrazisty akcent wizualny. Ich rozmieszczenie oraz kolorystyka tworzą dynamikę, która podkreśla symboliczne otwieranie się na coś nowego.
Tło kolorystyczne:
Dominującą czerń tkaniny przełamują przetarcia i rozdarcia, które nadają pracy efekt głębi i autentyczności. Intensywny malinowy kolor guzików kontrastuje z monochromatycznym tłem, wprowadzając element życia i energii.
Dodatki:
Dolna część obrazu została zszyta grubym lnianym sznurkiem, co nadaje dziełu rzemieślniczy charakter i podkreśla surową estetykę. Nieregularne krawędzie tkaniny i postrzępienia wzmacniają narrację o niedoskonałości i wysiłku, które są nieodłączną częścią każdego początku.
Autor: Renata Masłyk
100x80 cm
mixed media na workach jutowych
2024
Warstwa ideowa:
Obraz jest metaforą początku – momentu, gdy coś nowego zaczyna się formować, choć niewidzialna nitka przyszłości już delikatnie łączy nas z tym, co nieuchronne. Guziki, które można zarówno zapiąć, jak i rozpiąć, stają się symbolem decyzji, możliwości i wyborów, które podejmujemy na starcie każdej drogi. Zapięcie to nadzieja na stabilność i porządek, rozpięcie – otwarcie na zmiany, ryzyko i nowe doświadczenia. W tej symbolice obraz mówi o odwadze rozpoczynania, o dynamice ruchu, który prowadzi nas ku nieznanemu, ale z ukrytą w tle obietnicą, że każdy początek niesie w sobie siłę do tworzenia, niezależnie od tego, co przyniesie przyszłość.
Warstwa wizualna:
Tło:
Tło wykonane z czarnego jutowego materiału o wyraźnej, szorstkiej fakturze. W górnej części widoczne są przetarcia, a miejscami także rozdarcia, które odsłaniają jaśniejsze warstwy spodniej tkaniny. Te nieregularne formy wprowadzają wrażenie surowości i delikatnej kruchości, które odzwierciedlają subtelność i wrażliwość każdego początku.
Główny element:
Warstwy tkaniny nachodzą na siebie, układając się w formę przypominającą ruch zapinania lub rozpinania. Guziki po prawej stronie, pomalowane intensywną malinową farbą, stanowią wyrazisty akcent wizualny. Ich rozmieszczenie oraz kolorystyka tworzą dynamikę, która podkreśla symboliczne otwieranie się na coś nowego.
Tło kolorystyczne:
Dominującą czerń tkaniny przełamują przetarcia i rozdarcia, które nadają pracy efekt głębi i autentyczności. Intensywny malinowy kolor guzików kontrastuje z monochromatycznym tłem, wprowadzając element życia i energii.
Dodatki:
Dolna część obrazu została zszyta grubym lnianym sznurkiem, co nadaje dziełu rzemieślniczy charakter i podkreśla surową estetykę. Nieregularne krawędzie tkaniny i postrzępienia wzmacniają narrację o niedoskonałości i wysiłku, które są nieodłączną częścią każdego początku.
Autor: Renata Masłyk
100x80 cm
mixed media na workach jutowych
2024
Warstwa ideowa:
Obraz jest metaforą początku – momentu, gdy coś nowego zaczyna się formować, choć niewidzialna nitka przyszłości już delikatnie łączy nas z tym, co nieuchronne. Guziki, które można zarówno zapiąć, jak i rozpiąć, stają się symbolem decyzji, możliwości i wyborów, które podejmujemy na starcie każdej drogi. Zapięcie to nadzieja na stabilność i porządek, rozpięcie – otwarcie na zmiany, ryzyko i nowe doświadczenia. W tej symbolice obraz mówi o odwadze rozpoczynania, o dynamice ruchu, który prowadzi nas ku nieznanemu, ale z ukrytą w tle obietnicą, że każdy początek niesie w sobie siłę do tworzenia, niezależnie od tego, co przyniesie przyszłość.
Warstwa wizualna:
Tło:
Tło wykonane z czarnego jutowego materiału o wyraźnej, szorstkiej fakturze. W górnej części widoczne są przetarcia, a miejscami także rozdarcia, które odsłaniają jaśniejsze warstwy spodniej tkaniny. Te nieregularne formy wprowadzają wrażenie surowości i delikatnej kruchości, które odzwierciedlają subtelność i wrażliwość każdego początku.
Główny element:
Warstwy tkaniny nachodzą na siebie, układając się w formę przypominającą ruch zapinania lub rozpinania. Guziki po prawej stronie, pomalowane intensywną malinową farbą, stanowią wyrazisty akcent wizualny. Ich rozmieszczenie oraz kolorystyka tworzą dynamikę, która podkreśla symboliczne otwieranie się na coś nowego.
Tło kolorystyczne:
Dominującą czerń tkaniny przełamują przetarcia i rozdarcia, które nadają pracy efekt głębi i autentyczności. Intensywny malinowy kolor guzików kontrastuje z monochromatycznym tłem, wprowadzając element życia i energii.
Dodatki:
Dolna część obrazu została zszyta grubym lnianym sznurkiem, co nadaje dziełu rzemieślniczy charakter i podkreśla surową estetykę. Nieregularne krawędzie tkaniny i postrzępienia wzmacniają narrację o niedoskonałości i wysiłku, które są nieodłączną częścią każdego początku.
Autor: Renata Masłyk
100x80 cm
mixed media na workach jutowych
2024
Warstwa ideowa:
Obraz odkrywa napięcie między surowością a detalem, pomiędzy tym, co praktyczne, a tym, co symboliczne. Centralny element – skórzany pasek, pomalowany intensywną malinową farbą – przywołuje codzienność i funkcjonalność, ale jednocześnie symbolizuje kontrolę, ograniczenia i strukturę, jaką narzucamy na nasze życie. Pasek, z pozoru zwyczajny, nabiera nowego znaczenia poprzez swoją transformację – pomalowany i umieszczony na tle worka, staje się metaforą przemijalności i trwałości rzeczy codziennych. Widoczne szwy oraz struktura worka tworzą aluzję do tego, co zszyte, naprawione i ukryte, zachęcając do refleksji nad tym, co trzyma nasze życie w całości.
Warstwa wizualna:
Tło:
Tło składa się z dwóch wyraźnie kontrastujących fragmentów. Po lewej stronie widoczny jest beżowy materiał jutowego worka z nadrukami w odcieniach czerwieni i zieleni. Po prawej stronie dominuje czarne płótno o surowej fakturze, które nadaje całości głębi i minimalistycznej surowości.
Główny element:
Skórzany pasek, pomalowany intensywną malinową farbą, biegnie wzdłuż lewego brzegu obrazu. Jego powierzchnia jest nieregularna, z widocznymi przetarciami, co podkreśla jego charakter i symboliczne znaczenie. Pasek przyciąga uwagę swoim kolorem i prostotą formy.
Tło kolorystyczne:
Malinowy pasek ożywia monochromatyczne tło, wprowadzając wyrazisty akcent. Subtelne czerwone nadruki na beżowym fragmencie worka korespondują z kolorem paska, tworząc spójną, ale zróżnicowaną paletę kolorystyczną.
Dodatki:
Widoczne szwy i faktura worka dodają pracy trójwymiarowości i podkreślają surowość użytych materiałów. Wycięty fragment w górnej części czarnego płótna wprowadza intrygującą pustkę, która równoważy kompozycję i nadaje jej dodatkową warstwę interpretacyjną.
Autor: Renata Masłyk
100x80 cm
mixed media na workach jutowych
2024
Warstwa ideowa:
Obraz odkrywa napięcie między surowością a detalem, pomiędzy tym, co praktyczne, a tym, co symboliczne. Centralny element – skórzany pasek, pomalowany intensywną malinową farbą – przywołuje codzienność i funkcjonalność, ale jednocześnie symbolizuje kontrolę, ograniczenia i strukturę, jaką narzucamy na nasze życie. Pasek, z pozoru zwyczajny, nabiera nowego znaczenia poprzez swoją transformację – pomalowany i umieszczony na tle worka, staje się metaforą przemijalności i trwałości rzeczy codziennych. Widoczne szwy oraz struktura worka tworzą aluzję do tego, co zszyte, naprawione i ukryte, zachęcając do refleksji nad tym, co trzyma nasze życie w całości.
Warstwa wizualna:
Tło:
Tło składa się z dwóch wyraźnie kontrastujących fragmentów. Po lewej stronie widoczny jest beżowy materiał jutowego worka z nadrukami w odcieniach czerwieni i zieleni. Po prawej stronie dominuje czarne płótno o surowej fakturze, które nadaje całości głębi i minimalistycznej surowości.
Główny element:
Skórzany pasek, pomalowany intensywną malinową farbą, biegnie wzdłuż lewego brzegu obrazu. Jego powierzchnia jest nieregularna, z widocznymi przetarciami, co podkreśla jego charakter i symboliczne znaczenie. Pasek przyciąga uwagę swoim kolorem i prostotą formy.
Tło kolorystyczne:
Malinowy pasek ożywia monochromatyczne tło, wprowadzając wyrazisty akcent. Subtelne czerwone nadruki na beżowym fragmencie worka korespondują z kolorem paska, tworząc spójną, ale zróżnicowaną paletę kolorystyczną.
Dodatki:
Widoczne szwy i faktura worka dodają pracy trójwymiarowości i podkreślają surowość użytych materiałów. Wycięty fragment w górnej części czarnego płótna wprowadza intrygującą pustkę, która równoważy kompozycję i nadaje jej dodatkową warstwę interpretacyjną.
Autor: Renata Masłyk
100x80 cm
mixed media na workach jutowych
2024
Warstwa ideowa:
Obraz odkrywa napięcie między surowością a detalem, pomiędzy tym, co praktyczne, a tym, co symboliczne. Centralny element – skórzany pasek, pomalowany intensywną malinową farbą – przywołuje codzienność i funkcjonalność, ale jednocześnie symbolizuje kontrolę, ograniczenia i strukturę, jaką narzucamy na nasze życie. Pasek, z pozoru zwyczajny, nabiera nowego znaczenia poprzez swoją transformację – pomalowany i umieszczony na tle worka, staje się metaforą przemijalności i trwałości rzeczy codziennych. Widoczne szwy oraz struktura worka tworzą aluzję do tego, co zszyte, naprawione i ukryte, zachęcając do refleksji nad tym, co trzyma nasze życie w całości.
Warstwa wizualna:
Tło:
Tło składa się z dwóch wyraźnie kontrastujących fragmentów. Po lewej stronie widoczny jest beżowy materiał jutowego worka z nadrukami w odcieniach czerwieni i zieleni. Po prawej stronie dominuje czarne płótno o surowej fakturze, które nadaje całości głębi i minimalistycznej surowości.
Główny element:
Skórzany pasek, pomalowany intensywną malinową farbą, biegnie wzdłuż lewego brzegu obrazu. Jego powierzchnia jest nieregularna, z widocznymi przetarciami, co podkreśla jego charakter i symboliczne znaczenie. Pasek przyciąga uwagę swoim kolorem i prostotą formy.
Tło kolorystyczne:
Malinowy pasek ożywia monochromatyczne tło, wprowadzając wyrazisty akcent. Subtelne czerwone nadruki na beżowym fragmencie worka korespondują z kolorem paska, tworząc spójną, ale zróżnicowaną paletę kolorystyczną.
Dodatki:
Widoczne szwy i faktura worka dodają pracy trójwymiarowości i podkreślają surowość użytych materiałów. Wycięty fragment w górnej części czarnego płótna wprowadza intrygującą pustkę, która równoważy kompozycję i nadaje jej dodatkową warstwę interpretacyjną.
Autor: Renata Masłyk
100x80 cm
mixed media na workach jutowych
2024
Warstwa ideowa:
Obraz odkrywa napięcie między surowością a detalem, pomiędzy tym, co praktyczne, a tym, co symboliczne. Centralny element – skórzany pasek, pomalowany intensywną malinową farbą – przywołuje codzienność i funkcjonalność, ale jednocześnie symbolizuje kontrolę, ograniczenia i strukturę, jaką narzucamy na nasze życie. Pasek, z pozoru zwyczajny, nabiera nowego znaczenia poprzez swoją transformację – pomalowany i umieszczony na tle worka, staje się metaforą przemijalności i trwałości rzeczy codziennych. Widoczne szwy oraz struktura worka tworzą aluzję do tego, co zszyte, naprawione i ukryte, zachęcając do refleksji nad tym, co trzyma nasze życie w całości.
Warstwa wizualna:
Tło:
Tło składa się z dwóch wyraźnie kontrastujących fragmentów. Po lewej stronie widoczny jest beżowy materiał jutowego worka z nadrukami w odcieniach czerwieni i zieleni. Po prawej stronie dominuje czarne płótno o surowej fakturze, które nadaje całości głębi i minimalistycznej surowości.
Główny element:
Skórzany pasek, pomalowany intensywną malinową farbą, biegnie wzdłuż lewego brzegu obrazu. Jego powierzchnia jest nieregularna, z widocznymi przetarciami, co podkreśla jego charakter i symboliczne znaczenie. Pasek przyciąga uwagę swoim kolorem i prostotą formy.
Tło kolorystyczne:
Malinowy pasek ożywia monochromatyczne tło, wprowadzając wyrazisty akcent. Subtelne czerwone nadruki na beżowym fragmencie worka korespondują z kolorem paska, tworząc spójną, ale zróżnicowaną paletę kolorystyczną.
Dodatki:
Widoczne szwy i faktura worka dodają pracy trójwymiarowości i podkreślają surowość użytych materiałów. Wycięty fragment w górnej części czarnego płótna wprowadza intrygującą pustkę, która równoważy kompozycję i nadaje jej dodatkową warstwę interpretacyjną.
Autor: Renata Masłyk
100x80 cm
mixed media na workach jutowych
2024
Warstwa ideowa:
Obraz odkrywa napięcie między surowością a detalem, pomiędzy tym, co praktyczne, a tym, co symboliczne. Centralny element – skórzany pasek, pomalowany intensywną malinową farbą – przywołuje codzienność i funkcjonalność, ale jednocześnie symbolizuje kontrolę, ograniczenia i strukturę, jaką narzucamy na nasze życie. Pasek, z pozoru zwyczajny, nabiera nowego znaczenia poprzez swoją transformację – pomalowany i umieszczony na tle worka, staje się metaforą przemijalności i trwałości rzeczy codziennych. Widoczne szwy oraz struktura worka tworzą aluzję do tego, co zszyte, naprawione i ukryte, zachęcając do refleksji nad tym, co trzyma nasze życie w całości.
Warstwa wizualna:
Tło:
Tło składa się z dwóch wyraźnie kontrastujących fragmentów. Po lewej stronie widoczny jest beżowy materiał jutowego worka z nadrukami w odcieniach czerwieni i zieleni. Po prawej stronie dominuje czarne płótno o surowej fakturze, które nadaje całości głębi i minimalistycznej surowości.
Główny element:
Skórzany pasek, pomalowany intensywną malinową farbą, biegnie wzdłuż lewego brzegu obrazu. Jego powierzchnia jest nieregularna, z widocznymi przetarciami, co podkreśla jego charakter i symboliczne znaczenie. Pasek przyciąga uwagę swoim kolorem i prostotą formy.
Tło kolorystyczne:
Malinowy pasek ożywia monochromatyczne tło, wprowadzając wyrazisty akcent. Subtelne czerwone nadruki na beżowym fragmencie worka korespondują z kolorem paska, tworząc spójną, ale zróżnicowaną paletę kolorystyczną.
Dodatki:
Widoczne szwy i faktura worka dodają pracy trójwymiarowości i podkreślają surowość użytych materiałów. Wycięty fragment w górnej części czarnego płótna wprowadza intrygującą pustkę, która równoważy kompozycję i nadaje jej dodatkową warstwę interpretacyjną.
Autor: Renata Masłyk
100x80 cm
mixed media na workach jutowych
2024
Warstwa ideowa:
Obraz odkrywa napięcie między surowością a detalem, pomiędzy tym, co praktyczne, a tym, co symboliczne. Centralny element – skórzany pasek, pomalowany intensywną malinową farbą – przywołuje codzienność i funkcjonalność, ale jednocześnie symbolizuje kontrolę, ograniczenia i strukturę, jaką narzucamy na nasze życie. Pasek, z pozoru zwyczajny, nabiera nowego znaczenia poprzez swoją transformację – pomalowany i umieszczony na tle worka, staje się metaforą przemijalności i trwałości rzeczy codziennych. Widoczne szwy oraz struktura worka tworzą aluzję do tego, co zszyte, naprawione i ukryte, zachęcając do refleksji nad tym, co trzyma nasze życie w całości.
Warstwa wizualna:
Tło:
Tło składa się z dwóch wyraźnie kontrastujących fragmentów. Po lewej stronie widoczny jest beżowy materiał jutowego worka z nadrukami w odcieniach czerwieni i zieleni. Po prawej stronie dominuje czarne płótno o surowej fakturze, które nadaje całości głębi i minimalistycznej surowości.
Główny element:
Skórzany pasek, pomalowany intensywną malinową farbą, biegnie wzdłuż lewego brzegu obrazu. Jego powierzchnia jest nieregularna, z widocznymi przetarciami, co podkreśla jego charakter i symboliczne znaczenie. Pasek przyciąga uwagę swoim kolorem i prostotą formy.
Tło kolorystyczne:
Malinowy pasek ożywia monochromatyczne tło, wprowadzając wyrazisty akcent. Subtelne czerwone nadruki na beżowym fragmencie worka korespondują z kolorem paska, tworząc spójną, ale zróżnicowaną paletę kolorystyczną.
Dodatki:
Widoczne szwy i faktura worka dodają pracy trójwymiarowości i podkreślają surowość użytych materiałów. Wycięty fragment w górnej części czarnego płótna wprowadza intrygującą pustkę, która równoważy kompozycję i nadaje jej dodatkową warstwę interpretacyjną.
Autor: Renata Masłyk
100x80 cm
mixed media na workach jutowych
2024
Warstwa ideowa:
Obraz to hołd dla przyjaźni, wsparcia i dzielenia się tym, co ważne. Fragment lnianej pościeli, podarowany przez Klaudię – przyjaciółkę Artystki – staje się symbolem nie tylko współpracy, ale także emocjonalnej bliskości i zrozumienia. Ten gest pokazuje, jak osobiste relacje mogą wzbogacić proces twórczy, wprowadzając elementy z codziennego życia w nowy, artystyczny kontekst. Dzieło przypomina, że materiały i gesty, które na pierwszy rzut oka mogą wydawać się zwyczajne, kryją w sobie historię i emocje, które mogą przemawiać poprzez sztukę.
Warstwa wizualna:
Tło:
Tło wykonane jest z czarnego jutowego płótna o głębokiej, matowej fakturze, które dominuje kompozycję. Jego jednolitość wprowadza spokój i kontrastuje z dynamicznymi elementami centralnymi. W górnej części widoczny jest poziomy pas intensywnego malinowego koloru, który wydaje się delikatnie przenikać przez tkaninę, wprowadzając akcent barwny.
Główny element:
Centralnym punktem obrazu są złożone warstwy lnianej pościeli oraz fragmenty innego materiału, które zostały nieregularnie ułożone i częściowo podarte. Ich różnorodna faktura – od gładkiej po postrzępioną – przyciąga wzrok i tworzy wyrazisty kontrast wobec tła. Czerń i naturalny beż juty wzajemnie się przenikają, akcentując organiczność i surowość formy.
Tło kolorystyczne:
Dominująca czerń tła zostaje przełamana malinowym pasem u góry, który wprowadza subtelną energię i dodatkową głębię. Beżowe elementy tworzą naturalny kontrast z ciemnymi partiami materiału, podkreślając ich teksturalne niuanse.
Dodatki:
Widoczne szwy wykonane grubym lnianym sznurkiem po lewej stronie obrazu wprowadzają rzemieślniczy charakter, podkreślając relację między rękodziełem a sztuką. Nieregularne dziury i podarte fragmenty nadają kompozycji surowości, a jednocześnie stanowią świadectwo emocjonalnego ładunku i osobistego kontekstu tej pracy.
Autor: Renata Masłyk
100x80 cm
mixed media na workach jutowych
2024
Warstwa ideowa:
Obraz to hołd dla przyjaźni, wsparcia i dzielenia się tym, co ważne. Fragment lnianej pościeli, podarowany przez Klaudię – przyjaciółkę Artystki – staje się symbolem nie tylko współpracy, ale także emocjonalnej bliskości i zrozumienia. Ten gest pokazuje, jak osobiste relacje mogą wzbogacić proces twórczy, wprowadzając elementy z codziennego życia w nowy, artystyczny kontekst. Dzieło przypomina, że materiały i gesty, które na pierwszy rzut oka mogą wydawać się zwyczajne, kryją w sobie historię i emocje, które mogą przemawiać poprzez sztukę.
Warstwa wizualna:
Tło:
Tło wykonane jest z czarnego jutowego płótna o głębokiej, matowej fakturze, które dominuje kompozycję. Jego jednolitość wprowadza spokój i kontrastuje z dynamicznymi elementami centralnymi. W górnej części widoczny jest poziomy pas intensywnego malinowego koloru, który wydaje się delikatnie przenikać przez tkaninę, wprowadzając akcent barwny.
Główny element:
Centralnym punktem obrazu są złożone warstwy lnianej pościeli oraz fragmenty innego materiału, które zostały nieregularnie ułożone i częściowo podarte. Ich różnorodna faktura – od gładkiej po postrzępioną – przyciąga wzrok i tworzy wyrazisty kontrast wobec tła. Czerń i naturalny beż juty wzajemnie się przenikają, akcentując organiczność i surowość formy.
Tło kolorystyczne:
Dominująca czerń tła zostaje przełamana malinowym pasem u góry, który wprowadza subtelną energię i dodatkową głębię. Beżowe elementy tworzą naturalny kontrast z ciemnymi partiami materiału, podkreślając ich teksturalne niuanse.
Dodatki:
Widoczne szwy wykonane grubym lnianym sznurkiem po lewej stronie obrazu wprowadzają rzemieślniczy charakter, podkreślając relację między rękodziełem a sztuką. Nieregularne dziury i podarte fragmenty nadają kompozycji surowości, a jednocześnie stanowią świadectwo emocjonalnego ładunku i osobistego kontekstu tej pracy.
Autor: Renata Masłyk
100x80 cm
mixed media na workach jutowych
2024
Warstwa ideowa:
Obraz to hołd dla przyjaźni, wsparcia i dzielenia się tym, co ważne. Fragment lnianej pościeli, podarowany przez Klaudię – przyjaciółkę Artystki – staje się symbolem nie tylko współpracy, ale także emocjonalnej bliskości i zrozumienia. Ten gest pokazuje, jak osobiste relacje mogą wzbogacić proces twórczy, wprowadzając elementy z codziennego życia w nowy, artystyczny kontekst. Dzieło przypomina, że materiały i gesty, które na pierwszy rzut oka mogą wydawać się zwyczajne, kryją w sobie historię i emocje, które mogą przemawiać poprzez sztukę.
Warstwa wizualna:
Tło:
Tło wykonane jest z czarnego jutowego płótna o głębokiej, matowej fakturze, które dominuje kompozycję. Jego jednolitość wprowadza spokój i kontrastuje z dynamicznymi elementami centralnymi. W górnej części widoczny jest poziomy pas intensywnego malinowego koloru, który wydaje się delikatnie przenikać przez tkaninę, wprowadzając akcent barwny.
Główny element:
Centralnym punktem obrazu są złożone warstwy lnianej pościeli oraz fragmenty innego materiału, które zostały nieregularnie ułożone i częściowo podarte. Ich różnorodna faktura – od gładkiej po postrzępioną – przyciąga wzrok i tworzy wyrazisty kontrast wobec tła. Czerń i naturalny beż juty wzajemnie się przenikają, akcentując organiczność i surowość formy.
Tło kolorystyczne:
Dominująca czerń tła zostaje przełamana malinowym pasem u góry, który wprowadza subtelną energię i dodatkową głębię. Beżowe elementy tworzą naturalny kontrast z ciemnymi partiami materiału, podkreślając ich teksturalne niuanse.
Dodatki:
Widoczne szwy wykonane grubym lnianym sznurkiem po lewej stronie obrazu wprowadzają rzemieślniczy charakter, podkreślając relację między rękodziełem a sztuką. Nieregularne dziury i podarte fragmenty nadają kompozycji surowości, a jednocześnie stanowią świadectwo emocjonalnego ładunku i osobistego kontekstu tej pracy.
Autor: Renata Masłyk
100x80 cm
mixed media na workach jutowych
2024
Warstwa ideowa:
Obraz to hołd dla przyjaźni, wsparcia i dzielenia się tym, co ważne. Fragment lnianej pościeli, podarowany przez Klaudię – przyjaciółkę Artystki – staje się symbolem nie tylko współpracy, ale także emocjonalnej bliskości i zrozumienia. Ten gest pokazuje, jak osobiste relacje mogą wzbogacić proces twórczy, wprowadzając elementy z codziennego życia w nowy, artystyczny kontekst. Dzieło przypomina, że materiały i gesty, które na pierwszy rzut oka mogą wydawać się zwyczajne, kryją w sobie historię i emocje, które mogą przemawiać poprzez sztukę.
Warstwa wizualna:
Tło:
Tło wykonane jest z czarnego jutowego płótna o głębokiej, matowej fakturze, które dominuje kompozycję. Jego jednolitość wprowadza spokój i kontrastuje z dynamicznymi elementami centralnymi. W górnej części widoczny jest poziomy pas intensywnego malinowego koloru, który wydaje się delikatnie przenikać przez tkaninę, wprowadzając akcent barwny.
Główny element:
Centralnym punktem obrazu są złożone warstwy lnianej pościeli oraz fragmenty innego materiału, które zostały nieregularnie ułożone i częściowo podarte. Ich różnorodna faktura – od gładkiej po postrzępioną – przyciąga wzrok i tworzy wyrazisty kontrast wobec tła. Czerń i naturalny beż juty wzajemnie się przenikają, akcentując organiczność i surowość formy.
Tło kolorystyczne:
Dominująca czerń tła zostaje przełamana malinowym pasem u góry, który wprowadza subtelną energię i dodatkową głębię. Beżowe elementy tworzą naturalny kontrast z ciemnymi partiami materiału, podkreślając ich teksturalne niuanse.
Dodatki:
Widoczne szwy wykonane grubym lnianym sznurkiem po lewej stronie obrazu wprowadzają rzemieślniczy charakter, podkreślając relację między rękodziełem a sztuką. Nieregularne dziury i podarte fragmenty nadają kompozycji surowości, a jednocześnie stanowią świadectwo emocjonalnego ładunku i osobistego kontekstu tej pracy.
Autor: Renata Masłyk
100x80 cm
mixed media na workach jutowych
2024
Warstwa ideowa:
Obraz to hołd dla przyjaźni, wsparcia i dzielenia się tym, co ważne. Fragment lnianej pościeli, podarowany przez Klaudię – przyjaciółkę Artystki – staje się symbolem nie tylko współpracy, ale także emocjonalnej bliskości i zrozumienia. Ten gest pokazuje, jak osobiste relacje mogą wzbogacić proces twórczy, wprowadzając elementy z codziennego życia w nowy, artystyczny kontekst. Dzieło przypomina, że materiały i gesty, które na pierwszy rzut oka mogą wydawać się zwyczajne, kryją w sobie historię i emocje, które mogą przemawiać poprzez sztukę.
Warstwa wizualna:
Tło:
Tło wykonane jest z czarnego jutowego płótna o głębokiej, matowej fakturze, które dominuje kompozycję. Jego jednolitość wprowadza spokój i kontrastuje z dynamicznymi elementami centralnymi. W górnej części widoczny jest poziomy pas intensywnego malinowego koloru, który wydaje się delikatnie przenikać przez tkaninę, wprowadzając akcent barwny.
Główny element:
Centralnym punktem obrazu są złożone warstwy lnianej pościeli oraz fragmenty innego materiału, które zostały nieregularnie ułożone i częściowo podarte. Ich różnorodna faktura – od gładkiej po postrzępioną – przyciąga wzrok i tworzy wyrazisty kontrast wobec tła. Czerń i naturalny beż juty wzajemnie się przenikają, akcentując organiczność i surowość formy.
Tło kolorystyczne:
Dominująca czerń tła zostaje przełamana malinowym pasem u góry, który wprowadza subtelną energię i dodatkową głębię. Beżowe elementy tworzą naturalny kontrast z ciemnymi partiami materiału, podkreślając ich teksturalne niuanse.
Dodatki:
Widoczne szwy wykonane grubym lnianym sznurkiem po lewej stronie obrazu wprowadzają rzemieślniczy charakter, podkreślając relację między rękodziełem a sztuką. Nieregularne dziury i podarte fragmenty nadają kompozycji surowości, a jednocześnie stanowią świadectwo emocjonalnego ładunku i osobistego kontekstu tej pracy.
Autor: Renata SZYSZLAK
70 cm x 100 cm
technika mieszana na kartonie
2022 r.
Praca wykonana metodą kolażu na kartonie przywołuje wizerunek kobiety z lat 30. XX wieku, zanurzonej w kontekście
swojej epoki. Poprzez zestawienie tekstur, organicznych plam i fragmentów obrazu artystka tworzy refleksję nad życiem,
pozycją społeczną i marzeniami tamtych czasów. Warstwy materiałów i celowo postarzana powierzchnia podkreślają
zarówno ulotność przeszłości, jak i jej wpływ na współczesność.
Obraz wykonany metodą kolażu, zdominowany przez stonowane odcienie brązu, szarości i beżu, z subtelnymi akcentami czerni i bieli. W tle widoczne są nieregularne organiczne plamy i tekstury, które tworzą efekt postarzenia powierzchni. Centralna część kompozycji zawiera wizerunek kobiety, utrzymany w czarno-białej stylistyce, co dodaje pracy nostalgicznego charakteru.
Na dole obrazu pojawia się wyraźny motyw przypominający ceglaną strukturę, wprowadzający graficzny akcent kontrastujący z miękkimi, płynnymi plamami w tle. Powierzchnia pracy jest bogata w detale, z widocznymi warstwami i przejściami tonalnymi, które tworzą głębię i dynamikę. Kompozycja sprawia wrażenie harmonijnego połączenia różnorodnych elementów, przyciągając uwagę widza różnorodnością faktur i delikatnych prześwitów.
Autor: Renata SZYSZLAK
70 cm x 100 cm
technika mieszana na kartonie
2022 r.
Praca wykonana metodą kolażu na kartonie przywołuje wizerunek kobiety z lat 30. XX wieku, zanurzonej w kontekście
swojej epoki. Poprzez zestawienie tekstur, organicznych plam i fragmentów obrazu artystka tworzy refleksję nad życiem,
pozycją społeczną i marzeniami tamtych czasów. Warstwy materiałów i celowo postarzana powierzchnia podkreślają
zarówno ulotność przeszłości, jak i jej wpływ na współczesność.
Obraz wykonany metodą kolażu, zdominowany przez stonowane odcienie brązu, szarości i beżu, z subtelnymi akcentami czerni i bieli. W tle widoczne są nieregularne organiczne plamy i tekstury, które tworzą efekt postarzenia powierzchni. Centralna część kompozycji zawiera wizerunek kobiety, utrzymany w czarno-białej stylistyce, co dodaje pracy nostalgicznego charakteru.
Na dole obrazu pojawia się wyraźny motyw przypominający ceglaną strukturę, wprowadzający graficzny akcent kontrastujący z miękkimi, płynnymi plamami w tle. Powierzchnia pracy jest bogata w detale, z widocznymi warstwami i przejściami tonalnymi, które tworzą głębię i dynamikę. Kompozycja sprawia wrażenie harmonijnego połączenia różnorodnych elementów, przyciągając uwagę widza różnorodnością faktur i delikatnych prześwitów.
Autor: Renata SZYSZLAK
70 cm x 100 cm
technika mieszana na kartonie
2022 r.
Praca wykonana metodą kolażu na kartonie przywołuje wizerunek kobiety z lat 30. XX wieku, zanurzonej w kontekście
swojej epoki. Poprzez zestawienie tekstur, organicznych plam i fragmentów obrazu artystka tworzy refleksję nad życiem,
pozycją społeczną i marzeniami tamtych czasów. Warstwy materiałów i celowo postarzana powierzchnia podkreślają
zarówno ulotność przeszłości, jak i jej wpływ na współczesność.
Obraz wykonany metodą kolażu, zdominowany przez stonowane odcienie brązu, szarości i beżu, z subtelnymi akcentami czerni i bieli. W tle widoczne są nieregularne organiczne plamy i tekstury, które tworzą efekt postarzenia powierzchni. Centralna część kompozycji zawiera wizerunek kobiety, utrzymany w czarno-białej stylistyce, co dodaje pracy nostalgicznego charakteru.
Na dole obrazu pojawia się wyraźny motyw przypominający ceglaną strukturę, wprowadzający graficzny akcent kontrastujący z miękkimi, płynnymi plamami w tle. Powierzchnia pracy jest bogata w detale, z widocznymi warstwami i przejściami tonalnymi, które tworzą głębię i dynamikę. Kompozycja sprawia wrażenie harmonijnego połączenia różnorodnych elementów, przyciągając uwagę widza różnorodnością faktur i delikatnych prześwitów.
Autor: Renata SZYSZLAK
70 cm x 100 cm
technika mieszana na kartonie
2022 r.
Praca wykonana metodą kolażu na kartonie przywołuje wizerunek kobiety z lat 30. XX wieku, zanurzonej w kontekście
swojej epoki. Poprzez zestawienie tekstur, organicznych plam i fragmentów obrazu artystka tworzy refleksję nad życiem,
pozycją społeczną i marzeniami tamtych czasów. Warstwy materiałów i celowo postarzana powierzchnia podkreślają
zarówno ulotność przeszłości, jak i jej wpływ na współczesność.
Obraz wykonany metodą kolażu, zdominowany przez stonowane odcienie brązu, szarości i beżu, z subtelnymi akcentami czerni i bieli. W tle widoczne są nieregularne organiczne plamy i tekstury, które tworzą efekt postarzenia powierzchni. Centralna część kompozycji zawiera wizerunek kobiety, utrzymany w czarno-białej stylistyce, co dodaje pracy nostalgicznego charakteru.
Na dole obrazu pojawia się wyraźny motyw przypominający ceglaną strukturę, wprowadzający graficzny akcent kontrastujący z miękkimi, płynnymi plamami w tle. Powierzchnia pracy jest bogata w detale, z widocznymi warstwami i przejściami tonalnymi, które tworzą głębię i dynamikę. Kompozycja sprawia wrażenie harmonijnego połączenia różnorodnych elementów, przyciągając uwagę widza różnorodnością faktur i delikatnych prześwitów.
Autor: Renata SZYSZLAK
70 cm x 100 cm
technika mieszana na kartonie
2022 r.
Praca wykonana metodą kolażu na kartonie przywołuje wizerunek kobiety z lat 30. XX wieku, zanurzonej w kontekście
swojej epoki. Poprzez zestawienie tekstur, organicznych plam i fragmentów obrazu artystka tworzy refleksję nad życiem,
pozycją społeczną i marzeniami tamtych czasów. Warstwy materiałów i celowo postarzana powierzchnia podkreślają
zarówno ulotność przeszłości, jak i jej wpływ na współczesność.
Obraz wykonany metodą kolażu, zdominowany przez stonowane odcienie brązu, szarości i beżu, z subtelnymi akcentami czerni i bieli. W tle widoczne są nieregularne organiczne plamy i tekstury, które tworzą efekt postarzenia powierzchni. Centralna część kompozycji zawiera wizerunek kobiety, utrzymany w czarno-białej stylistyce, co dodaje pracy nostalgicznego charakteru.
Na dole obrazu pojawia się wyraźny motyw przypominający ceglaną strukturę, wprowadzający graficzny akcent kontrastujący z miękkimi, płynnymi plamami w tle. Powierzchnia pracy jest bogata w detale, z widocznymi warstwami i przejściami tonalnymi, które tworzą głębię i dynamikę. Kompozycja sprawia wrażenie harmonijnego połączenia różnorodnych elementów, przyciągając uwagę widza różnorodnością faktur i delikatnych prześwitów.
Autor: Renata SZYSZLAK
70 cm x 100 cm
technika mieszana na kartonie
2022 r.
Praca wykonana metodą kolażu na kartonie przywołuje wizerunek kobiety z lat 30. XX wieku, zanurzonej w kontekście
swojej epoki. Poprzez zestawienie tekstur, organicznych plam i fragmentów obrazu artystka tworzy refleksję nad życiem,
pozycją społeczną i marzeniami tamtych czasów. Warstwy materiałów i celowo postarzana powierzchnia podkreślają
zarówno ulotność przeszłości, jak i jej wpływ na współczesność.
Obraz wykonany metodą kolażu, zdominowany przez stonowane odcienie brązu, szarości i beżu, z subtelnymi akcentami czerni i bieli. W tle widoczne są nieregularne organiczne plamy i tekstury, które tworzą efekt postarzenia powierzchni. Centralna część kompozycji zawiera wizerunek kobiety, utrzymany w czarno-białej stylistyce, co dodaje pracy nostalgicznego charakteru.
Na dole obrazu pojawia się wyraźny motyw przypominający ceglaną strukturę, wprowadzający graficzny akcent kontrastujący z miękkimi, płynnymi plamami w tle. Powierzchnia pracy jest bogata w detale, z widocznymi warstwami i przejściami tonalnymi, które tworzą głębię i dynamikę. Kompozycja sprawia wrażenie harmonijnego połączenia różnorodnych elementów, przyciągając uwagę widza różnorodnością faktur i delikatnych prześwitów.
Autor: Renata SZYSZLAK
70 cm x 100 cm
technika mieszana na kartonie
2022 r.
Praca wykonana metodą kolażu na kartonie przywołuje wizerunek kobiety z lat 30. XX wieku, zanurzonej w kontekście
swojej epoki. Poprzez zestawienie tekstur, organicznych plam i fragmentów obrazu artystka tworzy refleksję nad życiem,
pozycją społeczną i marzeniami tamtych czasów. Warstwy materiałów i celowo postarzana powierzchnia podkreślają
zarówno ulotność przeszłości, jak i jej wpływ na współczesność.
Obraz wykonany metodą kolażu, zdominowany przez stonowane odcienie brązu, szarości i beżu, z subtelnymi akcentami czerni i bieli. W tle widoczne są nieregularne organiczne plamy i tekstury, które tworzą efekt postarzenia powierzchni. Centralna część kompozycji zawiera wizerunek kobiety, utrzymany w czarno-białej stylistyce, co dodaje pracy nostalgicznego charakteru.
Na dole obrazu pojawia się wyraźny motyw przypominający ceglaną strukturę, wprowadzający graficzny akcent kontrastujący z miękkimi, płynnymi plamami w tle. Powierzchnia pracy jest bogata w detale, z widocznymi warstwami i przejściami tonalnymi, które tworzą głębię i dynamikę. Kompozycja sprawia wrażenie harmonijnego połączenia różnorodnych elementów, przyciągając uwagę widza różnorodnością faktur i delikatnych prześwitów.
Autor: Łukasz Wincenty DUBLAŃSKI
80 cm x 65 cm
malarstwo olejne, technika własna
1998 r.
Praca wykonana na podobraziu z recyklingu i starych lnianych kotar okiennych. Obraz byl wielokrotnie poddany
recyklingowi, powstawały na nim kolejne przedstawienia, aż do wersji końcowej - obrazu „Duch Maxa”. Awers obrazu to
technika własna, przy użyciu farb olejnych, oraz „skóry” węża. Jest to wylinka węża Maxa - należącego do Artysty (Python
Molurus Bivittatus). Ponownie użyta wierzchnia warstwa skóry węża, powstająca w naturalnym procesie linienia, w którym
nie ucierpiało żadne zwierzę. Obraz sprzed ćwierć wieku, nigdy nie był eksponowany.
Obraz wykonany na podobraziu z recyklingu, pokryty wieloma warstwami, co nadaje mu bogatą teksturę i głębię. Dominują ciemne, nasycone kolory, takie jak granaty, zielenie i głębokie błękity, przełamane intensywnymi akcentami czerwieni i pomarańczu. Centralnym punktem kompozycji jest okrągły, jasny element, przypominający świetlistą poświatę, wokół której znajdują się drobne, nieregularne kształty, nadające całości dynamicznego charakteru.
W strukturze obrazu widoczne są fragmenty „skóry” węża, które dodają nietypowej faktury i organicznego wymiaru, kontrastując z gładkimi przejściami farby olejnej. Kompozycja jest wielowarstwowa, co sprawia, że obraz zyskuje trójwymiarowy charakter, przyciągając uwagę różnorodnością powierzchni i subtelną grą światła.
Autor: Łukasz Wincenty DUBLAŃSKI
80 cm x 65 cm
malarstwo olejne, technika własna
1998 r.
Praca wykonana na podobraziu z recyklingu i starych lnianych kotar okiennych. Obraz byl wielokrotnie poddany
recyklingowi, powstawały na nim kolejne przedstawienia, aż do wersji końcowej - obrazu „Duch Maxa”. Awers obrazu to
technika własna, przy użyciu farb olejnych, oraz „skóry” węża. Jest to wylinka węża Maxa - należącego do Artysty (Python
Molurus Bivittatus). Ponownie użyta wierzchnia warstwa skóry węża, powstająca w naturalnym procesie linienia, w którym
nie ucierpiało żadne zwierzę. Obraz sprzed ćwierć wieku, nigdy nie był eksponowany.
Obraz wykonany na podobraziu z recyklingu, pokryty wieloma warstwami, co nadaje mu bogatą teksturę i głębię. Dominują ciemne, nasycone kolory, takie jak granaty, zielenie i głębokie błękity, przełamane intensywnymi akcentami czerwieni i pomarańczu. Centralnym punktem kompozycji jest okrągły, jasny element, przypominający świetlistą poświatę, wokół której znajdują się drobne, nieregularne kształty, nadające całości dynamicznego charakteru.
W strukturze obrazu widoczne są fragmenty „skóry” węża, które dodają nietypowej faktury i organicznego wymiaru, kontrastując z gładkimi przejściami farby olejnej. Kompozycja jest wielowarstwowa, co sprawia, że obraz zyskuje trójwymiarowy charakter, przyciągając uwagę różnorodnością powierzchni i subtelną grą światła.
Autor: Łukasz Wincenty DUBLAŃSKI
80 cm x 65 cm
malarstwo olejne, technika własna
1998 r.
Praca wykonana na podobraziu z recyklingu i starych lnianych kotar okiennych. Obraz byl wielokrotnie poddany
recyklingowi, powstawały na nim kolejne przedstawienia, aż do wersji końcowej - obrazu „Duch Maxa”. Awers obrazu to
technika własna, przy użyciu farb olejnych, oraz „skóry” węża. Jest to wylinka węża Maxa - należącego do Artysty (Python
Molurus Bivittatus). Ponownie użyta wierzchnia warstwa skóry węża, powstająca w naturalnym procesie linienia, w którym
nie ucierpiało żadne zwierzę. Obraz sprzed ćwierć wieku, nigdy nie był eksponowany.
Obraz wykonany na podobraziu z recyklingu, pokryty wieloma warstwami, co nadaje mu bogatą teksturę i głębię. Dominują ciemne, nasycone kolory, takie jak granaty, zielenie i głębokie błękity, przełamane intensywnymi akcentami czerwieni i pomarańczu. Centralnym punktem kompozycji jest okrągły, jasny element, przypominający świetlistą poświatę, wokół której znajdują się drobne, nieregularne kształty, nadające całości dynamicznego charakteru.
W strukturze obrazu widoczne są fragmenty „skóry” węża, które dodają nietypowej faktury i organicznego wymiaru, kontrastując z gładkimi przejściami farby olejnej. Kompozycja jest wielowarstwowa, co sprawia, że obraz zyskuje trójwymiarowy charakter, przyciągając uwagę różnorodnością powierzchni i subtelną grą światła.
Autor: Łukasz Wincenty DUBLAŃSKI
80 cm x 65 cm
malarstwo olejne, technika własna
1998 r.
Praca wykonana na podobraziu z recyklingu i starych lnianych kotar okiennych. Obraz byl wielokrotnie poddany
recyklingowi, powstawały na nim kolejne przedstawienia, aż do wersji końcowej - obrazu „Duch Maxa”. Awers obrazu to
technika własna, przy użyciu farb olejnych, oraz „skóry” węża. Jest to wylinka węża Maxa - należącego do Artysty (Python
Molurus Bivittatus). Ponownie użyta wierzchnia warstwa skóry węża, powstająca w naturalnym procesie linienia, w którym
nie ucierpiało żadne zwierzę. Obraz sprzed ćwierć wieku, nigdy nie był eksponowany.
Obraz wykonany na podobraziu z recyklingu, pokryty wieloma warstwami, co nadaje mu bogatą teksturę i głębię. Dominują ciemne, nasycone kolory, takie jak granaty, zielenie i głębokie błękity, przełamane intensywnymi akcentami czerwieni i pomarańczu. Centralnym punktem kompozycji jest okrągły, jasny element, przypominający świetlistą poświatę, wokół której znajdują się drobne, nieregularne kształty, nadające całości dynamicznego charakteru.
W strukturze obrazu widoczne są fragmenty „skóry” węża, które dodają nietypowej faktury i organicznego wymiaru, kontrastując z gładkimi przejściami farby olejnej. Kompozycja jest wielowarstwowa, co sprawia, że obraz zyskuje trójwymiarowy charakter, przyciągając uwagę różnorodnością powierzchni i subtelną grą światła.
Autor: Łukasz Wincenty DUBLAŃSKI
80 cm x 65 cm
malarstwo olejne, technika własna
1998 r.
Praca wykonana na podobraziu z recyklingu i starych lnianych kotar okiennych. Obraz byl wielokrotnie poddany
recyklingowi, powstawały na nim kolejne przedstawienia, aż do wersji końcowej - obrazu „Duch Maxa”. Awers obrazu to
technika własna, przy użyciu farb olejnych, oraz „skóry” węża. Jest to wylinka węża Maxa - należącego do Artysty (Python
Molurus Bivittatus). Ponownie użyta wierzchnia warstwa skóry węża, powstająca w naturalnym procesie linienia, w którym
nie ucierpiało żadne zwierzę. Obraz sprzed ćwierć wieku, nigdy nie był eksponowany.
Obraz wykonany na podobraziu z recyklingu, pokryty wieloma warstwami, co nadaje mu bogatą teksturę i głębię. Dominują ciemne, nasycone kolory, takie jak granaty, zielenie i głębokie błękity, przełamane intensywnymi akcentami czerwieni i pomarańczu. Centralnym punktem kompozycji jest okrągły, jasny element, przypominający świetlistą poświatę, wokół której znajdują się drobne, nieregularne kształty, nadające całości dynamicznego charakteru.
W strukturze obrazu widoczne są fragmenty „skóry” węża, które dodają nietypowej faktury i organicznego wymiaru, kontrastując z gładkimi przejściami farby olejnej. Kompozycja jest wielowarstwowa, co sprawia, że obraz zyskuje trójwymiarowy charakter, przyciągając uwagę różnorodnością powierzchni i subtelną grą światła.
Autor: Łukasz Wincenty DUBLAŃSKI
80 cm x 65 cm
malarstwo olejne, technika własna
1998 r.
Praca wykonana na podobraziu z recyklingu i starych lnianych kotar okiennych. Obraz byl wielokrotnie poddany
recyklingowi, powstawały na nim kolejne przedstawienia, aż do wersji końcowej - obrazu „Duch Maxa”. Awers obrazu to
technika własna, przy użyciu farb olejnych, oraz „skóry” węża. Jest to wylinka węża Maxa - należącego do Artysty (Python
Molurus Bivittatus). Ponownie użyta wierzchnia warstwa skóry węża, powstająca w naturalnym procesie linienia, w którym
nie ucierpiało żadne zwierzę. Obraz sprzed ćwierć wieku, nigdy nie był eksponowany.
Obraz wykonany na podobraziu z recyklingu, pokryty wieloma warstwami, co nadaje mu bogatą teksturę i głębię. Dominują ciemne, nasycone kolory, takie jak granaty, zielenie i głębokie błękity, przełamane intensywnymi akcentami czerwieni i pomarańczu. Centralnym punktem kompozycji jest okrągły, jasny element, przypominający świetlistą poświatę, wokół której znajdują się drobne, nieregularne kształty, nadające całości dynamicznego charakteru.
W strukturze obrazu widoczne są fragmenty „skóry” węża, które dodają nietypowej faktury i organicznego wymiaru, kontrastując z gładkimi przejściami farby olejnej. Kompozycja jest wielowarstwowa, co sprawia, że obraz zyskuje trójwymiarowy charakter, przyciągając uwagę różnorodnością powierzchni i subtelną grą światła.
Autor: Łukasz Wincenty DUBLAŃSKI
80 cm x 65 cm
malarstwo olejne, technika własna
1998 r.
Praca wykonana na podobraziu z recyklingu i starych lnianych kotar okiennych. Obraz byl wielokrotnie poddany
recyklingowi, powstawały na nim kolejne przedstawienia, aż do wersji końcowej - obrazu „Duch Maxa”. Awers obrazu to
technika własna, przy użyciu farb olejnych, oraz „skóry” węża. Jest to wylinka węża Maxa - należącego do Artysty (Python
Molurus Bivittatus). Ponownie użyta wierzchnia warstwa skóry węża, powstająca w naturalnym procesie linienia, w którym
nie ucierpiało żadne zwierzę. Obraz sprzed ćwierć wieku, nigdy nie był eksponowany.
Obraz wykonany na podobraziu z recyklingu, pokryty wieloma warstwami, co nadaje mu bogatą teksturę i głębię. Dominują ciemne, nasycone kolory, takie jak granaty, zielenie i głębokie błękity, przełamane intensywnymi akcentami czerwieni i pomarańczu. Centralnym punktem kompozycji jest okrągły, jasny element, przypominający świetlistą poświatę, wokół której znajdują się drobne, nieregularne kształty, nadające całości dynamicznego charakteru.
W strukturze obrazu widoczne są fragmenty „skóry” węża, które dodają nietypowej faktury i organicznego wymiaru, kontrastując z gładkimi przejściami farby olejnej. Kompozycja jest wielowarstwowa, co sprawia, że obraz zyskuje trójwymiarowy charakter, przyciągając uwagę różnorodnością powierzchni i subtelną grą światła.
Autor:
Renata Masłyk
100x80 cm
mixed media na workach jutowych
2024
Warstwa ideowa:
Obraz eksploruje tematy ulotności, tradycji oraz związków między przeszłością a współczesnością. Faktura materiałów oraz wybór przedmiotów codziennego użytku wprowadza refleksję nad kruchością istnienia i przemijaniem.
W czasach szkolnych artystka tańczyła w zespole ludowym, gdzie polki i oberki wypełniały jej codzienność, tętniąc w sercu rytmem tradycji. Choć od lat już nie tańczy, echo tamtych chwil pozostało w jej duszy – jak ulotny taniec, który wybrzmiewa jeszcze długo po zakończeniu melodii. To wspomnienie młodzieńczej pasji i radości przenika jej twórczość, stając się symbolem ulotnej energii życia. W obrazie widać tęsknotę za tamtym rytmem – za prostotą i autentycznością, które współgrają z refleksją nad nieuchronnym przemijaniem.
Warstwa wizualna:
Obraz przedstawia asamblaż, który został wykonany z wykorzystaniem różnych materiałów, w tym worków jutowych i lnianej damskiej koszuli ludowej. Całość utrzymana jest w głębokiej, kontrastowej kolorystyce czerni i czerwieni, z elementami naturalnego beżu.
Tło: Obraz bazuje na dużym fragmencie worka jutowego, który został zamocowany na prostokątnej ramie za pomocą grubych sznurów, co dodaje surowości i trójwymiarowości kompozycji. Na prawej stronie widoczne są naturalne tekstury juty oraz subtelne ślady zacieków lub plam w odcieniach czerni.
Główny element: Centralnym punktem kompozycji jest czarna, lniana, ludowa damska koszula. Koszula jest lekko zmięta, z wyraźnie widocznymi detalami jak marszczenia i delikatny haft, co podkreśla jej organiczny charakter. Jej materiał wydaje się być pokryty ciemną farbą lub substancją, która nadaje jej matowy, ciężki wygląd. Koszula wygląda na "zamkniętą" w przestrzeni obrazu, co sugeruje zamyślenie lub nostalgiczną refleksję.
Tło kolorystyczne: Za koszulą przebija intensywny kolor malinowy, który kontrastuje z czernią i beżem, tworząc wyrazisty akcent i przyciągając uwagę widza.
Dodatki: Użycie grubego lnianego sznurka, którym przymocowano tkaniny, dodaje kompozycji pierwiastka rzemieślniczego, przypominając o rękodzielniczych tradycjach. Surowość i niedoskonałość zamierzonych połączeń materiałów podkreślają autentyczność i emocjonalny charakter dzieła.
Autor:
Renata Masłyk
100x80 cm
mixed media na workach jutowych
2024
Warstwa ideowa:
Obraz eksploruje tematy ulotności, tradycji oraz związków między przeszłością a współczesnością. Faktura materiałów oraz wybór przedmiotów codziennego użytku wprowadza refleksję nad kruchością istnienia i przemijaniem.
W czasach szkolnych artystka tańczyła w zespole ludowym, gdzie polki i oberki wypełniały jej codzienność, tętniąc w sercu rytmem tradycji. Choć od lat już nie tańczy, echo tamtych chwil pozostało w jej duszy – jak ulotny taniec, który wybrzmiewa jeszcze długo po zakończeniu melodii. To wspomnienie młodzieńczej pasji i radości przenika jej twórczość, stając się symbolem ulotnej energii życia. W obrazie widać tęsknotę za tamtym rytmem – za prostotą i autentycznością, które współgrają z refleksją nad nieuchronnym przemijaniem.
Warstwa wizualna:
Obraz przedstawia asamblaż, który został wykonany z wykorzystaniem różnych materiałów, w tym worków jutowych i lnianej damskiej koszuli ludowej. Całość utrzymana jest w głębokiej, kontrastowej kolorystyce czerni i czerwieni, z elementami naturalnego beżu.
Tło: Obraz bazuje na dużym fragmencie worka jutowego, który został zamocowany na prostokątnej ramie za pomocą grubych sznurów, co dodaje surowości i trójwymiarowości kompozycji. Na prawej stronie widoczne są naturalne tekstury juty oraz subtelne ślady zacieków lub plam w odcieniach czerni.
Główny element: Centralnym punktem kompozycji jest czarna, lniana, ludowa damska koszula. Koszula jest lekko zmięta, z wyraźnie widocznymi detalami jak marszczenia i delikatny haft, co podkreśla jej organiczny charakter. Jej materiał wydaje się być pokryty ciemną farbą lub substancją, która nadaje jej matowy, ciężki wygląd. Koszula wygląda na "zamkniętą" w przestrzeni obrazu, co sugeruje zamyślenie lub nostalgiczną refleksję.
Tło kolorystyczne: Za koszulą przebija intensywny kolor malinowy, który kontrastuje z czernią i beżem, tworząc wyrazisty akcent i przyciągając uwagę widza.
Dodatki: Użycie grubego lnianego sznurka, którym przymocowano tkaniny, dodaje kompozycji pierwiastka rzemieślniczego, przypominając o rękodzielniczych tradycjach. Surowość i niedoskonałość zamierzonych połączeń materiałów podkreślają autentyczność i emocjonalny charakter dzieła.
Autor:
Renata Masłyk
100x80 cm
mixed media na workach jutowych
2024
Warstwa ideowa:
Obraz eksploruje tematy ulotności, tradycji oraz związków między przeszłością a współczesnością. Faktura materiałów oraz wybór przedmiotów codziennego użytku wprowadza refleksję nad kruchością istnienia i przemijaniem.
W czasach szkolnych artystka tańczyła w zespole ludowym, gdzie polki i oberki wypełniały jej codzienność, tętniąc w sercu rytmem tradycji. Choć od lat już nie tańczy, echo tamtych chwil pozostało w jej duszy – jak ulotny taniec, który wybrzmiewa jeszcze długo po zakończeniu melodii. To wspomnienie młodzieńczej pasji i radości przenika jej twórczość, stając się symbolem ulotnej energii życia. W obrazie widać tęsknotę za tamtym rytmem – za prostotą i autentycznością, które współgrają z refleksją nad nieuchronnym przemijaniem.
Warstwa wizualna:
Obraz przedstawia asamblaż, który został wykonany z wykorzystaniem różnych materiałów, w tym worków jutowych i lnianej damskiej koszuli ludowej. Całość utrzymana jest w głębokiej, kontrastowej kolorystyce czerni i czerwieni, z elementami naturalnego beżu.
Tło: Obraz bazuje na dużym fragmencie worka jutowego, który został zamocowany na prostokątnej ramie za pomocą grubych sznurów, co dodaje surowości i trójwymiarowości kompozycji. Na prawej stronie widoczne są naturalne tekstury juty oraz subtelne ślady zacieków lub plam w odcieniach czerni.
Główny element: Centralnym punktem kompozycji jest czarna, lniana, ludowa damska koszula. Koszula jest lekko zmięta, z wyraźnie widocznymi detalami jak marszczenia i delikatny haft, co podkreśla jej organiczny charakter. Jej materiał wydaje się być pokryty ciemną farbą lub substancją, która nadaje jej matowy, ciężki wygląd. Koszula wygląda na "zamkniętą" w przestrzeni obrazu, co sugeruje zamyślenie lub nostalgiczną refleksję.
Tło kolorystyczne: Za koszulą przebija intensywny kolor malinowy, który kontrastuje z czernią i beżem, tworząc wyrazisty akcent i przyciągając uwagę widza.
Dodatki: Użycie grubego lnianego sznurka, którym przymocowano tkaniny, dodaje kompozycji pierwiastka rzemieślniczego, przypominając o rękodzielniczych tradycjach. Surowość i niedoskonałość zamierzonych połączeń materiałów podkreślają autentyczność i emocjonalny charakter dzieła.
Autor:
Renata Masłyk
100x80 cm
mixed media na workach jutowych
2024
Warstwa ideowa:
Obraz eksploruje tematy ulotności, tradycji oraz związków między przeszłością a współczesnością. Faktura materiałów oraz wybór przedmiotów codziennego użytku wprowadza refleksję nad kruchością istnienia i przemijaniem.
W czasach szkolnych artystka tańczyła w zespole ludowym, gdzie polki i oberki wypełniały jej codzienność, tętniąc w sercu rytmem tradycji. Choć od lat już nie tańczy, echo tamtych chwil pozostało w jej duszy – jak ulotny taniec, który wybrzmiewa jeszcze długo po zakończeniu melodii. To wspomnienie młodzieńczej pasji i radości przenika jej twórczość, stając się symbolem ulotnej energii życia. W obrazie widać tęsknotę za tamtym rytmem – za prostotą i autentycznością, które współgrają z refleksją nad nieuchronnym przemijaniem.
Warstwa wizualna:
Obraz przedstawia asamblaż, który został wykonany z wykorzystaniem różnych materiałów, w tym worków jutowych i lnianej damskiej koszuli ludowej. Całość utrzymana jest w głębokiej, kontrastowej kolorystyce czerni i czerwieni, z elementami naturalnego beżu.
Tło: Obraz bazuje na dużym fragmencie worka jutowego, który został zamocowany na prostokątnej ramie za pomocą grubych sznurów, co dodaje surowości i trójwymiarowości kompozycji. Na prawej stronie widoczne są naturalne tekstury juty oraz subtelne ślady zacieków lub plam w odcieniach czerni.
Główny element: Centralnym punktem kompozycji jest czarna, lniana, ludowa damska koszula. Koszula jest lekko zmięta, z wyraźnie widocznymi detalami jak marszczenia i delikatny haft, co podkreśla jej organiczny charakter. Jej materiał wydaje się być pokryty ciemną farbą lub substancją, która nadaje jej matowy, ciężki wygląd. Koszula wygląda na "zamkniętą" w przestrzeni obrazu, co sugeruje zamyślenie lub nostalgiczną refleksję.
Tło kolorystyczne: Za koszulą przebija intensywny kolor malinowy, który kontrastuje z czernią i beżem, tworząc wyrazisty akcent i przyciągając uwagę widza.
Dodatki: Użycie grubego lnianego sznurka, którym przymocowano tkaniny, dodaje kompozycji pierwiastka rzemieślniczego, przypominając o rękodzielniczych tradycjach. Surowość i niedoskonałość zamierzonych połączeń materiałów podkreślają autentyczność i emocjonalny charakter dzieła.
Autor:
Renata Masłyk
100x80 cm
mixed media na workach jutowych
2024
Warstwa ideowa:
Obraz eksploruje tematy ulotności, tradycji oraz związków między przeszłością a współczesnością. Faktura materiałów oraz wybór przedmiotów codziennego użytku wprowadza refleksję nad kruchością istnienia i przemijaniem.
W czasach szkolnych artystka tańczyła w zespole ludowym, gdzie polki i oberki wypełniały jej codzienność, tętniąc w sercu rytmem tradycji. Choć od lat już nie tańczy, echo tamtych chwil pozostało w jej duszy – jak ulotny taniec, który wybrzmiewa jeszcze długo po zakończeniu melodii. To wspomnienie młodzieńczej pasji i radości przenika jej twórczość, stając się symbolem ulotnej energii życia. W obrazie widać tęsknotę za tamtym rytmem – za prostotą i autentycznością, które współgrają z refleksją nad nieuchronnym przemijaniem.
Warstwa wizualna:
Obraz przedstawia asamblaż, który został wykonany z wykorzystaniem różnych materiałów, w tym worków jutowych i lnianej damskiej koszuli ludowej. Całość utrzymana jest w głębokiej, kontrastowej kolorystyce czerni i czerwieni, z elementami naturalnego beżu.
Tło: Obraz bazuje na dużym fragmencie worka jutowego, który został zamocowany na prostokątnej ramie za pomocą grubych sznurów, co dodaje surowości i trójwymiarowości kompozycji. Na prawej stronie widoczne są naturalne tekstury juty oraz subtelne ślady zacieków lub plam w odcieniach czerni.
Główny element: Centralnym punktem kompozycji jest czarna, lniana, ludowa damska koszula. Koszula jest lekko zmięta, z wyraźnie widocznymi detalami jak marszczenia i delikatny haft, co podkreśla jej organiczny charakter. Jej materiał wydaje się być pokryty ciemną farbą lub substancją, która nadaje jej matowy, ciężki wygląd. Koszula wygląda na "zamkniętą" w przestrzeni obrazu, co sugeruje zamyślenie lub nostalgiczną refleksję.
Tło kolorystyczne: Za koszulą przebija intensywny kolor malinowy, który kontrastuje z czernią i beżem, tworząc wyrazisty akcent i przyciągając uwagę widza.
Dodatki: Użycie grubego lnianego sznurka, którym przymocowano tkaniny, dodaje kompozycji pierwiastka rzemieślniczego, przypominając o rękodzielniczych tradycjach. Surowość i niedoskonałość zamierzonych połączeń materiałów podkreślają autentyczność i emocjonalny charakter dzieła.
Autor:
Renata Masłyk
100x80 cm
mixed media na workach jutowych
2024
Warstwa ideowa:
Obraz eksploruje tematy ulotności, tradycji oraz związków między przeszłością a współczesnością. Faktura materiałów oraz wybór przedmiotów codziennego użytku wprowadza refleksję nad kruchością istnienia i przemijaniem.
W czasach szkolnych artystka tańczyła w zespole ludowym, gdzie polki i oberki wypełniały jej codzienność, tętniąc w sercu rytmem tradycji. Choć od lat już nie tańczy, echo tamtych chwil pozostało w jej duszy – jak ulotny taniec, który wybrzmiewa jeszcze długo po zakończeniu melodii. To wspomnienie młodzieńczej pasji i radości przenika jej twórczość, stając się symbolem ulotnej energii życia. W obrazie widać tęsknotę za tamtym rytmem – za prostotą i autentycznością, które współgrają z refleksją nad nieuchronnym przemijaniem.
Warstwa wizualna:
Obraz przedstawia asamblaż, który został wykonany z wykorzystaniem różnych materiałów, w tym worków jutowych i lnianej damskiej koszuli ludowej. Całość utrzymana jest w głębokiej, kontrastowej kolorystyce czerni i czerwieni, z elementami naturalnego beżu.
Tło: Obraz bazuje na dużym fragmencie worka jutowego, który został zamocowany na prostokątnej ramie za pomocą grubych sznurów, co dodaje surowości i trójwymiarowości kompozycji. Na prawej stronie widoczne są naturalne tekstury juty oraz subtelne ślady zacieków lub plam w odcieniach czerni.
Główny element: Centralnym punktem kompozycji jest czarna, lniana, ludowa damska koszula. Koszula jest lekko zmięta, z wyraźnie widocznymi detalami jak marszczenia i delikatny haft, co podkreśla jej organiczny charakter. Jej materiał wydaje się być pokryty ciemną farbą lub substancją, która nadaje jej matowy, ciężki wygląd. Koszula wygląda na "zamkniętą" w przestrzeni obrazu, co sugeruje zamyślenie lub nostalgiczną refleksję.
Tło kolorystyczne: Za koszulą przebija intensywny kolor malinowy, który kontrastuje z czernią i beżem, tworząc wyrazisty akcent i przyciągając uwagę widza.
Dodatki: Użycie grubego lnianego sznurka, którym przymocowano tkaniny, dodaje kompozycji pierwiastka rzemieślniczego, przypominając o rękodzielniczych tradycjach. Surowość i niedoskonałość zamierzonych połączeń materiałów podkreślają autentyczność i emocjonalny charakter dzieła.
I MIEJSCE
Autor: Agata GERMAIN, Daniel HADDOCK
40 cm x 40 cm
asamblaż, witraż Tiffany
2024 r.
Asamblaż wspomnień stworzony z lustra porzuconego na ulicy i ramki na zdjęcia znalezionej na strychu. Oba te przedmioty
widziały tok ludzkiego życia z unikalnych perspektyw: przechowywania minionej chwili i pokazywania teraźniejszej. Praca
jest nawiązaniem do kompozycji rodzinnej galerii ściennej, przy czym skłania do refleksji na temat naszej przeszłości i ról,
jakie przybieramy.
Asamblaż składa się z fragmentów lustra i czerwonego szkła, które zostały zestawione w geometryczną kompozycję. Centralnym elementem pracy jest drewniana, prostokątna ramka na zdjęcia w ciepłym odcieniu brązu, umieszczona w pionie, przecinająca pas intensywnie czerwonego szkła o fakturze przypominającej lekko tłoczoną powierzchnię.
Tło kompozycji tworzą lustrzane fragmenty ułożone w formie rombów, które nakładają się na siebie, tworząc wielowymiarową strukturę. Lustra odbijają otoczenie, wprowadzając wrażenie ruchu i zmienności w zależności od perspektywy widza. Praca łączy surowość odbitych lustrzanych powierzchni z ciepłem naturalnego drewna i intensywnością czerwieni, tworząc harmonijną, ale dynamiczną całość.
I MIEJSCE
Autor: Agata GERMAIN, Daniel HADDOCK
40 cm x 40 cm
asamblaż, witraż Tiffany
2024 r.
Asamblaż wspomnień stworzony z lustra porzuconego na ulicy i ramki na zdjęcia znalezionej na strychu. Oba te przedmioty
widziały tok ludzkiego życia z unikalnych perspektyw: przechowywania minionej chwili i pokazywania teraźniejszej. Praca
jest nawiązaniem do kompozycji rodzinnej galerii ściennej, przy czym skłania do refleksji na temat naszej przeszłości i ról,
jakie przybieramy.
Asamblaż składa się z fragmentów lustra i czerwonego szkła, które zostały zestawione w geometryczną kompozycję. Centralnym elementem pracy jest drewniana, prostokątna ramka na zdjęcia w ciepłym odcieniu brązu, umieszczona w pionie, przecinająca pas intensywnie czerwonego szkła o fakturze przypominającej lekko tłoczoną powierzchnię.
Tło kompozycji tworzą lustrzane fragmenty ułożone w formie rombów, które nakładają się na siebie, tworząc wielowymiarową strukturę. Lustra odbijają otoczenie, wprowadzając wrażenie ruchu i zmienności w zależności od perspektywy widza. Praca łączy surowość odbitych lustrzanych powierzchni z ciepłem naturalnego drewna i intensywnością czerwieni, tworząc harmonijną, ale dynamiczną całość.
I MIEJSCE
Autor: Agata GERMAIN, Daniel HADDOCK
40 cm x 40 cm
asamblaż, witraż Tiffany
2024 r.
Asamblaż wspomnień stworzony z lustra porzuconego na ulicy i ramki na zdjęcia znalezionej na strychu. Oba te przedmioty
widziały tok ludzkiego życia z unikalnych perspektyw: przechowywania minionej chwili i pokazywania teraźniejszej. Praca
jest nawiązaniem do kompozycji rodzinnej galerii ściennej, przy czym skłania do refleksji na temat naszej przeszłości i ról,
jakie przybieramy.
Asamblaż składa się z fragmentów lustra i czerwonego szkła, które zostały zestawione w geometryczną kompozycję. Centralnym elementem pracy jest drewniana, prostokątna ramka na zdjęcia w ciepłym odcieniu brązu, umieszczona w pionie, przecinająca pas intensywnie czerwonego szkła o fakturze przypominającej lekko tłoczoną powierzchnię.
Tło kompozycji tworzą lustrzane fragmenty ułożone w formie rombów, które nakładają się na siebie, tworząc wielowymiarową strukturę. Lustra odbijają otoczenie, wprowadzając wrażenie ruchu i zmienności w zależności od perspektywy widza. Praca łączy surowość odbitych lustrzanych powierzchni z ciepłem naturalnego drewna i intensywnością czerwieni, tworząc harmonijną, ale dynamiczną całość.
I MIEJSCE
Autor: Agata GERMAIN, Daniel HADDOCK
40 cm x 40 cm
asamblaż, witraż Tiffany
2024 r.
Asamblaż wspomnień stworzony z lustra porzuconego na ulicy i ramki na zdjęcia znalezionej na strychu. Oba te przedmioty
widziały tok ludzkiego życia z unikalnych perspektyw: przechowywania minionej chwili i pokazywania teraźniejszej. Praca
jest nawiązaniem do kompozycji rodzinnej galerii ściennej, przy czym skłania do refleksji na temat naszej przeszłości i ról,
jakie przybieramy.
Asamblaż składa się z fragmentów lustra i czerwonego szkła, które zostały zestawione w geometryczną kompozycję. Centralnym elementem pracy jest drewniana, prostokątna ramka na zdjęcia w ciepłym odcieniu brązu, umieszczona w pionie, przecinająca pas intensywnie czerwonego szkła o fakturze przypominającej lekko tłoczoną powierzchnię.
Tło kompozycji tworzą lustrzane fragmenty ułożone w formie rombów, które nakładają się na siebie, tworząc wielowymiarową strukturę. Lustra odbijają otoczenie, wprowadzając wrażenie ruchu i zmienności w zależności od perspektywy widza. Praca łączy surowość odbitych lustrzanych powierzchni z ciepłem naturalnego drewna i intensywnością czerwieni, tworząc harmonijną, ale dynamiczną całość.
I MIEJSCE
Autor: Agata GERMAIN, Daniel HADDOCK
40 cm x 40 cm
asamblaż, witraż Tiffany
2024 r.
Asamblaż wspomnień stworzony z lustra porzuconego na ulicy i ramki na zdjęcia znalezionej na strychu. Oba te przedmioty
widziały tok ludzkiego życia z unikalnych perspektyw: przechowywania minionej chwili i pokazywania teraźniejszej. Praca
jest nawiązaniem do kompozycji rodzinnej galerii ściennej, przy czym skłania do refleksji na temat naszej przeszłości i ról,
jakie przybieramy.
Asamblaż składa się z fragmentów lustra i czerwonego szkła, które zostały zestawione w geometryczną kompozycję. Centralnym elementem pracy jest drewniana, prostokątna ramka na zdjęcia w ciepłym odcieniu brązu, umieszczona w pionie, przecinająca pas intensywnie czerwonego szkła o fakturze przypominającej lekko tłoczoną powierzchnię.
Tło kompozycji tworzą lustrzane fragmenty ułożone w formie rombów, które nakładają się na siebie, tworząc wielowymiarową strukturę. Lustra odbijają otoczenie, wprowadzając wrażenie ruchu i zmienności w zależności od perspektywy widza. Praca łączy surowość odbitych lustrzanych powierzchni z ciepłem naturalnego drewna i intensywnością czerwieni, tworząc harmonijną, ale dynamiczną całość.
I MIEJSCE
Autor: Agata GERMAIN, Daniel HADDOCK
40 cm x 40 cm
asamblaż, witraż Tiffany
2024 r.
Asamblaż wspomnień stworzony z lustra porzuconego na ulicy i ramki na zdjęcia znalezionej na strychu. Oba te przedmioty
widziały tok ludzkiego życia z unikalnych perspektyw: przechowywania minionej chwili i pokazywania teraźniejszej. Praca
jest nawiązaniem do kompozycji rodzinnej galerii ściennej, przy czym skłania do refleksji na temat naszej przeszłości i ról,
jakie przybieramy.
Asamblaż składa się z fragmentów lustra i czerwonego szkła, które zostały zestawione w geometryczną kompozycję. Centralnym elementem pracy jest drewniana, prostokątna ramka na zdjęcia w ciepłym odcieniu brązu, umieszczona w pionie, przecinająca pas intensywnie czerwonego szkła o fakturze przypominającej lekko tłoczoną powierzchnię.
Tło kompozycji tworzą lustrzane fragmenty ułożone w formie rombów, które nakładają się na siebie, tworząc wielowymiarową strukturę. Lustra odbijają otoczenie, wprowadzając wrażenie ruchu i zmienności w zależności od perspektywy widza. Praca łączy surowość odbitych lustrzanych powierzchni z ciepłem naturalnego drewna i intensywnością czerwieni, tworząc harmonijną, ale dynamiczną całość.
I MIEJSCE
Autor: Agata GERMAIN, Daniel HADDOCK
40 cm x 40 cm
asamblaż, witraż Tiffany
2024 r.
Asamblaż wspomnień stworzony z lustra porzuconego na ulicy i ramki na zdjęcia znalezionej na strychu. Oba te przedmioty
widziały tok ludzkiego życia z unikalnych perspektyw: przechowywania minionej chwili i pokazywania teraźniejszej. Praca
jest nawiązaniem do kompozycji rodzinnej galerii ściennej, przy czym skłania do refleksji na temat naszej przeszłości i ról,
jakie przybieramy.
Asamblaż składa się z fragmentów lustra i czerwonego szkła, które zostały zestawione w geometryczną kompozycję. Centralnym elementem pracy jest drewniana, prostokątna ramka na zdjęcia w ciepłym odcieniu brązu, umieszczona w pionie, przecinająca pas intensywnie czerwonego szkła o fakturze przypominającej lekko tłoczoną powierzchnię.
Tło kompozycji tworzą lustrzane fragmenty ułożone w formie rombów, które nakładają się na siebie, tworząc wielowymiarową strukturę. Lustra odbijają otoczenie, wprowadzając wrażenie ruchu i zmienności w zależności od perspektywy widza. Praca łączy surowość odbitych lustrzanych powierzchni z ciepłem naturalnego drewna i intensywnością czerwieni, tworząc harmonijną, ale dynamiczną całość.
II MIEJSCE
Autor: Julia LIS
90 cm x 50 cm
technika własna, papier czarpany
2024 r.
Praca odnosi sie do szeroko rozumianego piękna natury. Została zrobiona przy wykorzystaniu wyłącznie naturalnych
materiałów (papier z recyklingu, własnoręcznie przygotowany klej z mąki oraz woda). Łączy w sobie technikę papieru
czerpanego z opracowaną metodą modelowania papieru, która umożliwiła uzyskanie ażurowego kształtu już w momencie
nakładania papieru na sito. Praca, poza swoją warstwą przedstawieniową, którą jest muszla, jest pewnego rodzaju grą
światła i cienia. Wychodzi w przestrzeń i za pomocą swojej formy, tworzy rysunek licznych linii w przestrzeni.
Praca przedstawia ażurowy kształt przypominający muszlę, wykonany z papieru o nieregularnej fakturze. Całość utrzymana jest w jasnych, neutralnych tonach bieli, które kontrastują z ciemnym, matowym tłem, eksponując detale kompozycji. Delikatne, cienkie linie układają się w skomplikowaną, geometryczno-organiczną strukturę, tworząc dynamiczny układ przypominający sieć.
Praca jest trójwymiarowa – wypukłości i wgłębienia nadają jej przestrzenności, a cieniowanie generowane przez światło i cień dodatkowo wzmacnia ten efekt. Krawędzie są nieregularne, ale płynne, co podkreśla organiczny charakter kompozycji. Ażurowe otwory sprawiają, że obiekt wydaje się lekki i subtelny, a jego struktura tworzy interesującą grę światła i cienia na tle.
II MIEJSCE
Autor: Julia LIS
90 cm x 50 cm
technika własna, papier czarpany
2024 r.
Praca odnosi sie do szeroko rozumianego piękna natury. Została zrobiona przy wykorzystaniu wyłącznie naturalnych
materiałów (papier z recyklingu, własnoręcznie przygotowany klej z mąki oraz woda). Łączy w sobie technikę papieru
czerpanego z opracowaną metodą modelowania papieru, która umożliwiła uzyskanie ażurowego kształtu już w momencie
nakładania papieru na sito. Praca, poza swoją warstwą przedstawieniową, którą jest muszla, jest pewnego rodzaju grą
światła i cienia. Wychodzi w przestrzeń i za pomocą swojej formy, tworzy rysunek licznych linii w przestrzeni.
Praca przedstawia ażurowy kształt przypominający muszlę, wykonany z papieru o nieregularnej fakturze. Całość utrzymana jest w jasnych, neutralnych tonach bieli, które kontrastują z ciemnym, matowym tłem, eksponując detale kompozycji. Delikatne, cienkie linie układają się w skomplikowaną, geometryczno-organiczną strukturę, tworząc dynamiczny układ przypominający sieć.
Praca jest trójwymiarowa – wypukłości i wgłębienia nadają jej przestrzenności, a cieniowanie generowane przez światło i cień dodatkowo wzmacnia ten efekt. Krawędzie są nieregularne, ale płynne, co podkreśla organiczny charakter kompozycji. Ażurowe otwory sprawiają, że obiekt wydaje się lekki i subtelny, a jego struktura tworzy interesującą grę światła i cienia na tle.
II MIEJSCE
Autor: Julia LIS
90 cm x 50 cm
technika własna, papier czarpany
2024 r.
Praca odnosi sie do szeroko rozumianego piękna natury. Została zrobiona przy wykorzystaniu wyłącznie naturalnych
materiałów (papier z recyklingu, własnoręcznie przygotowany klej z mąki oraz woda). Łączy w sobie technikę papieru
czerpanego z opracowaną metodą modelowania papieru, która umożliwiła uzyskanie ażurowego kształtu już w momencie
nakładania papieru na sito. Praca, poza swoją warstwą przedstawieniową, którą jest muszla, jest pewnego rodzaju grą
światła i cienia. Wychodzi w przestrzeń i za pomocą swojej formy, tworzy rysunek licznych linii w przestrzeni.
Praca przedstawia ażurowy kształt przypominający muszlę, wykonany z papieru o nieregularnej fakturze. Całość utrzymana jest w jasnych, neutralnych tonach bieli, które kontrastują z ciemnym, matowym tłem, eksponując detale kompozycji. Delikatne, cienkie linie układają się w skomplikowaną, geometryczno-organiczną strukturę, tworząc dynamiczny układ przypominający sieć.
Praca jest trójwymiarowa – wypukłości i wgłębienia nadają jej przestrzenności, a cieniowanie generowane przez światło i cień dodatkowo wzmacnia ten efekt. Krawędzie są nieregularne, ale płynne, co podkreśla organiczny charakter kompozycji. Ażurowe otwory sprawiają, że obiekt wydaje się lekki i subtelny, a jego struktura tworzy interesującą grę światła i cienia na tle.
II MIEJSCE
Autor: Julia LIS
90 cm x 50 cm
technika własna, papier czarpany
2024 r.
Praca odnosi sie do szeroko rozumianego piękna natury. Została zrobiona przy wykorzystaniu wyłącznie naturalnych
materiałów (papier z recyklingu, własnoręcznie przygotowany klej z mąki oraz woda). Łączy w sobie technikę papieru
czerpanego z opracowaną metodą modelowania papieru, która umożliwiła uzyskanie ażurowego kształtu już w momencie
nakładania papieru na sito. Praca, poza swoją warstwą przedstawieniową, którą jest muszla, jest pewnego rodzaju grą
światła i cienia. Wychodzi w przestrzeń i za pomocą swojej formy, tworzy rysunek licznych linii w przestrzeni.
Praca przedstawia ażurowy kształt przypominający muszlę, wykonany z papieru o nieregularnej fakturze. Całość utrzymana jest w jasnych, neutralnych tonach bieli, które kontrastują z ciemnym, matowym tłem, eksponując detale kompozycji. Delikatne, cienkie linie układają się w skomplikowaną, geometryczno-organiczną strukturę, tworząc dynamiczny układ przypominający sieć.
Praca jest trójwymiarowa – wypukłości i wgłębienia nadają jej przestrzenności, a cieniowanie generowane przez światło i cień dodatkowo wzmacnia ten efekt. Krawędzie są nieregularne, ale płynne, co podkreśla organiczny charakter kompozycji. Ażurowe otwory sprawiają, że obiekt wydaje się lekki i subtelny, a jego struktura tworzy interesującą grę światła i cienia na tle.
II MIEJSCE
Autor: Julia LIS
90 cm x 50 cm
technika własna, papier czarpany
2024 r.
Praca odnosi sie do szeroko rozumianego piękna natury. Została zrobiona przy wykorzystaniu wyłącznie naturalnych
materiałów (papier z recyklingu, własnoręcznie przygotowany klej z mąki oraz woda). Łączy w sobie technikę papieru
czerpanego z opracowaną metodą modelowania papieru, która umożliwiła uzyskanie ażurowego kształtu już w momencie
nakładania papieru na sito. Praca, poza swoją warstwą przedstawieniową, którą jest muszla, jest pewnego rodzaju grą
światła i cienia. Wychodzi w przestrzeń i za pomocą swojej formy, tworzy rysunek licznych linii w przestrzeni.
Praca przedstawia ażurowy kształt przypominający muszlę, wykonany z papieru o nieregularnej fakturze. Całość utrzymana jest w jasnych, neutralnych tonach bieli, które kontrastują z ciemnym, matowym tłem, eksponując detale kompozycji. Delikatne, cienkie linie układają się w skomplikowaną, geometryczno-organiczną strukturę, tworząc dynamiczny układ przypominający sieć.
Praca jest trójwymiarowa – wypukłości i wgłębienia nadają jej przestrzenności, a cieniowanie generowane przez światło i cień dodatkowo wzmacnia ten efekt. Krawędzie są nieregularne, ale płynne, co podkreśla organiczny charakter kompozycji. Ażurowe otwory sprawiają, że obiekt wydaje się lekki i subtelny, a jego struktura tworzy interesującą grę światła i cienia na tle.
II MIEJSCE
Autor: Julia LIS
90 cm x 50 cm
technika własna, papier czarpany
2024 r.
Praca odnosi sie do szeroko rozumianego piękna natury. Została zrobiona przy wykorzystaniu wyłącznie naturalnych
materiałów (papier z recyklingu, własnoręcznie przygotowany klej z mąki oraz woda). Łączy w sobie technikę papieru
czerpanego z opracowaną metodą modelowania papieru, która umożliwiła uzyskanie ażurowego kształtu już w momencie
nakładania papieru na sito. Praca, poza swoją warstwą przedstawieniową, którą jest muszla, jest pewnego rodzaju grą
światła i cienia. Wychodzi w przestrzeń i za pomocą swojej formy, tworzy rysunek licznych linii w przestrzeni.
Praca przedstawia ażurowy kształt przypominający muszlę, wykonany z papieru o nieregularnej fakturze. Całość utrzymana jest w jasnych, neutralnych tonach bieli, które kontrastują z ciemnym, matowym tłem, eksponując detale kompozycji. Delikatne, cienkie linie układają się w skomplikowaną, geometryczno-organiczną strukturę, tworząc dynamiczny układ przypominający sieć.
Praca jest trójwymiarowa – wypukłości i wgłębienia nadają jej przestrzenności, a cieniowanie generowane przez światło i cień dodatkowo wzmacnia ten efekt. Krawędzie są nieregularne, ale płynne, co podkreśla organiczny charakter kompozycji. Ażurowe otwory sprawiają, że obiekt wydaje się lekki i subtelny, a jego struktura tworzy interesującą grę światła i cienia na tle.
II MIEJSCE
Autor: Julia LIS
90 cm x 50 cm
technika własna, papier czarpany
2024 r.
Praca odnosi sie do szeroko rozumianego piękna natury. Została zrobiona przy wykorzystaniu wyłącznie naturalnych
materiałów (papier z recyklingu, własnoręcznie przygotowany klej z mąki oraz woda). Łączy w sobie technikę papieru
czerpanego z opracowaną metodą modelowania papieru, która umożliwiła uzyskanie ażurowego kształtu już w momencie
nakładania papieru na sito. Praca, poza swoją warstwą przedstawieniową, którą jest muszla, jest pewnego rodzaju grą
światła i cienia. Wychodzi w przestrzeń i za pomocą swojej formy, tworzy rysunek licznych linii w przestrzeni.
Praca przedstawia ażurowy kształt przypominający muszlę, wykonany z papieru o nieregularnej fakturze. Całość utrzymana jest w jasnych, neutralnych tonach bieli, które kontrastują z ciemnym, matowym tłem, eksponując detale kompozycji. Delikatne, cienkie linie układają się w skomplikowaną, geometryczno-organiczną strukturę, tworząc dynamiczny układ przypominający sieć.
Praca jest trójwymiarowa – wypukłości i wgłębienia nadają jej przestrzenności, a cieniowanie generowane przez światło i cień dodatkowo wzmacnia ten efekt. Krawędzie są nieregularne, ale płynne, co podkreśla organiczny charakter kompozycji. Ażurowe otwory sprawiają, że obiekt wydaje się lekki i subtelny, a jego struktura tworzy interesującą grę światła i cienia na tle.
III MIEJSCE
Autor: Magdalena JANKISZ
100 cm x 70 cm
technika mieszana - plastik, metal, farba olejna
2024 r.
Praca stworzona z płyt CD i metalowych podkładek pokrytych farbami olejnymi. Niektóre z płyt, pierwotnie błyszczące,
tworzą świetliste refleksy, które zmieniają się w zależności od kąta patrzenia, niczym migotliwe wspomnienia. Kolory
kontrastują, budując dynamiczną kompozycję. Odsłonięte powierzchnie płyt dają wrażenie okien do przeszłości, rozmytych
i zdeformowanych przez czas. Praca zaprasza do refleksji nad trwałością i ulotnością wspomnień.
Praca składa się z geometrycznej kompozycji utworzonej z płyt CD oraz metalowych podkładek, rozmieszczonych na czarnym tle. Płyty są ułożone w regularny układ, naprzemiennie z okręgami pokrytymi farbami olejnymi w intensywnych kolorach czerwieni i żółci. Ich lustrzane powierzchnie odbijają światło, tworząc różnokolorowe refleksy, które zmieniają się w zależności od kąta patrzenia.
Kompozycja cechuje się wyrazistą strukturą – każda płyta i okrąg są otoczone metalowymi podkładkami, które dodają pracy detali i wzmacniają kontrast między błyszczącymi, holograficznymi powierzchniami a matowymi kolorowymi fragmentami. Powtarzający się wzór oraz zróżnicowane materiały wprowadzają rytmiczność i dynamiczny charakter. Czarna baza tła dodatkowo podkreśla intensywność kolorów i świetlistość płyt CD.
III MIEJSCE
Autor: Magdalena JANKISZ
100 cm x 70 cm
technika mieszana - plastik, metal, farba olejna
2024 r.
Praca stworzona z płyt CD i metalowych podkładek pokrytych farbami olejnymi. Niektóre z płyt, pierwotnie błyszczące,
tworzą świetliste refleksy, które zmieniają się w zależności od kąta patrzenia, niczym migotliwe wspomnienia. Kolory
kontrastują, budując dynamiczną kompozycję. Odsłonięte powierzchnie płyt dają wrażenie okien do przeszłości, rozmytych
i zdeformowanych przez czas. Praca zaprasza do refleksji nad trwałością i ulotnością wspomnień.
Praca składa się z geometrycznej kompozycji utworzonej z płyt CD oraz metalowych podkładek, rozmieszczonych na czarnym tle. Płyty są ułożone w regularny układ, naprzemiennie z okręgami pokrytymi farbami olejnymi w intensywnych kolorach czerwieni i żółci. Ich lustrzane powierzchnie odbijają światło, tworząc różnokolorowe refleksy, które zmieniają się w zależności od kąta patrzenia.
Kompozycja cechuje się wyrazistą strukturą – każda płyta i okrąg są otoczone metalowymi podkładkami, które dodają pracy detali i wzmacniają kontrast między błyszczącymi, holograficznymi powierzchniami a matowymi kolorowymi fragmentami. Powtarzający się wzór oraz zróżnicowane materiały wprowadzają rytmiczność i dynamiczny charakter. Czarna baza tła dodatkowo podkreśla intensywność kolorów i świetlistość płyt CD.
III MIEJSCE
Autor: Magdalena JANKISZ
100 cm x 70 cm
technika mieszana - plastik, metal, farba olejna
2024 r.
Praca stworzona z płyt CD i metalowych podkładek pokrytych farbami olejnymi. Niektóre z płyt, pierwotnie błyszczące,
tworzą świetliste refleksy, które zmieniają się w zależności od kąta patrzenia, niczym migotliwe wspomnienia. Kolory
kontrastują, budując dynamiczną kompozycję. Odsłonięte powierzchnie płyt dają wrażenie okien do przeszłości, rozmytych
i zdeformowanych przez czas. Praca zaprasza do refleksji nad trwałością i ulotnością wspomnień.
Praca składa się z geometrycznej kompozycji utworzonej z płyt CD oraz metalowych podkładek, rozmieszczonych na czarnym tle. Płyty są ułożone w regularny układ, naprzemiennie z okręgami pokrytymi farbami olejnymi w intensywnych kolorach czerwieni i żółci. Ich lustrzane powierzchnie odbijają światło, tworząc różnokolorowe refleksy, które zmieniają się w zależności od kąta patrzenia.
Kompozycja cechuje się wyrazistą strukturą – każda płyta i okrąg są otoczone metalowymi podkładkami, które dodają pracy detali i wzmacniają kontrast między błyszczącymi, holograficznymi powierzchniami a matowymi kolorowymi fragmentami. Powtarzający się wzór oraz zróżnicowane materiały wprowadzają rytmiczność i dynamiczny charakter. Czarna baza tła dodatkowo podkreśla intensywność kolorów i świetlistość płyt CD.
III MIEJSCE
Autor: Magdalena JANKISZ
100 cm x 70 cm
technika mieszana - plastik, metal, farba olejna
2024 r.
Praca stworzona z płyt CD i metalowych podkładek pokrytych farbami olejnymi. Niektóre z płyt, pierwotnie błyszczące,
tworzą świetliste refleksy, które zmieniają się w zależności od kąta patrzenia, niczym migotliwe wspomnienia. Kolory
kontrastują, budując dynamiczną kompozycję. Odsłonięte powierzchnie płyt dają wrażenie okien do przeszłości, rozmytych
i zdeformowanych przez czas. Praca zaprasza do refleksji nad trwałością i ulotnością wspomnień.
Praca składa się z geometrycznej kompozycji utworzonej z płyt CD oraz metalowych podkładek, rozmieszczonych na czarnym tle. Płyty są ułożone w regularny układ, naprzemiennie z okręgami pokrytymi farbami olejnymi w intensywnych kolorach czerwieni i żółci. Ich lustrzane powierzchnie odbijają światło, tworząc różnokolorowe refleksy, które zmieniają się w zależności od kąta patrzenia.
Kompozycja cechuje się wyrazistą strukturą – każda płyta i okrąg są otoczone metalowymi podkładkami, które dodają pracy detali i wzmacniają kontrast między błyszczącymi, holograficznymi powierzchniami a matowymi kolorowymi fragmentami. Powtarzający się wzór oraz zróżnicowane materiały wprowadzają rytmiczność i dynamiczny charakter. Czarna baza tła dodatkowo podkreśla intensywność kolorów i świetlistość płyt CD.
III MIEJSCE
Autor: Magdalena JANKISZ
100 cm x 70 cm
technika mieszana - plastik, metal, farba olejna
2024 r.
Praca stworzona z płyt CD i metalowych podkładek pokrytych farbami olejnymi. Niektóre z płyt, pierwotnie błyszczące,
tworzą świetliste refleksy, które zmieniają się w zależności od kąta patrzenia, niczym migotliwe wspomnienia. Kolory
kontrastują, budując dynamiczną kompozycję. Odsłonięte powierzchnie płyt dają wrażenie okien do przeszłości, rozmytych
i zdeformowanych przez czas. Praca zaprasza do refleksji nad trwałością i ulotnością wspomnień.
Praca składa się z geometrycznej kompozycji utworzonej z płyt CD oraz metalowych podkładek, rozmieszczonych na czarnym tle. Płyty są ułożone w regularny układ, naprzemiennie z okręgami pokrytymi farbami olejnymi w intensywnych kolorach czerwieni i żółci. Ich lustrzane powierzchnie odbijają światło, tworząc różnokolorowe refleksy, które zmieniają się w zależności od kąta patrzenia.
Kompozycja cechuje się wyrazistą strukturą – każda płyta i okrąg są otoczone metalowymi podkładkami, które dodają pracy detali i wzmacniają kontrast między błyszczącymi, holograficznymi powierzchniami a matowymi kolorowymi fragmentami. Powtarzający się wzór oraz zróżnicowane materiały wprowadzają rytmiczność i dynamiczny charakter. Czarna baza tła dodatkowo podkreśla intensywność kolorów i świetlistość płyt CD.
III MIEJSCE
Autor: Magdalena JANKISZ
100 cm x 70 cm
technika mieszana - plastik, metal, farba olejna
2024 r.
Praca stworzona z płyt CD i metalowych podkładek pokrytych farbami olejnymi. Niektóre z płyt, pierwotnie błyszczące,
tworzą świetliste refleksy, które zmieniają się w zależności od kąta patrzenia, niczym migotliwe wspomnienia. Kolory
kontrastują, budując dynamiczną kompozycję. Odsłonięte powierzchnie płyt dają wrażenie okien do przeszłości, rozmytych
i zdeformowanych przez czas. Praca zaprasza do refleksji nad trwałością i ulotnością wspomnień.
Praca składa się z geometrycznej kompozycji utworzonej z płyt CD oraz metalowych podkładek, rozmieszczonych na czarnym tle. Płyty są ułożone w regularny układ, naprzemiennie z okręgami pokrytymi farbami olejnymi w intensywnych kolorach czerwieni i żółci. Ich lustrzane powierzchnie odbijają światło, tworząc różnokolorowe refleksy, które zmieniają się w zależności od kąta patrzenia.
Kompozycja cechuje się wyrazistą strukturą – każda płyta i okrąg są otoczone metalowymi podkładkami, które dodają pracy detali i wzmacniają kontrast między błyszczącymi, holograficznymi powierzchniami a matowymi kolorowymi fragmentami. Powtarzający się wzór oraz zróżnicowane materiały wprowadzają rytmiczność i dynamiczny charakter. Czarna baza tła dodatkowo podkreśla intensywność kolorów i świetlistość płyt CD.
NAGRODA SPECJALNA
Autor: Paweł OLEARKA
cykl prac
technika własna
2024 r.
Obrazy abstrakcyjne powstają z elementów, takich jak taśma, pleksi i stary spray, w duchu recyklingu. Każdy materiał wnosi
unikalny charakter, tworząc złożone kompozycje, które zapraszają widza do odkrywania ukrytych znaczeń. Taśma nadaje
strukturę, pleksi wprowadza grę światła i cienia, a stary spray dodaje nieprzewidywalności, przywołując wspomnienia
przeszłości. Z tych elementów wyłaniają się postaci z mroku, tańczące w przestrzeni. Prace eksplorują granice między
rzeczywistością a fantazją, angażując emocje i wyobraźnię, promując jednocześnie ideę recyklingu w sztuce.
Kompozycje utrzymane w czarno-białej tonacji charakteryzują się subtelnością i lekką transparentnością. Prace składają się z dynamicznie ułożonych elementów, takich jak cienka taśma, fragmenty pleksi oraz efekty powstałe dzięki zastosowaniu sprayu. Każdy z materiałów wprowadza unikalny efekt wizualny – taśma tworzy strukturalne linie i ruch, pleksi dodaje delikatnych refleksów i przejrzystości, a spray generuje rozproszone faktury, które nadają kompozycjom głębię.
Postaci, które zdają się wyłaniać z ciemnego tła, przypominają eteryczne sylwetki unoszące się w przestrzeni. Kompozycje są minimalistyczne, lecz pełne detali, które ujawniają się przy bliższym oglądaniu. Gra światła i cienia potęguje wrażenie trójwymiarowości, a różnorodność faktur tworzy kontrast między gładkimi powierzchniami a matowymi partiami. Całość przywodzi na myśl ruch i lekkość, zachęcając do refleksji nad materialnością i ulotnością.
NAGRODA SPECJALNA
Autor: Paweł OLEARKA
cykl prac
technika własna
2024 r.
Obrazy abstrakcyjne powstają z elementów, takich jak taśma, pleksi i stary spray, w duchu recyklingu. Każdy materiał wnosi
unikalny charakter, tworząc złożone kompozycje, które zapraszają widza do odkrywania ukrytych znaczeń. Taśma nadaje
strukturę, pleksi wprowadza grę światła i cienia, a stary spray dodaje nieprzewidywalności, przywołując wspomnienia
przeszłości. Z tych elementów wyłaniają się postaci z mroku, tańczące w przestrzeni. Prace eksplorują granice między
rzeczywistością a fantazją, angażując emocje i wyobraźnię, promując jednocześnie ideę recyklingu w sztuce.
Kompozycje utrzymane w czarno-białej tonacji charakteryzują się subtelnością i lekką transparentnością. Prace składają się z dynamicznie ułożonych elementów, takich jak cienka taśma, fragmenty pleksi oraz efekty powstałe dzięki zastosowaniu sprayu. Każdy z materiałów wprowadza unikalny efekt wizualny – taśma tworzy strukturalne linie i ruch, pleksi dodaje delikatnych refleksów i przejrzystości, a spray generuje rozproszone faktury, które nadają kompozycjom głębię.
Postaci, które zdają się wyłaniać z ciemnego tła, przypominają eteryczne sylwetki unoszące się w przestrzeni. Kompozycje są minimalistyczne, lecz pełne detali, które ujawniają się przy bliższym oglądaniu. Gra światła i cienia potęguje wrażenie trójwymiarowości, a różnorodność faktur tworzy kontrast między gładkimi powierzchniami a matowymi partiami. Całość przywodzi na myśl ruch i lekkość, zachęcając do refleksji nad materialnością i ulotnością.
NAGRODA SPECJALNA
Autor: Paweł OLEARKA
cykl prac
technika własna
2024 r.
Obrazy abstrakcyjne powstają z elementów, takich jak taśma, pleksi i stary spray, w duchu recyklingu. Każdy materiał wnosi
unikalny charakter, tworząc złożone kompozycje, które zapraszają widza do odkrywania ukrytych znaczeń. Taśma nadaje
strukturę, pleksi wprowadza grę światła i cienia, a stary spray dodaje nieprzewidywalności, przywołując wspomnienia
przeszłości. Z tych elementów wyłaniają się postaci z mroku, tańczące w przestrzeni. Prace eksplorują granice między
rzeczywistością a fantazją, angażując emocje i wyobraźnię, promując jednocześnie ideę recyklingu w sztuce.
Kompozycje utrzymane w czarno-białej tonacji charakteryzują się subtelnością i lekką transparentnością. Prace składają się z dynamicznie ułożonych elementów, takich jak cienka taśma, fragmenty pleksi oraz efekty powstałe dzięki zastosowaniu sprayu. Każdy z materiałów wprowadza unikalny efekt wizualny – taśma tworzy strukturalne linie i ruch, pleksi dodaje delikatnych refleksów i przejrzystości, a spray generuje rozproszone faktury, które nadają kompozycjom głębię.
Postaci, które zdają się wyłaniać z ciemnego tła, przypominają eteryczne sylwetki unoszące się w przestrzeni. Kompozycje są minimalistyczne, lecz pełne detali, które ujawniają się przy bliższym oglądaniu. Gra światła i cienia potęguje wrażenie trójwymiarowości, a różnorodność faktur tworzy kontrast między gładkimi powierzchniami a matowymi partiami. Całość przywodzi na myśl ruch i lekkość, zachęcając do refleksji nad materialnością i ulotnością.
NAGRODA SPECJALNA
Autor: Paweł OLEARKA
cykl prac
technika własna
2024 r.
Obrazy abstrakcyjne powstają z elementów, takich jak taśma, pleksi i stary spray, w duchu recyklingu. Każdy materiał wnosi
unikalny charakter, tworząc złożone kompozycje, które zapraszają widza do odkrywania ukrytych znaczeń. Taśma nadaje
strukturę, pleksi wprowadza grę światła i cienia, a stary spray dodaje nieprzewidywalności, przywołując wspomnienia
przeszłości. Z tych elementów wyłaniają się postaci z mroku, tańczące w przestrzeni. Prace eksplorują granice między
rzeczywistością a fantazją, angażując emocje i wyobraźnię, promując jednocześnie ideę recyklingu w sztuce.
Kompozycje utrzymane w czarno-białej tonacji charakteryzują się subtelnością i lekką transparentnością. Prace składają się z dynamicznie ułożonych elementów, takich jak cienka taśma, fragmenty pleksi oraz efekty powstałe dzięki zastosowaniu sprayu. Każdy z materiałów wprowadza unikalny efekt wizualny – taśma tworzy strukturalne linie i ruch, pleksi dodaje delikatnych refleksów i przejrzystości, a spray generuje rozproszone faktury, które nadają kompozycjom głębię.
Postaci, które zdają się wyłaniać z ciemnego tła, przypominają eteryczne sylwetki unoszące się w przestrzeni. Kompozycje są minimalistyczne, lecz pełne detali, które ujawniają się przy bliższym oglądaniu. Gra światła i cienia potęguje wrażenie trójwymiarowości, a różnorodność faktur tworzy kontrast między gładkimi powierzchniami a matowymi partiami. Całość przywodzi na myśl ruch i lekkość, zachęcając do refleksji nad materialnością i ulotnością.
NAGRODA SPECJALNA
Autor: Paweł OLEARKA
cykl prac
technika własna
2024 r.
Obrazy abstrakcyjne powstają z elementów, takich jak taśma, pleksi i stary spray, w duchu recyklingu. Każdy materiał wnosi
unikalny charakter, tworząc złożone kompozycje, które zapraszają widza do odkrywania ukrytych znaczeń. Taśma nadaje
strukturę, pleksi wprowadza grę światła i cienia, a stary spray dodaje nieprzewidywalności, przywołując wspomnienia
przeszłości. Z tych elementów wyłaniają się postaci z mroku, tańczące w przestrzeni. Prace eksplorują granice między
rzeczywistością a fantazją, angażując emocje i wyobraźnię, promując jednocześnie ideę recyklingu w sztuce.
Kompozycje utrzymane w czarno-białej tonacji charakteryzują się subtelnością i lekką transparentnością. Prace składają się z dynamicznie ułożonych elementów, takich jak cienka taśma, fragmenty pleksi oraz efekty powstałe dzięki zastosowaniu sprayu. Każdy z materiałów wprowadza unikalny efekt wizualny – taśma tworzy strukturalne linie i ruch, pleksi dodaje delikatnych refleksów i przejrzystości, a spray generuje rozproszone faktury, które nadają kompozycjom głębię.
Postaci, które zdają się wyłaniać z ciemnego tła, przypominają eteryczne sylwetki unoszące się w przestrzeni. Kompozycje są minimalistyczne, lecz pełne detali, które ujawniają się przy bliższym oglądaniu. Gra światła i cienia potęguje wrażenie trójwymiarowości, a różnorodność faktur tworzy kontrast między gładkimi powierzchniami a matowymi partiami. Całość przywodzi na myśl ruch i lekkość, zachęcając do refleksji nad materialnością i ulotnością.
NAGRODA SPECJALNA
Autor: Paweł OLEARKA
cykl prac
technika własna
2024 r.
Obrazy abstrakcyjne powstają z elementów, takich jak taśma, pleksi i stary spray, w duchu recyklingu. Każdy materiał wnosi
unikalny charakter, tworząc złożone kompozycje, które zapraszają widza do odkrywania ukrytych znaczeń. Taśma nadaje
strukturę, pleksi wprowadza grę światła i cienia, a stary spray dodaje nieprzewidywalności, przywołując wspomnienia
przeszłości. Z tych elementów wyłaniają się postaci z mroku, tańczące w przestrzeni. Prace eksplorują granice między
rzeczywistością a fantazją, angażując emocje i wyobraźnię, promując jednocześnie ideę recyklingu w sztuce.
Kompozycje utrzymane w czarno-białej tonacji charakteryzują się subtelnością i lekką transparentnością. Prace składają się z dynamicznie ułożonych elementów, takich jak cienka taśma, fragmenty pleksi oraz efekty powstałe dzięki zastosowaniu sprayu. Każdy z materiałów wprowadza unikalny efekt wizualny – taśma tworzy strukturalne linie i ruch, pleksi dodaje delikatnych refleksów i przejrzystości, a spray generuje rozproszone faktury, które nadają kompozycjom głębię.
Postaci, które zdają się wyłaniać z ciemnego tła, przypominają eteryczne sylwetki unoszące się w przestrzeni. Kompozycje są minimalistyczne, lecz pełne detali, które ujawniają się przy bliższym oglądaniu. Gra światła i cienia potęguje wrażenie trójwymiarowości, a różnorodność faktur tworzy kontrast między gładkimi powierzchniami a matowymi partiami. Całość przywodzi na myśl ruch i lekkość, zachęcając do refleksji nad materialnością i ulotnością.
WYRÓŻNIENIE
Autor: Anna WIECZERZAK-CHRABĄSZCZ
średnica 50 cm
obraz wyklejany
2024 r.
Praca została wykonana na okrągłym podobraziu, na którym wykonany był stary szkic przyszłego obrazu. Szkic został
usunięty, a podobrazie zamalowane na czarno. Na tak przygotowanym tle została wyklejona, metalowymi częściami do
otwierania puszek, dziewczyna oraz kwiaty. Części metalowe były zbierane przez mamę Artystki na cele charytatywne. Nie
zostały odebrane, a artystka „dała” im jeszcze szansę.
Praca została wykonana na okrągłym podobraziu, które zostało pokryte jednolitym czarnym tłem. Na powierzchni stworzono mozaikę z metalowych elementów do otwierania puszek. Kompozycja przedstawia stylizowany wizerunek dziewczyny z jasnymi włosami oraz kolorowymi kwiatami w tle. Metalowe elementy ułożone są w uporządkowany sposób, a ich różnorodność kolorystyczna – złota, srebrna, czerwona, zielona i czarna – tworzy kontrastowe i żywe akcenty.
Elementy zostały starannie dopasowane, aby oddać szczegóły kompozycji, takie jak rysy twarzy czy kształt kwiatów. Kwiaty otaczają główną postać, podkreślając jej centralną rolę w pracy. Blask metalowych powierzchni dodaje pracy dynamiki, a różnorodność kolorów i faktur sprawia, że całość jest wyrazista i przyciąga uwagę.
WYRÓŻNIENIE
Autor: Marcin DUDEK
100 cm x 70 cm
grafika wektorowa, druk pigmentowy na papierze ekologicznym typu kraft
2024 r.
Praca jest odniesieniem się do aktualnych destrukcyjnych zmian jakie dokonują się w środowisku naturalnym. Grafika ma
obrazować postępującą dewastację natury oraz zastępowanie jej sztucznymi formami. Grafika wektorowa pomimo swojej
surowości ma jak najlepiej udawać naturalny charakter przedstawionej materii i stanowić kontrast. Papier typu kraft jest
matowy i niepowlekany, pochodzący z recyklingu. Druk pigmentowy bazuje na farbach wodnych. Zadruk oraz ilość kolorów
zostały ograniczone aby zmniejszyć ilość farb i energii.
Praca przedstawia dynamiczną, czarno-białą grafikę o organicznym, ale jednocześnie geometrycznym charakterze. Centralnym punktem kompozycji jest ciemna, intensywna plama czerni, która stopniowo przechodzi w bardziej rozproszone, linearne struktury na obrzeżach. Linie, przypominające splątane nitki lub gałęzie, tworzą skomplikowaną siatkę, która zdaje się pulsować i rozprzestrzeniać.
Tło wykonane jest z matowego papieru kraftowego w naturalnym, ciepłym odcieniu beżu, co dodaje pracy surowości i kontrastuje z głęboką czernią druku pigmentowego. Grafika wyróżnia się precyzyjnie wykreślonymi detalami i bogatą fakturą, która tworzy wrażenie głębi i trójwymiarowości. Minimalistyczna kolorystyka podkreśla ekologiczny charakter dzieła, a organiczne formy nawiązują do natury, jednocześnie ukazując jej transformację w abstrakcyjne, sztuczne struktury.
WYRÓŻNIENIE
Autor: Anna WIECZERZAK-CHRABĄSZCZ
średnica 50 cm
obraz wyklejany
2024 r.
Praca została wykonana na okrągłym podobraziu, na którym wykonany był stary szkic przyszłego obrazu. Szkic został
usunięty, a podobrazie zamalowane na czarno. Na tak przygotowanym tle została wyklejona, metalowymi częściami do
otwierania puszek, dziewczyna oraz kwiaty. Części metalowe były zbierane przez mamę Artystki na cele charytatywne. Nie
zostały odebrane, a artystka „dała” im jeszcze szansę.
Praca została wykonana na okrągłym podobraziu, które zostało pokryte jednolitym czarnym tłem. Na powierzchni stworzono mozaikę z metalowych elementów do otwierania puszek. Kompozycja przedstawia stylizowany wizerunek dziewczyny z jasnymi włosami oraz kolorowymi kwiatami w tle. Metalowe elementy ułożone są w uporządkowany sposób, a ich różnorodność kolorystyczna – złota, srebrna, czerwona, zielona i czarna – tworzy kontrastowe i żywe akcenty.
Elementy zostały starannie dopasowane, aby oddać szczegóły kompozycji, takie jak rysy twarzy czy kształt kwiatów. Kwiaty otaczają główną postać, podkreślając jej centralną rolę w pracy. Blask metalowych powierzchni dodaje pracy dynamiki, a różnorodność kolorów i faktur sprawia, że całość jest wyrazista i przyciąga uwagę.
WYRÓŻNIENIE
Autor: Anna WIECZERZAK-CHRABĄSZCZ
średnica 50 cm
obraz wyklejany
2024 r.
Praca została wykonana na okrągłym podobraziu, na którym wykonany był stary szkic przyszłego obrazu. Szkic został
usunięty, a podobrazie zamalowane na czarno. Na tak przygotowanym tle została wyklejona, metalowymi częściami do
otwierania puszek, dziewczyna oraz kwiaty. Części metalowe były zbierane przez mamę Artystki na cele charytatywne. Nie
zostały odebrane, a artystka „dała” im jeszcze szansę.
Praca została wykonana na okrągłym podobraziu, które zostało pokryte jednolitym czarnym tłem. Na powierzchni stworzono mozaikę z metalowych elementów do otwierania puszek. Kompozycja przedstawia stylizowany wizerunek dziewczyny z jasnymi włosami oraz kolorowymi kwiatami w tle. Metalowe elementy ułożone są w uporządkowany sposób, a ich różnorodność kolorystyczna – złota, srebrna, czerwona, zielona i czarna – tworzy kontrastowe i żywe akcenty.
Elementy zostały starannie dopasowane, aby oddać szczegóły kompozycji, takie jak rysy twarzy czy kształt kwiatów. Kwiaty otaczają główną postać, podkreślając jej centralną rolę w pracy. Blask metalowych powierzchni dodaje pracy dynamiki, a różnorodność kolorów i faktur sprawia, że całość jest wyrazista i przyciąga uwagę.
WYRÓŻNIENIE
Autor: Anna WIECZERZAK-CHRABĄSZCZ
średnica 50 cm
obraz wyklejany
2024 r.
Praca została wykonana na okrągłym podobraziu, na którym wykonany był stary szkic przyszłego obrazu. Szkic został
usunięty, a podobrazie zamalowane na czarno. Na tak przygotowanym tle została wyklejona, metalowymi częściami do
otwierania puszek, dziewczyna oraz kwiaty. Części metalowe były zbierane przez mamę Artystki na cele charytatywne. Nie
zostały odebrane, a artystka „dała” im jeszcze szansę.
Praca została wykonana na okrągłym podobraziu, które zostało pokryte jednolitym czarnym tłem. Na powierzchni stworzono mozaikę z metalowych elementów do otwierania puszek. Kompozycja przedstawia stylizowany wizerunek dziewczyny z jasnymi włosami oraz kolorowymi kwiatami w tle. Metalowe elementy ułożone są w uporządkowany sposób, a ich różnorodność kolorystyczna – złota, srebrna, czerwona, zielona i czarna – tworzy kontrastowe i żywe akcenty.
Elementy zostały starannie dopasowane, aby oddać szczegóły kompozycji, takie jak rysy twarzy czy kształt kwiatów. Kwiaty otaczają główną postać, podkreślając jej centralną rolę w pracy. Blask metalowych powierzchni dodaje pracy dynamiki, a różnorodność kolorów i faktur sprawia, że całość jest wyrazista i przyciąga uwagę.
WYRÓŻNIENIE
Autor: Anna WIECZERZAK-CHRABĄSZCZ
średnica 50 cm
obraz wyklejany
2024 r.
Praca została wykonana na okrągłym podobraziu, na którym wykonany był stary szkic przyszłego obrazu. Szkic został
usunięty, a podobrazie zamalowane na czarno. Na tak przygotowanym tle została wyklejona, metalowymi częściami do
otwierania puszek, dziewczyna oraz kwiaty. Części metalowe były zbierane przez mamę Artystki na cele charytatywne. Nie
zostały odebrane, a artystka „dała” im jeszcze szansę.
Praca została wykonana na okrągłym podobraziu, które zostało pokryte jednolitym czarnym tłem. Na powierzchni stworzono mozaikę z metalowych elementów do otwierania puszek. Kompozycja przedstawia stylizowany wizerunek dziewczyny z jasnymi włosami oraz kolorowymi kwiatami w tle. Metalowe elementy ułożone są w uporządkowany sposób, a ich różnorodność kolorystyczna – złota, srebrna, czerwona, zielona i czarna – tworzy kontrastowe i żywe akcenty.
Elementy zostały starannie dopasowane, aby oddać szczegóły kompozycji, takie jak rysy twarzy czy kształt kwiatów. Kwiaty otaczają główną postać, podkreślając jej centralną rolę w pracy. Blask metalowych powierzchni dodaje pracy dynamiki, a różnorodność kolorów i faktur sprawia, że całość jest wyrazista i przyciąga uwagę.
WYRÓŻNIENIE
Autor: Anna WIECZERZAK-CHRABĄSZCZ
średnica 50 cm
obraz wyklejany
2024 r.
Praca została wykonana na okrągłym podobraziu, na którym wykonany był stary szkic przyszłego obrazu. Szkic został
usunięty, a podobrazie zamalowane na czarno. Na tak przygotowanym tle została wyklejona, metalowymi częściami do
otwierania puszek, dziewczyna oraz kwiaty. Części metalowe były zbierane przez mamę Artystki na cele charytatywne. Nie
zostały odebrane, a artystka „dała” im jeszcze szansę.
Praca została wykonana na okrągłym podobraziu, które zostało pokryte jednolitym czarnym tłem. Na powierzchni stworzono mozaikę z metalowych elementów do otwierania puszek. Kompozycja przedstawia stylizowany wizerunek dziewczyny z jasnymi włosami oraz kolorowymi kwiatami w tle. Metalowe elementy ułożone są w uporządkowany sposób, a ich różnorodność kolorystyczna – złota, srebrna, czerwona, zielona i czarna – tworzy kontrastowe i żywe akcenty.
Elementy zostały starannie dopasowane, aby oddać szczegóły kompozycji, takie jak rysy twarzy czy kształt kwiatów. Kwiaty otaczają główną postać, podkreślając jej centralną rolę w pracy. Blask metalowych powierzchni dodaje pracy dynamiki, a różnorodność kolorów i faktur sprawia, że całość jest wyrazista i przyciąga uwagę.
WYRÓŻNIENIE
Autor: Marcin DUDEK
100 cm x 70 cm
grafika wektorowa, druk pigmentowy na papierze ekologicznym typu kraft
2024 r.
Praca jest odniesieniem się do aktualnych destrukcyjnych zmian jakie dokonują się w środowisku naturalnym. Grafika ma
obrazować postępującą dewastację natury oraz zastępowanie jej sztucznymi formami. Grafika wektorowa pomimo swojej
surowości ma jak najlepiej udawać naturalny charakter przedstawionej materii i stanowić kontrast. Papier typu kraft jest
matowy i niepowlekany, pochodzący z recyklingu. Druk pigmentowy bazuje na farbach wodnych. Zadruk oraz ilość kolorów
zostały ograniczone aby zmniejszyć ilość farb i energii.
Praca przedstawia dynamiczną, czarno-białą grafikę o organicznym, ale jednocześnie geometrycznym charakterze. Centralnym punktem kompozycji jest ciemna, intensywna plama czerni, która stopniowo przechodzi w bardziej rozproszone, linearne struktury na obrzeżach. Linie, przypominające splątane nitki lub gałęzie, tworzą skomplikowaną siatkę, która zdaje się pulsować i rozprzestrzeniać.
Tło wykonane jest z matowego papieru kraftowego w naturalnym, ciepłym odcieniu beżu, co dodaje pracy surowości i kontrastuje z głęboką czernią druku pigmentowego. Grafika wyróżnia się precyzyjnie wykreślonymi detalami i bogatą fakturą, która tworzy wrażenie głębi i trójwymiarowości. Minimalistyczna kolorystyka podkreśla ekologiczny charakter dzieła, a organiczne formy nawiązują do natury, jednocześnie ukazując jej transformację w abstrakcyjne, sztuczne struktury.
WYRÓŻNIENIE
Autor: Marcin DUDEK
100 cm x 70 cm
grafika wektorowa, druk pigmentowy na papierze ekologicznym typu kraft
2024 r.
Praca jest odniesieniem się do aktualnych destrukcyjnych zmian jakie dokonują się w środowisku naturalnym. Grafika ma
obrazować postępującą dewastację natury oraz zastępowanie jej sztucznymi formami. Grafika wektorowa pomimo swojej
surowości ma jak najlepiej udawać naturalny charakter przedstawionej materii i stanowić kontrast. Papier typu kraft jest
matowy i niepowlekany, pochodzący z recyklingu. Druk pigmentowy bazuje na farbach wodnych. Zadruk oraz ilość kolorów
zostały ograniczone aby zmniejszyć ilość farb i energii.
Praca przedstawia dynamiczną, czarno-białą grafikę o organicznym, ale jednocześnie geometrycznym charakterze. Centralnym punktem kompozycji jest ciemna, intensywna plama czerni, która stopniowo przechodzi w bardziej rozproszone, linearne struktury na obrzeżach. Linie, przypominające splątane nitki lub gałęzie, tworzą skomplikowaną siatkę, która zdaje się pulsować i rozprzestrzeniać.
Tło wykonane jest z matowego papieru kraftowego w naturalnym, ciepłym odcieniu beżu, co dodaje pracy surowości i kontrastuje z głęboką czernią druku pigmentowego. Grafika wyróżnia się precyzyjnie wykreślonymi detalami i bogatą fakturą, która tworzy wrażenie głębi i trójwymiarowości. Minimalistyczna kolorystyka podkreśla ekologiczny charakter dzieła, a organiczne formy nawiązują do natury, jednocześnie ukazując jej transformację w abstrakcyjne, sztuczne struktury.
WYRÓŻNIENIE
Autor: Marcin DUDEK
100 cm x 70 cm
grafika wektorowa, druk pigmentowy na papierze ekologicznym typu kraft
2024 r.
Praca jest odniesieniem się do aktualnych destrukcyjnych zmian jakie dokonują się w środowisku naturalnym. Grafika ma
obrazować postępującą dewastację natury oraz zastępowanie jej sztucznymi formami. Grafika wektorowa pomimo swojej
surowości ma jak najlepiej udawać naturalny charakter przedstawionej materii i stanowić kontrast. Papier typu kraft jest
matowy i niepowlekany, pochodzący z recyklingu. Druk pigmentowy bazuje na farbach wodnych. Zadruk oraz ilość kolorów
zostały ograniczone aby zmniejszyć ilość farb i energii.
Praca przedstawia dynamiczną, czarno-białą grafikę o organicznym, ale jednocześnie geometrycznym charakterze. Centralnym punktem kompozycji jest ciemna, intensywna plama czerni, która stopniowo przechodzi w bardziej rozproszone, linearne struktury na obrzeżach. Linie, przypominające splątane nitki lub gałęzie, tworzą skomplikowaną siatkę, która zdaje się pulsować i rozprzestrzeniać.
Tło wykonane jest z matowego papieru kraftowego w naturalnym, ciepłym odcieniu beżu, co dodaje pracy surowości i kontrastuje z głęboką czernią druku pigmentowego. Grafika wyróżnia się precyzyjnie wykreślonymi detalami i bogatą fakturą, która tworzy wrażenie głębi i trójwymiarowości. Minimalistyczna kolorystyka podkreśla ekologiczny charakter dzieła, a organiczne formy nawiązują do natury, jednocześnie ukazując jej transformację w abstrakcyjne, sztuczne struktury.
WYRÓŻNIENIE
Autor: Marcin DUDEK
100 cm x 70 cm
grafika wektorowa, druk pigmentowy na papierze ekologicznym typu kraft
2024 r.
Praca jest odniesieniem się do aktualnych destrukcyjnych zmian jakie dokonują się w środowisku naturalnym. Grafika ma
obrazować postępującą dewastację natury oraz zastępowanie jej sztucznymi formami. Grafika wektorowa pomimo swojej
surowości ma jak najlepiej udawać naturalny charakter przedstawionej materii i stanowić kontrast. Papier typu kraft jest
matowy i niepowlekany, pochodzący z recyklingu. Druk pigmentowy bazuje na farbach wodnych. Zadruk oraz ilość kolorów
zostały ograniczone aby zmniejszyć ilość farb i energii.
Praca przedstawia dynamiczną, czarno-białą grafikę o organicznym, ale jednocześnie geometrycznym charakterze. Centralnym punktem kompozycji jest ciemna, intensywna plama czerni, która stopniowo przechodzi w bardziej rozproszone, linearne struktury na obrzeżach. Linie, przypominające splątane nitki lub gałęzie, tworzą skomplikowaną siatkę, która zdaje się pulsować i rozprzestrzeniać.
Tło wykonane jest z matowego papieru kraftowego w naturalnym, ciepłym odcieniu beżu, co dodaje pracy surowości i kontrastuje z głęboką czernią druku pigmentowego. Grafika wyróżnia się precyzyjnie wykreślonymi detalami i bogatą fakturą, która tworzy wrażenie głębi i trójwymiarowości. Minimalistyczna kolorystyka podkreśla ekologiczny charakter dzieła, a organiczne formy nawiązują do natury, jednocześnie ukazując jej transformację w abstrakcyjne, sztuczne struktury.
WYRÓŻNIENIE
Autor: Marcin DUDEK
100 cm x 70 cm
grafika wektorowa, druk pigmentowy na papierze ekologicznym typu kraft
2024 r.
Praca jest odniesieniem się do aktualnych destrukcyjnych zmian jakie dokonują się w środowisku naturalnym. Grafika ma
obrazować postępującą dewastację natury oraz zastępowanie jej sztucznymi formami. Grafika wektorowa pomimo swojej
surowości ma jak najlepiej udawać naturalny charakter przedstawionej materii i stanowić kontrast. Papier typu kraft jest
matowy i niepowlekany, pochodzący z recyklingu. Druk pigmentowy bazuje na farbach wodnych. Zadruk oraz ilość kolorów
zostały ograniczone aby zmniejszyć ilość farb i energii.
Praca przedstawia dynamiczną, czarno-białą grafikę o organicznym, ale jednocześnie geometrycznym charakterze. Centralnym punktem kompozycji jest ciemna, intensywna plama czerni, która stopniowo przechodzi w bardziej rozproszone, linearne struktury na obrzeżach. Linie, przypominające splątane nitki lub gałęzie, tworzą skomplikowaną siatkę, która zdaje się pulsować i rozprzestrzeniać.
Tło wykonane jest z matowego papieru kraftowego w naturalnym, ciepłym odcieniu beżu, co dodaje pracy surowości i kontrastuje z głęboką czernią druku pigmentowego. Grafika wyróżnia się precyzyjnie wykreślonymi detalami i bogatą fakturą, która tworzy wrażenie głębi i trójwymiarowości. Minimalistyczna kolorystyka podkreśla ekologiczny charakter dzieła, a organiczne formy nawiązują do natury, jednocześnie ukazując jej transformację w abstrakcyjne, sztuczne struktury.
WYRÓŻNIENIE
Autor: Natalia SUWAJ
85 cm x 68 cm
asamblaż
2024 r.
W pracy wykorzystano korę z powalonego drzewa, oznaczonego pomarańczowym krzyżykiem „do wycięcia”. Kora
pokrywa pień, konary i korzenie drzew. Składa się z dwóch warstw: zewnętrznej, pełniącej funkcję ochronną i izolacyjną
oraz wewnętrznej, żywej, odpowiedzialnej za transport składników pokarmowych. Bez niej drzewo obumiera. By wskrzesić
drzewo skazane przez człowieka na śmierć, Artystka zebrała jego korę i umieściła na zamalowanym farbami eko płótnie.
Kora pomalowana została na czarno, w tym przypadku kolor symbolizujący żałobę, ale również pozorujący nadpaloną,
zwęgloną skórę.
Praca przedstawia fragmenty kory drzewa, ułożone na zamalowanym płótnie, tworząc trójwymiarową, surową kompozycję. Kora została pomalowana na czarno, co nadaje jej wygląd przypominający nadpaloną lub zwęgloną powierzchnię. W centralnej części widoczny jest pomarańczowy krzyżyk, który silnie kontrastuje z ciemną kolorystyką, przyciągając uwagę i wprowadzając element dramatyzmu.
Naturalna tekstura kory – z jej pęknięciami, nieregularnościami i różnorodnością faktur – stanowi kluczowy element wizualny pracy. Obok czarnej, „nadpalonej” kory widoczne są fragmenty w naturalnym, brązowym odcieniu, które ujawniają surowy charakter materiału. Tło kompozycji w odcieniach beżu i czerni, z delikatnymi akcentami różu, wprowadza subtelny kontrast do ciężkiej, fakturalnej struktury kory, nadając całości głębi i złożoności.
WYRÓŻNIENIE
Autor: Natalia SUWAJ
85 cm x 68 cm
asamblaż
2024 r.
W pracy wykorzystano korę z powalonego drzewa, oznaczonego pomarańczowym krzyżykiem „do wycięcia”. Kora
pokrywa pień, konary i korzenie drzew. Składa się z dwóch warstw: zewnętrznej, pełniącej funkcję ochronną i izolacyjną
oraz wewnętrznej, żywej, odpowiedzialnej za transport składników pokarmowych. Bez niej drzewo obumiera. By wskrzesić
drzewo skazane przez człowieka na śmierć, Artystka zebrała jego korę i umieściła na zamalowanym farbami eko płótnie.
Kora pomalowana została na czarno, w tym przypadku kolor symbolizujący żałobę, ale również pozorujący nadpaloną,
zwęgloną skórę.
Praca przedstawia fragmenty kory drzewa, ułożone na zamalowanym płótnie, tworząc trójwymiarową, surową kompozycję. Kora została pomalowana na czarno, co nadaje jej wygląd przypominający nadpaloną lub zwęgloną powierzchnię. W centralnej części widoczny jest pomarańczowy krzyżyk, który silnie kontrastuje z ciemną kolorystyką, przyciągając uwagę i wprowadzając element dramatyzmu.
Naturalna tekstura kory – z jej pęknięciami, nieregularnościami i różnorodnością faktur – stanowi kluczowy element wizualny pracy. Obok czarnej, „nadpalonej” kory widoczne są fragmenty w naturalnym, brązowym odcieniu, które ujawniają surowy charakter materiału. Tło kompozycji w odcieniach beżu i czerni, z delikatnymi akcentami różu, wprowadza subtelny kontrast do ciężkiej, fakturalnej struktury kory, nadając całości głębi i złożoności.
WYRÓŻNIENIE
Autor: Natalia SUWAJ
85 cm x 68 cm
asamblaż
2024 r.
W pracy wykorzystano korę z powalonego drzewa, oznaczonego pomarańczowym krzyżykiem „do wycięcia”. Kora
pokrywa pień, konary i korzenie drzew. Składa się z dwóch warstw: zewnętrznej, pełniącej funkcję ochronną i izolacyjną
oraz wewnętrznej, żywej, odpowiedzialnej za transport składników pokarmowych. Bez niej drzewo obumiera. By wskrzesić
drzewo skazane przez człowieka na śmierć, Artystka zebrała jego korę i umieściła na zamalowanym farbami eko płótnie.
Kora pomalowana została na czarno, w tym przypadku kolor symbolizujący żałobę, ale również pozorujący nadpaloną,
zwęgloną skórę.
Praca przedstawia fragmenty kory drzewa, ułożone na zamalowanym płótnie, tworząc trójwymiarową, surową kompozycję. Kora została pomalowana na czarno, co nadaje jej wygląd przypominający nadpaloną lub zwęgloną powierzchnię. W centralnej części widoczny jest pomarańczowy krzyżyk, który silnie kontrastuje z ciemną kolorystyką, przyciągając uwagę i wprowadzając element dramatyzmu.
Naturalna tekstura kory – z jej pęknięciami, nieregularnościami i różnorodnością faktur – stanowi kluczowy element wizualny pracy. Obok czarnej, „nadpalonej” kory widoczne są fragmenty w naturalnym, brązowym odcieniu, które ujawniają surowy charakter materiału. Tło kompozycji w odcieniach beżu i czerni, z delikatnymi akcentami różu, wprowadza subtelny kontrast do ciężkiej, fakturalnej struktury kory, nadając całości głębi i złożoności.
WYRÓŻNIENIE
Autor: Natalia SUWAJ
85 cm x 68 cm
asamblaż
2024 r.
W pracy wykorzystano korę z powalonego drzewa, oznaczonego pomarańczowym krzyżykiem „do wycięcia”. Kora
pokrywa pień, konary i korzenie drzew. Składa się z dwóch warstw: zewnętrznej, pełniącej funkcję ochronną i izolacyjną
oraz wewnętrznej, żywej, odpowiedzialnej za transport składników pokarmowych. Bez niej drzewo obumiera. By wskrzesić
drzewo skazane przez człowieka na śmierć, Artystka zebrała jego korę i umieściła na zamalowanym farbami eko płótnie.
Kora pomalowana została na czarno, w tym przypadku kolor symbolizujący żałobę, ale również pozorujący nadpaloną,
zwęgloną skórę.
Praca przedstawia fragmenty kory drzewa, ułożone na zamalowanym płótnie, tworząc trójwymiarową, surową kompozycję. Kora została pomalowana na czarno, co nadaje jej wygląd przypominający nadpaloną lub zwęgloną powierzchnię. W centralnej części widoczny jest pomarańczowy krzyżyk, który silnie kontrastuje z ciemną kolorystyką, przyciągając uwagę i wprowadzając element dramatyzmu.
Naturalna tekstura kory – z jej pęknięciami, nieregularnościami i różnorodnością faktur – stanowi kluczowy element wizualny pracy. Obok czarnej, „nadpalonej” kory widoczne są fragmenty w naturalnym, brązowym odcieniu, które ujawniają surowy charakter materiału. Tło kompozycji w odcieniach beżu i czerni, z delikatnymi akcentami różu, wprowadza subtelny kontrast do ciężkiej, fakturalnej struktury kory, nadając całości głębi i złożoności.
WYRÓŻNIENIE
Autor: Natalia SUWAJ
85 cm x 68 cm
asamblaż
2024 r.
W pracy wykorzystano korę z powalonego drzewa, oznaczonego pomarańczowym krzyżykiem „do wycięcia”. Kora
pokrywa pień, konary i korzenie drzew. Składa się z dwóch warstw: zewnętrznej, pełniącej funkcję ochronną i izolacyjną
oraz wewnętrznej, żywej, odpowiedzialnej za transport składników pokarmowych. Bez niej drzewo obumiera. By wskrzesić
drzewo skazane przez człowieka na śmierć, Artystka zebrała jego korę i umieściła na zamalowanym farbami eko płótnie.
Kora pomalowana została na czarno, w tym przypadku kolor symbolizujący żałobę, ale również pozorujący nadpaloną,
zwęgloną skórę.
Praca przedstawia fragmenty kory drzewa, ułożone na zamalowanym płótnie, tworząc trójwymiarową, surową kompozycję. Kora została pomalowana na czarno, co nadaje jej wygląd przypominający nadpaloną lub zwęgloną powierzchnię. W centralnej części widoczny jest pomarańczowy krzyżyk, który silnie kontrastuje z ciemną kolorystyką, przyciągając uwagę i wprowadzając element dramatyzmu.
Naturalna tekstura kory – z jej pęknięciami, nieregularnościami i różnorodnością faktur – stanowi kluczowy element wizualny pracy. Obok czarnej, „nadpalonej” kory widoczne są fragmenty w naturalnym, brązowym odcieniu, które ujawniają surowy charakter materiału. Tło kompozycji w odcieniach beżu i czerni, z delikatnymi akcentami różu, wprowadza subtelny kontrast do ciężkiej, fakturalnej struktury kory, nadając całości głębi i złożoności.
Projekt „Less Waste w odniesieniu do sztuki” to wielowymiarowe przedsięwzięcie, które łączy refleksję nad ekologią z eksploracją artystycznych możliwości. W ramach projektu prezentowane są dwie wystawy: wystawa indywidualna rzeszowskiej artystki Renaty Masłyk oraz wystawa pokonkursowa prac innych twórców, tworząc przestrzeń do dialogu o roli sztuki w kształtowaniu świadomości ekologicznej.
Celem projektu jest podkreślenie znaczenia idei less waste w kontekście współczesnej twórczości artystycznej. Artystka, prezentując swoje prace wykonane z materiałów wtórnych, takich jak worki jutowe, stare ubrania czy zużyte podobrazia, zaprasza odbiorców do refleksji nad pięknem i wartością rzeczy, które często uznawane są za niepotrzebne. Jednocześnie,poprzez organizację konkursu artystycznego, stawia pytanie: „Jak można reinterpretować odpady i nadać im nowe życie w kontekście sztuki?”, inspirując innych twórców do zmierzenia się z tym samym tematem.
Wystawa indywidualna umożliwia Artystce podzielenie się swoją unikalną wizją i podejściem do sztuki w duchu zrównoważonego rozwoju, a wystawa pokonkursowa ukazuje różnorodne interpretacje tej samej idei. Łącząc te elementy, projekt tworzy przestrzeń do wymiany doświadczeń, wzajemnej inspiracji oraz budowania świadomości w zakresie ekologii.
Założeniem projektu jest także podkreślenie, że sztuka może pełnić ważną funkcję społeczną – edukować, prowokować do myślenia i zachęcać do działania na rzecz ochrony środowiska. Projekt skierowany jest zarówno do profesjonalnych artystów, jak i szerokiej publiczności, budując most między kreatywnością a odpowiedzialnością za otaczający nas świat.
Wydarzenie uzyskało Patronaty Honorowe: Prezydenta Miasta Rzeszowa oraz Marszałka Województwa Podkarpackiego, co podkreśla jego znaczenie w regionalnym i kulturalnym kontekście. Projekt „Less Waste w odniesieniu do sztuki” staje się ważnym głosem w dyskusji o zrównoważonym rozwoju, udowadniając, że sztuka może być nie tylko środkiem ekspresji,
ale także narzędziem zmiany społecznej i ekologicznej.